TRAZOS

TRAZOS Nº14

2010-12-01T08:54:00.001-08:00

TRAZOS Nº13

2010-10-15T14:49:00.000-07:00

SALIDA de EMERGENCIA

2010-06-07T14:53:00.000-07:00

La Feria de Fotografía Emergente llega a Madrid tras el éxito de la primera edición

SALIDA DE EMERGENCIA EN MADRID

La Feria de Fotografía SALIDA DE EMERGENCIA vuelve a convertirse en el punto de encuentro para nuevos creadores del ámbito de la fotografía y que desarrollan un discurso artístico renovador tanto desde el plano artístico como en su producción.

En SALIDA DE EMERGENCIA, 25 fotógrafos mostrarán sus trabajos en contacto directo con el público.

SALIDA DE EMERGENCIA se celebra del 9 al 13 de junio de 2010 y elige, para su segunda edición, la sede de MADPHOTO, escuela y taller de Fotografía con la finalidad de convertirse así en la plataforma para dar a conocer la producción fotográfica más vanguardista.

Los artistas seleccionados para la Feria son:

Ana de Miguel

Juan Baraja Rodríguez

Veronika Márquez

Joana E. Sendra Alemany

Javier Bejarano

Jesús Limárquez Salas

mhcaviedes

Fran Veiga

Dear Mimi

Daniel Santos Megina

David Matellanes

Bea Domingo

Enrique Muda

Jaime Pisarra

Gemma White

Teresa Garrido

Andrea Castro Iglesias

Verónica Velasco Barthel

Miguel Bisbal Barragán

Jaime Bisbal Barragán

Óscar Franch Martínez

Javier Ayuso

Eduardo Díez Pozas

María Sánchez

Rafael Fernández Álvarez

Javier L. Navarrete

Dentro de SALIDA DE EMERGENCIA tendrá lugar un Simposio sobre Producción Contemporánea de Fotografía en el que intervendrán personalidades como José María Díaz-Maroto, Manuel Sonseca, Pepe Frisuelos, Braulio Ariza, entre otros.

Fecha Inauguración: 9 de junio de 2010

Hora: 18 horas

Lugar: MADPHOTO (C/ Ángel Puech, 11). 28039 - Madrid).

RECONTRES INTERNACIONALES

2010-04-10T05:21:00.000-07:00

Nuevo cine y arte contemporáneo

Del 12 al 21 de abril de 2010, los Rencontres Internationales crearán nuevamente, durante 10 días, un espacio de descubrimiento y reflexión entre el nuevo cine y el arte contemporáneo, teniendo como sede diferentes lugares:

• en la Tabacalera - Futuro Centro National de las Artes Visuales,

• en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía,

• en la Filmoteca Española,

• en la Sala Alcalá 31 de la Comunidad de Madrid.

En presencia de 120 artistas y de realizadores de todo el mundo, esta edición excepcional propondrá una programación internacional inédita - cine, vídeo, multimedia. La programación cuenta con treinta sesiones de proyecciones, una exposición vídeo y multimedia, así como de un ciclo de mesas redondas. Un espacio de consulta permitirá a todos ver o volver a ver a pedido el conjunto de la programación, de la cual un 95% es presentado en première.

En presencia de artistas y directores de todo el mundo, esta edición excepcional propondrá una programación internacional inédita que reúne 150 obras de Alemania, Francia, España y de otros 50 países, obras de artistas y directores reconocidos en el escenario internacional y de directores presentes por primera vez en Madrid. Con numerosas peliculas presentadas en estreno, programación vídeoarte, debates y conciertos multimedia.

http://art-action.org/

ABRIL

2010-04-01T05:33:00.000-07:00

MARZO

2010-03-01T05:38:00.000-08:00

FEBRERO

2010-02-01T04:40:00.000-08:00

LÉELO YA EN WWW.TRAZOSREVISTA.COM

DICIEMBRE

2009-12-15T15:28:00.000-08:00

FOTOGRAFÍA

2009-12-15T15:22:00.000-08:00

DIANE ARBUS

De todas las escenas impactantes que Jonathan Demme filmó para El Silencio de los Corderos, una de las más difíciles de olvidar es aquella en la que el asesino baila desnudo y se esconde la colita con los muslos. Algo parecido ocurre con El Resplandor, la película de Kubrick, y la inquietante aparición de dos gemelas idénticas al final del pasillo. ¿Qué tienen en común estas dos imágenes, más allá de formar parte de la cultura popular? Que las dos están inspiradas en fotografías de Diane Arbus.

Hay muchas maneras de presentar a Diane Arbus. Una es, como ya ha quedado demostrado, hablar de la tremenda influencia que ejerció en el cine. Otra, contar que la gente se volvía loca por ir a ver su exposición de 1972 en el MoMA, la primera de un fotógrafo en solitario que convocó, ojo al dato, a más de doscientas cincuenta mil personas. Según dejó escrito Susan Sontag, Diane Arbus fue quien dio la puntilla definitiva al buen rollo americano con sus fotos de frikis y de gente deforme. Una muchachita modosa, chiquitina, de piernas bonitas y ojos como platos, que se suicidó antes de cumplir 50 años. Y a cuyo entierro en Nueva York acudió, después de haber atravesado el mundo desde París sólo para eso, el mismísimo Richard Avedon.
Para mí, Diane Arbus juega en la misma liga que Caravaggio o Modigliani: es uno de esos personajes de la historia del Arte de los que te leerías una biografía sin cuadros. Cuanto más la conoces, más te preguntas si no será cierto ese tópico cursi según el cual la vida de un artista atormentado es más fascinante que su propia obra. (Oh, Dios, espero que esto no lo lea ningún profesor).

Os cuento: los padres de Diane estaban tan podridos que la chiquilla ni se enteró de que el mundo había entrado en barrena cuando la crisis del 29. Mientras otros fotógrafos como Dorothea Lange o Walker Evans retrataban la miseria de las uvas de la ira, ella era una cría que se aburría en su piso de catorce habitaciones de Central Park. Así seguiría hasta que cumplió catorce años, cuando se enamoró de un tipo infinitamente más pobre que ella y juró que se casaría con él. Diane se pasó cuatro años dando la lata, pero se salió con la suya. Allan Arbus (el apellido es suyo, ella lo tomó al casarse) era tan rarito como ella, y los dos hicieron una pareja perfecta de fotógrafos de moda. Mientras las modelos posaban, ellos cuchicheaban y soltaban risitas cómplices. Y todo el mundo hablaba de lo tímidos y monos que eran.

La parte más jugosa de la historia, sin embargo, no llega hasta los años sesenta. En esta época la vida de Diane pega un vuelco y pasa de ser un modoso cuento de hadas a convertirse en un siniestro descenso a las cloacas de terciopelo que salen en Cowboy de medianoche. Separada de su marido, Diane comienza a hacer fotos por su cuenta. Sus modelos serán los tipos más raros de Nueva York, deformes sacados de un vídeo de Marylin Manson, meretrices, travestis, patriotas o muchachitas blancas que se quedaban embarazadas del negro más chungo del parque. Después de haber crecido en un simulacro de vida con olor a abrigo de visón, Diane buscaba experiencias extremas. Iba por la calle, veía a un enano y le preguntaba si la invitaba a su casa a que le hiciese fotos en el sofá. O se apuntaba a una orgía. O celebraba el cumple de un transexual sin amigos en una mugrienta habitación de hotel donde los yonkis se morían de sobredosis.

La tragedia de Diane es que siempre sospechó que nadie entendería por qué hacía esto. Algunos la acusan de sensacionalista; otros, de haber confundido el concepto “parque de atracciones” con el concepto “miseria ajena”. Por mi parte, creo que la clave está en comprender que ella utilizaba la fotografía como excusa, y no como herramienta para conocer el mundo. Y, consecuentemente, que lo suyo era más parecido a vivir una aventura personal que a dejar una obra de arte para el resto de la humanidad. A partir de aquí, no me digáis que no, dan ganas de replantearse lo de ir a un museo, porque lo divertido de un cuadro no es verlo… sino pintarlo.

Rfa.

GALERÍAS

2009-12-15T15:12:00.000-08:00

Berlín / Galeríe Alexandra Saheb
Steven Black - Steven Black

La Galería Alexandra Saheb presenta por cuarta vez a uno de sus artistas predilectos. La vida no se encuentra dentro del movimiento, sino en los trazos de las pinturas de Steven Black. Con sus obras confronta al espectador con imágenes de sus modelos que aparecen en diferentes poses, a menudo extremas. Los retratados parecen petrificados como figuras de cera y, como si de un análisis microscópico se tratara, Black se aproxima a la superficie y llega hasta lo más profundo de la piel como si estuviese buscando y encontrando lo vivo en ese lugar. Incluso va más allá cuando parece penetrar en la superficie para, literalmente, invertir el interior hacia el exterior. Por primera vez se mostrarán, además de retratos individuales y de grupo, imágenes abstractas. Son primeros planos de sus obras habituales, recortados y ampliados, que sirven para reunir los resultados de las investigaciones pictóricas del artista.

Hasta el 19 de diciembre

Berlín / Merry Karnowsky Gallery
Kill Pixie (aka Mark Whalen) - Supreme Beings

Kill Pixie comenzó como artista de graffitti en las calles de su ciudad natal Sydney (Australia). Una vez hecha la transición del arte urbano al de las galerías, los materiales elegidos para sus obras se convirtieron en tinta y acrílico con papel montado sobre paneles de madera recubiertas de resina brillante. En sus últimas obras presentadas bajo el título Supreme Being en la galería Merry Karnowsky, los humanoides enmascarados de Pixie habitan en piscinas celestiales y spas dentro de futurísticas casas de baños donde la gravedad pierde todo significado. Pinturas geométricas y de colores extravagantes inspiradas en el arte popular, la cultura urbana y las ciencias mecánicas. Todas ellas con una reinterpretación muy personal de la lucha universal humana entre los instintos antagónicos de libertad y control de la era contemporánea.

Hasta el 19 de diciembre

Críticas de Sara Alfonso

Londres / Josh Lilley Gallery
"Mixtilínea" - Belén Rodríguez
La fiebre española ha llegado a Londres: mientras una serie de obras españolas del siglo XVII decoran las paredes de la National Gallery, Belén Rodríguez triunfa con una exhibición en la que presenta parte de sus proyecciones, instalaciones y trabajos en papel. Con ellos, la artista, que vive y trabaja en Viena, reflexiona sobre el tiempo a través de conceptos como la observación o la banalidad en la vida diaria. Y en varias de las obras la artista registra su propia experiencia personal. En la instalación Timeline, obra estrella, aparecen fotografías de los lugares donde estuvo la artista en un periodo de 24 horas mientras hacia sus actividades cotidianas en su ciudad natal y un pequeño tren recorre las imágenes como si de viaje espacio-temporal se tratara. Otra obra, Swiss Notebook, nos hace reflexionar sobre la capacidad de coleccionar y ordenar memorias, notas y recuerdos del ser humano. Simbología y realidad conviven en el mismo espacio.

Hasta el 20 de enero.

Londres / Grosvenor Gallery
“ANGLO-INDIAN EXPRESS”

A principios del siglo XX India se encontraba bajo manos británicas. Aunque India consiguió la independencia en 1947, el contacto entre los dos países se ha mantenido durante años. Hoy en día las calles de Londres se encuentran repletas de personas de origen anglo-indio, una mezcla que ha enriquecido la ciudad. La galería Grosvenor ha querido celebrar este contacto entre Oriente y Occidente con una exposición de obras creadas por artistas que han vivido en el Reino Unido pero que son parte de los dos mundos. De ellos se ha elegido trabajos que se han convertido en el billete de viaje para los visitantes que pueden visitar un país lejano sin necesidad de moverse de Europa. Entre estos artistas se encuentran reconocidos creadores ya muertos como Francis Newton Souza, parte del Progressive Artists´ Group, o creadores todavía en plena ebullición como Dilip Sur or Durvasula. Las puertas están abiertas para todo aquel que quiera emprender el viaje.

Hasta el 9 de enero.

Críticas de Naiara Valdano.

CRÍTICA DE CINE

2009-12-15T15:06:00.000-08:00

UN LUGAR DONDE QUEDARSE

Esta es la segunda película de Sam Mendes (director de “American Beauty”) que se estrena este año en nuestro país. La primera, la extraordinaria “Revolutionary Road”, había dejado no obstante un regusto amargo por su desesperanzada visión de la familia norteamericana. Parece como si la ligera “Un lugar donde quedarse” hubiera servido a Mendes como una especie de terapia. Porque, a pesar de que hay lugar para el sarcasmo y la crítica a distintos estamentos de la sociedad americana, el encanto humilde de la pareja protagonista (interpretada por actores no famosos) contagia al espectador en una historia en la que sí hay un horizonte de esperanza. Únicamente algún trazo demasiado grueso en los retratos más irónicos se sale de un conjunto bastante equilibrado.

LUNA NUEVA

Es innegable que la saga “Crepúsculo” se ha convertido en un fenómeno de masas. Pero eso no quiere decir que detrás de ese éxito haya una propuesta cinematográfica digna.
Lo peor de “Luna nueva” no es el diálogo cursi; tampoco la descarada estética de anuncio de ropa interior masculina; tampoco los efectos especiales de segundo nivel. Lo peor de este subproducto, en definitiva, no es que sea malo, sino que es aburrido, el único pecado que no puede cometer el cine comercial. La línea argumental es mínima, pero se desarrolla de forma lenta a lo largo de dos horas eternas e insufribles. Además, la heroína que millones de chicas admiran resulta no tener interés por nada: se pasa la película mirando por la ventana y pensando en suicidarse. Una chica que se entrega de forma sumisa a una relación que la consume no es un ejemplo muy edificante.

PERFIL: JAMES CAMERON

(Director de “Avatar”, estreno de este mes):

Tras la intrascendente “Piraña 2”, Cameron se presentó ante el mundo con un clásico de la ciencia-ficción: “Terminator” (1984), en la que inventaba un icono basado en las pesadillas tecnológicas de “Blade Runner”. No es extraño, pues, que le ofrecieran dirigir la secuela de la otra obra magna de Ridley Scott (“Alien”): el “Aliens” (1986) de Cameron recuperaba la atmósfera malsana del original y lo amplificaba hasta convertirlo en un espectáculo de acción en cuyo corazón latía la humanidad de la historia de Ripley. Tras bajar un poco el nivel con “Abbyss” (1989), Cameron ofreció otro clásico, “Terminador 2” (1991), una historia que ampliaba y mejoraba el original, unida a unos revolucionarios efectos digitales. Tras internarse con éxito en la comedia de acción (“Mentiras arriesgadas”, 1994), Cameron batió todos los records de taquilla y de Oscars con “Titanic”, hábil mezcla de espectáculo y romance, al estilo del viejo Hollywood.

Federico Alba.

CINE

2009-12-15T15:01:00.000-08:00

TOD BROWNING

El círculo de Bellas Artes de Madrid saca de nuevo a relucir a algún cineasta olvidado y hace, hasta el día 20 de diciembre, un ciclo dedicado al prolífico director (también actor, guionista y productor) Tod Browning.

Tres de la mañana, la casa totalmente en silencio y un insomnio que no sé como abatir, asi que, en vista de que voy a escribir un artículo sobre Tod Browning, decido empezar a investigar sobre el tema. En la página del Círculo de Bellas Artes me advierten de que voy a lidiar con un señor que hacía cine de lo más excéntrico allá por los años treinta. Cuán equivocada estaba cuando pensé que me encontraría con películas del tipo Intolerancia, El acorazado Potemkin o King Kong con temática más o menos social, política, aventurera o cómica, donde debería centrar mis esfuerzos en el lenguaje narrativo y no tanto en la historia.

Decido ver Freaks (1932), la que es una de las películas más conocidas del director, aunque estuvo largo tiempo censurada. En buena hora empecé por aquí, pues las tres de la mañana se convirtieron en una noche sin pegar ojo, horrorizada por el desfile de hombres y mujeres deformados. Así que, se me olvidó por completo eso del análisis formal y me dediqué a la historia y a sus personajes: el día a día de un circo de principios del siglo pasado.

La vida de Tod Browning sucede paralela a la historia del cinematógrafo. En 1882, año en que nace el director, no existía el cine. El séptimo arte aparece oficialmente el 28 de diciembre de 1895 de la mano de los hermanos Lumière y su proyección de la llegada un tren. La ilusión de captar la realidad en movimiento se hacía posible.

Mientras tanto Browning se va de casa para unirse a un espectáculo de variedades y al circo que siempre le había llamado la atención. Este mundo le lleva a conocer a Griffith, destacado director que revoluciona el lenguaje cinematográfico gracias al montaje como instrumento expresivo. Participará como actor en algunas películas de Griffith y empezará, en 1913, a hacer cortometrajes como director.

Aunque su primera película es Jim Bludso de 1917, el Círculo de Bellas Artes proyecta El trío Fantástico que se rodó ocho años más tarde y Garras humanas que es de 1927. Ambos films son mudos pues el cine sonoro aparece entonces con El cantor de jazz.

Con el sonido en las salas totalmente instaurado, el director lanza Drácula (1931). En principio la película iba a ser protagonizada por Lon Chaney, su actor fetiche hasta el momento, pero muere y es sustituido por un intérprete con aires misteriosos: Bela Lugosi. Tras Freaks, antes mencionada, Tod Browning continua haciendo películas del género de terror bajo los títulos Mark of the Vampire (1935) o The Devil Doll (1936). Aunque por lo aquí contado parezca que el cineasta sólo se dedicó a esta temática, dirigió más de sesenta títulos contando historias de lo más diversas.

Finalmente se retiró en los años cuarenta y acabó muriendo en 1962 en la soledad de su casa.

Si te ha picado el gusanillo y quieres conocer más de cerca de Tod Browning puedes ver la programación en la página del Círculo de Bellas Artes, las películas se repiten varios días, así que aún estás a tiempo de no pegar ojo, como yo, e ir a ver Freaks.

Paloma Torrecillas.

ENTREVISTA 1

2009-12-15T14:49:00.000-08:00

PABLO GENOVÉS

La Galería Estiarte ha expuesto en sus salas durante estos días de noviembre y diciembre la serie “Precipitados”, último trabajo del fotógrafo Pablo Genovés que llevaba ocho años sin exponer en la capital española a pesar de vivir y trabajar entre Madrid y Berlín. A través de estás imágenes y de la mano del artista, estamos preparados para, sin precipitarnos, revisar nuestra historia.

-Con la serie “Precipitados” pareces enviar un mensaje profético de destrucción de nuestro mundo y en concreto de nuestra cultura. Cuál es tu postura ante ese presagio ¿crees que está por venir o que sin embargo viene sucediendo hace ya tiempo?
-Toda la exposición habla de eso, de la muerte no solo de un planeta, que puede ser una interpretación, sino de un final, un momento de cambio radical. Estamos viviendo, desde los últimos quince o veinte años, a una velocidad increíble, y no busco ya una visión catastrofista sino algo así como una llamada de atención. Podrían ser fotos simplemente tremendistas y sensacionalistas, pero creo que hablan de más cosas. No hay tan solo destrucción, también existe un punto de cariño hacia el pasado, el recuerdo, la memoria. No busco el recurso facilón de “cualquier tiempo pasado fue mejor”. Realmente yo creo que las cosas del pasado todavía son y permanecen en nuestro presente. Pero el sistema en el que vivimos nos vende continuamente una idea de evolución que es bastante relativa.

-Como viene siendo normal en toda tu obra, el lenguaje y la técnica que utilizas dice mucho respecto al contenido de “Precipitados”. ¿Podrías explicar un poco su proceso técnico, de dónde vienen esas imágenes y cómo las has manipulado?
-Lo primero que hago es ir por todos los mercados de Europa que puedo, en los que hay muchas postales antiguas y estampas. Allí veo y veo miles de imágenes. En Berlín hay muchísimo material y casi todas las imágenes de “Precepitados “proceden de mercadillos de allí. Cualquier imagen que me dice algo, que me parece especial por lo que sea, la compro. Tengo un archivo de igual unas siete mil imágenes, de las cuales luego hago una selección exhaustiva de la que puede que me quede tan sólo con siete u ocho imágenes. Después llega el momento de combinarlas. A lo mejor, pienso que a una de ellas le vendría bien un cielo determinado y para ello tengo que ponerme a buscar cielos en otras imágenes. Las tengo clasificadas un poco por temas: campos sin construir, construcción, agua, costas, montañas,… algunas, como las del hielo de esta serie, son mías, pero la mayoría vienen de todo un trabajo de apropiación. Yo luego procedo al montaje, muy sencillo, con escáner, photoshop…

-En este último trabajo que presentas te has distanciado de esa ambigüedad entre pintura y fotografía que estaba tan patente en otras series tuyas como “Viaje interior” (2004-08).
-Sí, eso ahora ha muerto, no sé si para siempre. Creo que lo que ha pasado en esta nueva serie es que he mirado un poco más afuera. Las anteriores temáticas eran un tanto más oníricas, en una especie de historia-ficción, y sin embargo “Precipitados” es una mirada más exterior, hacia temas que nos tocan a todos.

-¿Es por eso que consideras tus anteriores trabajos “más intimistas” en comparación con este último, como has dicho en alguna ocasión?
-Indudablemente. Podríamos hablar de un “periodismo-histórico-ficción”. El documento que conforma la postal, que ya había usado con anterioridad, me gusta también por toda la historia que contiene en sí mismo. La connotación de una estampa enviada, luego recibida, guardada, olvidada y con los años recuperada, puesta en venta y comprada por un coleccionista, todo eso hace que sean imágenes cargadas de una energía que yo me propongo interpretar o potenciar a través de una nueva visión. En todo caso, no son imágenes neutras.

-Interpreto que has sustituido en tu fotografía la “huella del hombre”, es decir, la de la pintura presente en trabajos anteriores como “Sucedáneos” (1999-2003), por la “huella del tiempo o la memoria” a través de la apropiación de estas imágenes. Además se intuye una preocupación por dejar constancia del tiempo que ha transcurrido en estas estampas o postales.
-Es verdad, no retoco ninguna de las huellas que el tiempo ha ido dejando en ellas. Y algo que me ha hecho reflexionar y dejar un poco de lado mi pintura es el hecho de que en las imágenes que cojo ya existe mano humana pintando, porque estaban hechas con litografía básica, en blanco y negro, iluminadas… Son muy humanas en ese sentido, ahí ha habido otra persona pintando, realizando ya entonces lo que he planteado en otros trabajos míos. De modo que, ¿para qué volver a hacerlo? Aunque esto tampoco significa que cierre definitivamente esa vía.

-Lo cierto es que “Precepitados” recuerda de algún modo a las fotografías de Candida Höffer, donde bibliotecas, teatros y museos, lugares realizados por y para el hombre, aparecen paradójicamente vacíos, sin rastro de presencia humana. ¿Guarda tu última serie alguna conexión con la Escuela de Düsserldorf?
-Sí, claro que hay relación, porque toda la Escuela de Düsserdorf tiene en común una intención de volver a las raíces de la fotografía y presentarla de una manera diferente. Toda la aproximación a los edificios de la cultura vacíos que hace Höfer es en el fondo, aunque con una cámara, formato y dimensiones diferentes, una aproximación y concepción artística que viene de las postales de 1910. En aquellos años, cuando se iba al teatro o la ópera, como no había otros medios, lo que se hacía era mandar postales del lugar, para dar testimonio de la experiencia. Estas postales que se realizaban sin público ni escenario, porque tenían que servir como documento general, válido para todo el mundo. En ese sentido, como todos los miembros de la Escuela de Düsserldorf, Höfer tiene sus raíces en la fotografía antes de los setenta, antes de ser considerada como arte. Lo que yo hago tiene mucho que ver con todo ello, solo que lo hago apropiándome de los propios documentos.

-Una constante en “Precipitados” son, como hemos dicho, por una parte los museos, teatros y óperas, lugares de encuentro cultural y artístico, y por otra parte paisajes naturales y fenómenos atmosféricos abruptos. Ese tremendo choque entre naturaleza y civilización lleva a la pregunta ¿quién está invadiendo a quién?
-Quién invade a quién, o quién se va a comer a quién. Porque la lectura de estas imágenes también gira un poco en torno a ver en esos libros mojados de la biblioteca el inicio del libro digital, o en los cuadros inundados del museo su sustitución por las imágenes sacadas de Internet. Por tanto, son imágenes que por un lado hablan de algo tan concreto como el cambio climático, pero que también son una reflexión sobre el propio cambio del ser humano, un cambio precipitado y difícil de frenar. Todo va unido.

-Tu obra a menudo reflexiona sobre la veracidad de la imagen fotográfica y su papel documental. ¿Qué opinión te merece el hecho de que se acabe de otorgar el Premio Nacional de fotografía 2009 a Gervasio Sánchez, periodista y corresponsal de guerra?
-Yo creo que Gervasio, desde un punto de vista diferente al de los artistas “clásicos”, está haciendo un trabajo artístico muy interesante en el sentido de que está uniendo todos sus premios para hacer una reivindicación de las víctimas de nuestro occidente maravilloso. Es el único que le ha leído la cartilla a nuestros dirigentes personalmente diciéndoles: esto existe, yo os lo muestro con mi fotografía y vosotros me dais un premio nacional por ello, pero en España somos el tercer o cuarto país exportador de armas a nivel mundial, ¿hasta cuándo tanta hipocresía? En ese sentido creo que ha hecho un activismo que a mí me parece en sí mismo una obra de arte. Me parece muy bien que el periodismo, y toda la fotografía tenga esa doble vertiente.
En todo caso, yo estoy contra los premios artísticos, creo que son una tontería. ¿Quién puede determinar que un artista es mejor que otro? Por eso soy más partidario de becas o ayudas que permitan a los proyectos a salir adelante. O que el Estado premie a los artistas comprándoles obra en lugar de darles una medalla, porque el arte no es una carrera, en el arte nadie llega primero.

Entrevista de Jennifer Calles.

EXPOSICIONES 1

2009-12-15T14:42:00.000-08:00

EL ARTE DEL TEATRO SEGÚN GORDON CRAIG.
ILUSIONES ESCENOGRÁFICAS

Si parte de una hipótesis errónea o de unos principios equivocados, la teoría que desarrolle no tendrá valor. Si parte desde ideas correctas pero la traducción que se hace de ellas no es la adecuada, la teoría seguirá siendo no válida. Si parte de unos planteamientos correctos pero carece de los medios necesarios para llevarlos a cabo tampoco lo tendrá. Sin embargo, hay ocasiones en que surge una figura capaz de desprenderse del velo de la autoimposición de la época, teniendo la suficiente lucidez como para encontrar nuevas propuestas y conseguir expresarlas al resto de mortales.

Señoras, señores, con todos ustedes, Edward Gordon Craig.

“En este siglo, los que trabajamos en el teatro hemos estado tan pendientes de cicloramas, bambalinas, teatros, escenarios y actores que nos hemos olvidado de mirar a la naturaleza. Ahora es necesario -creo que es necesario- hacer un alto, olvidarnos de todo lo demás y observar de verdad, observar larga y detenidamente la naturaleza”.

Hasta el 17 de enero se encuentra en la Casa Encendida la primera exposición retrospectiva dedicada a este personaje. Bajo el título Edward Gordon Craig. El espacio como espectáculo, se realiza un recorrido expositivo-biográfico a lo largo de tres salas diferentes, contando tanto con material fotográfico, como con dibujos del propio artista, sus trabajos literarios o maquetas de sus escenografías. No se trata de una exposición al uso, ya que reúne un elemento sustancial del teatro pero que en numerosas ocasiones queda olvidado por parte del gran público: la escenografía. Interpretación y escenografía son inseparables, no se puede entender la una sin la otra, se complementan y se funden entre sí hasta llegar a un todo indisoluble... Pero si detrás de la interpretación hay un arduo trabajo de preparación tanto de actores como del director, en la escenografía ocurre otro tanto, y eso es algo que queda patente en esta muestra, en donde a partir de seis bloques temáticos (El universo nativo y electivo de Edward Gordon Craig, La escalera - Estados de ánimo: I, II, III y IV, Un laboratorio espacial, La ventana y la retícula, El espacio y la luz, El movimiento y Hamlet) se acerca al público toda su teoría.

Edward Gordon Craig (Stevenage, Hertsfordshire, Inglaterra, 1872; Saint Paul de Vence, Francia, 1966) fue uno de los más importantes escenógrafos del siglo XX y su valor actual radica en el impulso modernizador que dio a la escena, gracias al que pudo evolucionar y convertirse en lo que hoy es el teatro contemporáneo. La muestra se titula El espacio como espectáculo, y es que es así como Gordon Craig pensaba que debía ser el escenario. Sin embargo su obra no se reduce tan solo a la escenografía, sino que también nuestro artista, siempre en el ámbito teatral, se dedicó al vestuario, a la dirección y a la creación de diversos ensayos como El arte del Teatro. Y es que él opinaba que el arte del teatro era una totalidad compuesta de diferentes elementos, era la obra total, tal y como se ve en los ejemplos comparativos que escoge en sus textos, en donde la pieza teatral y su director de escena se igualan al pintor y sus colores o al músico y sus composiciones, siendo imposible elgir un sólo pigmento o contar con una única nota. Trata el teatro como si de un mosaico fuese, donde cada tesela, por pequeña o aparentemente nimia que sea, goza de un papel único, inamovible y necesario, gracias al trabajo del director, personaje que debe revisar cada una de esas piezas, de forma que el organismo funcione.

Mientras que la mayoría de sus colegas escenógrafos se ceñían con realismo a lo que los dramaturgos señalaban en sus textos en cuanto a la escena, Gordon Craig dio un paso más y comenzó a investigar sobre el “escenario espacial” en el que convivían todo tipo de mecanismos escénicos, cubos y escaleras que adquirían estatus de auténticos símbolos. En concreto, el cubo era el elemento que le permitía separar y dividir las diferentes escenas mediante un movimiento que sustituía al telón con sus subidas y bajadas; mientras que la escalera era la metáfora más adecuada para representar los diversos estados de ánimo de los personajes de una obra de teatro, posibilidad que se le da al visitante.

Todo esto se puede comprobar en la exposición, que está repleta de dibujos que servían para los futuros modelos tridimensionales, grabados, cuadernos con bocetos de escenarios y anotaciones manuscritas del autor, además de interesantes maquetas o diseños para vestuario que sorprenden por su elegancia y sencillez. En ellos, Gordon Craig destaca como un excelente dibujante y grabador que utilizaba el negro como protagonista, ya que según él creía, era el color que mejor expresaba la espiritualidad, que aumentaba por efecto de la iluminación y sus reflejos. Pero Gordon Craig no sólo diseñaba sus complejos escenarios, sino que también los construía y los constituía de pantallas móviles en blanco que son su rasgo más representativo. Eran unas pantallas que se veían salpicadas por líneas con las que Gordon Craig señalaba cual era el lugar de la acción, creaba volúmenes y superficies.

Otra de las novedades que se muestra en la exposición, en consonancia con sus teorías, es su apuesta por una puesta en escena más imaginativa, más simbólica, en donde la fantasía tiene un papel protagonista y el espectador un rol más activo en la representación, donde lo visual y lo gestual ganan la batalla a la palabra. No se trata de describir sino de insinuar mediante ese simbolismo que, en ocasiones, se nutre de composiciones casi minimalistas, e incluso abstractas, que servirán de ejemplo a escenógrafos posteriores como Joseph Svoda o Gilles Aillaud, y serán los escenarios en donde se ubicarán los actores, las “supermarionetas” (elementos plásticos que formaban parte de la escena y que tenían el privilegio de poseer movimiento) y la iluminación, ampliamente tratada por Gordon Craig, quien nos recuerda en su pensamiento estético a los impresionistas, ya que estaba muy preocupado por la manera en la que la luz incide en los objetos y las estancias dependiendo de la colocación de los primeros y del momento en que son representados.

Artista revolucionario y polifacético donde los haya, sus planteamientos no dejan a nadie indiferente. A pesar del cambio que supusieron en el arte del teatro, su obra ha sido muy desconocida para el público español, siendo pues, esta exposición, una excelente manera de acercarse a su universo imaginario particular, al alcance de muy pocos.

Carolina Cadenas y María Condado.

EXPOSICIONES 2

2009-12-15T14:29:00.000-08:00

MP & MP Rosado, "Cuarto-gabinete"

Una vez más, el espacio “Abierto x obras” del Matadero de Madrid nos revela sus infinitas posibilidades gracias, en esta ocasión, a la instalación Cuarto-gabinete de MP & MP Rosado. Para quien todavía no conozca su trabajo, le conviene saber que esta pareja artística está compuesta por dos hermanos gemelos nacidos en Cádiz en 1971. Quizás por eso, por su condición de gemelos, desde sus primeras exposiciones a finales de los años 90 hasta hoy, el tema principal en torno al cual gira su obra es la construcción de la identidad. Dentro de tal búsqueda identitaria cabe a menudo la reflexión sobre los conceptos de frontera o umbral entre las artes, reforzada aquí a través de imágenes poéticas como la de la concha, cuya dialéctica entre dentro-fuera / mostrar-esconder toma un cariz especialmente significativo y palpable en la exposición. La amplitud panorámica de estas lúgubres salas, hay que decir que perfectamente iluminadas para la ocasión, se ve fragmentada por un lado por unas estructuras en PVC con forma de troncos de árbol y, por el otro, por toda una laberíntica serie de paneles colgantes compuestos por conchas, caracolas y otros objetos encontrados en la playa. Así es como los hermanos Rosado hacen de esta intervención espacial una espléndida metáfora del cuarto-gabinete de Bernard Palissy al que Bachelard hace mención en La poética del espacio. Palissy quería erigir como refugio una concha enroscada por la que, al avanzar, el visitante se sintiese confuso, extrañado y vacilante. La concha como casa donde habitar, llena de recuerdos e imágenes, contactos y pérdidas, lugar donde nuestra identidad se construye desde dentro, como una concha. Sin embargo, en una época como la actual, cabría volver a hacerse la pregunta que formula Bachelard y que reaparece aquí como un eco: “Por una concha habitada, ¿cuántas conchas vacías hay?”.

Jennifer Calles.

Hasta el 10 de Enero.

Los Subjecters de Hirschorn

Thomas Hirschhorn invade la Casa Encendida de Madrid (desde el 08.10.09) con los maniquíes que inicialmente expuso en Paris y que sometió a una serie de manipulaciones agresivas hasta convertirlos en verdaderos monstruos totalmente alejados de ese paradigma de belleza estática y unilateral con los que se suele asociar.
Ya sea atravesados de parte a parte por enormes boquetes y dorados tornillos, o habiéndoles extirpado zonas de su plástico cuerpo, nunca se salvan de agresiones tan desmedidas como las que sufren las fotos reales a las que están ligados; están contaminados por el clima creado por esas agresiones. Inclusive los que son simplemente bustos de resina sintética con los órganos internos expuestos, utilizados normalmente para enseñar anatomía, también contribuyen a generar esa atmosfera atroz.
El título de la exposición The subjecters, (Los subjetivadotes), se refiere al término global para las obras del artista con dichos maniquíes. Se trata de “una invención mía basada en lo que no puedo dar nombre pero sí forma”, forma que “resuelvo a través de los maniquíes y sus partes”. Para el artista el maniquí es una forma de subjetividad aparentemente monstruosa y para que el público pueda percibir esta percepción propia opta por destrozar los maniquíes y los expone crudamente a nuestra mirada. Y para que el espectador piense acerca de lo que suponen los maniquíes en nuestra cultura los entrelaza entre sí y sobre su frente escribe como si de meros lemas publicitarios se tratara, palabras como “hope”, “love” o “Truth”, términos que actualmente han perdido el verdadero significado que teñían. Y para que el concepto que el espectador debe captar sea total, a dichas atrocidades une tremendas y desgraciadamente reales imágenes extraídas de los conflictos bélicos más recientes y que tan acostumbrados estamos a ver en la televisión o los periódicos.
"No soy un instigador del caos” escribe Hirschhorn, “soy un artista-obrero-soldado. Quiero ocuparme del mundo que está a mi alrededor y mientras tanto seguir siendo una persona libre. Necesito tomar posición y no debo preocuparme si hemos vencido o perdido la batalla".

Umberto Castillo.

Hasta el 5 de enero.

ENSAYO

2009-12-15T14:18:00.000-08:00

COMER CON LA MIRADA

Hace pocos días que hemos podido ver en un espacio de arte de Madrid una actividad titulada Art/Hurt! “Heridas en Venta”. En ella, previa cita telefónica podemos visualizar diferentes tipos de heridas como laceraciones, lesiones de arma de fuego, producción de heridas punzantes o simples raspaduras ejercidas sobre el cuerpo de las dos artistas que forman parte del proyecto. Las citas son a solas, por un lado está el espectador y por otro la artista que se deja rastrear de arriba abajo, explotando una especie de perversión caníbal en la que uno se deja comer por el otro.

Ese acto, el de dejarse engullir por el contrario, se podría equiparar con un espíritu de sacrificio que se testimonia en algunos ritos religiosos como el de honrar a un dios. George Bataille veía en estos rituales la necesidad general de los individuos de lanzarse fuera de sí, o lanzar alguna parte de nosotros fuera de nuestro cuerpo. La artista Gina Pane, quizás asumiendo esta idea del filósofo francés, llevaba a cabo actos performativos en los que se autolesionaba ataviada con una vestimenta de color blanco, subrayando así -gracias a sus ropajes- una relación con esta idea de rito religioso y su consecuente acto de sacrificio. Tampoco nos debe extrañar que estos actos de los que hablamos, junto a los de las artistas de Art/Hurt! Heridas en Venta, sean realizados todos (a menudo) por mujeres, viendo así una crítica por parte de sectores de la sociedad que han sido durante largo tiempo duramente maltratados.

Sin embargo no siempre es necesario que haya una barriga llena de por medio para realizar un acto de canibalismo. Se podría decir que en cierta medida todos nosotros, espectadores e hijos de una civilización violenta, con premios Nobel de la Paz incluidos, formamos parte de un sistema de consumismo visual extremadamente caníbal. Nuestra mirada se sostiene con la controversia, como la del voyeur se alimenta con un deseo sexual saciado al ser contemplado desde la distancia. La televisión o Internet dan buena muestra de ello, sentados en nuestro sofá y haciendo honor a las teorías de Edmond Burke, nos dejamos arrastrar por ese picor curioso que nos lleva a contemplar en muchas ocasiones actos violentos. De esta forma nos convertimos en caníbales de la mirada, comemos con los ojos y satisfacemos así nuestro apetito, sacrificando y lanzando fuera de nosotros mismos nuestros instintos más arcaicos. Así nos transformamos en “voyeurs” y actuamos como ellos, aunque la mayoría operen para satisfacer una necesidad de transacción sexual.

Llegados a este punto, debemos pensar en patrones mercantilistas. La crisis en la que estamos sumergidos también nos obliga a reinventar los campos de negocio del arte. La búsqueda de nuevas oportunidades hace que nos veamos obligados en algunas ocasiones a jugar con la creatividad, hasta tal punto que podemos llegar a vender nuestra propia carne. Sin embargo, a veces, las expectativas de negocio no siempre se cumplen, como le ocurrió por ejemplo a Bernd-Juergen Brandes, famoso por ser comido en Alemania por el caníbal Armin Meiwes, el Caníbal de Rotemburgo. Brandes sólo quería que le comieran su órgano sexual masculino, no deseaba llegar a la muerte, aunque se recreara tal y como haría un “voyuer” de lo más retorcido, en una bañera de agua mezclada con su propia sangre, momentos antes de su fallecimiento.

A pesar de todo esto seguimos devorándonos desde que nos levantamos, en el metro, en la escuela, en el trabajo, en todos lados. Quizás y para concluir, habría que hacerse la siguiente pregunta: ¿Será que tenemos constantemente que recordarnos que todos los deseos del ser humano no pueden ser siempre cumplidos?

Luis Cáceres Cantero.

CREACIÓN

2009-12-15T14:11:00.000-08:00

HANS PETER HUNDSHAMMER

“Se enciende una luz, la música empieza a sonar, y entonces, en ese preciso instante, aparece ella, la DIVA. Ni estrella sobre el escenario, ni efímero punto de luz en cielo, no. Ella es una auténtica diosa que envuelta en un aura que todo lo eclipsa, promete eternidad”.

Este es el secreto que plasma sobre el lienzo Hans Peter Hundshammer en su ciclo La Diva. Sus obras están lejos de ser meras imágenes, pues ¿qué póster o el fogonazo de qué paparazzi sería capaz de atrapar la vulnerabilidad, la distancia y la sublimidad de la Diva como la mirada del pintor?

“En realidad, pintar una Diva es algo muy sencillo”, dice Hans Peter Hundshammer. “Uno tiene los colores, las herramientas y la idea. Sólo hay que coger el bastidor, siempre el mismo formato 40x40, elegir el material adecuado para el fondo y sumergirse en la Diva. Luego viene el pensar y hacer artísticamente: tu cabeza pasa una película, oyes su banda sonora –las mismas palabras en el interior-. Entonces se perfila una imagen y ya no hay más regla que la expresión subjetiva y quizás, intentar ser justo con tu Diva”. Los materiales empleados para las obras de este ciclo se agarran a la misma idea: pinturas acrílicas y al óleo, colores opacos y transparentes, metalizados, dorados y por supuesto plumas, cristales y cuentas brillantes. “Todo es legítimo a la hora de rendirle homenaje a la grandeza y el brillo de una Diva”.

Si le preguntas a Hans Peter Hundshammer el por qué de las diferencias entre unas Divas y otras, el por qué de la belleza de unas y la fealdad de otras; de la tranquilidad de estas y la crispación de aquellas; de su erotismo o de su simplicidad, te hablará de diálogo. Para él el artista entabla un diálogo con la Diva, la saca de su contexto y la encierra en un espacio que podríamos llamar divino, pues recuerda al de los iconos cristianos y habla con ella. De ese diálogo nacerá una diva, y como en la vida misma, no todos los diálogos son motivadores y exitosos, sino que lo queramos o no, a veces nos resultan aburridos, insulsos o incluso nos violentan.

Hans Peter Hundshammer estudió Bellas Artes en Ratisbona (Alemania), ha expuesto sus obras en Alemania, Austria, Italia y en Estados Unidos. Entre sus influencias destaca el Popart de Andy Warhol, la época barroca y la iconografía bizantina.
Actualmente reside en Regenstauf y trabaja como profesor de arte en Schwandorf.
Su último trabajo, el ciclo “La Diva”, se puede visitar en el Gründerzentrum en Straubing (Baviera, Alemania) hasta el 26 de febrero de 2010.
http://www.straubing-sand.de/

www.galerie-la-diva.de

LITERATURA

2009-12-15T13:58:00.000-08:00

Marguerite Duras
El amante
Ed. Tusquets, 1992
Dentro de la prolífera obra de Marguerite Duras brilla con especial carácter El amante, su novela más conocida, por lo menos desde que Annaud la llevó al cine. Un escrito tardío, publicado ya en 1984, refleja como pocas entre sus obras lo que se podría resumir como el leit motiv constante de la autora; el enfoque casi palpitante, siempre subyacente, del deseo. Se trata de una narración autobiográfica, marcadamente iniciática, en la que se nos presenta la aventura amorosa entre una adolescente de quince años y un comerciante chino algo mayor, en el marco de la Indochina de primeros del XX. Este argumento sirve a Duras para desarrollar una poderosa narración pasional, en la que se imbrican las experiencias vitales que marcarán la construcción de la identidad personal, junto a una profunda ecología del deseo como motor existencial. Se trata de una novela que aúna, con sencillez y magisterio, un fino erotismo junto a una prosa preñada de poesía descriptiva.

Clark Ashton Smith
Zothique
Ed. Edaf, 1990

Dentro de los escritores que surgieron en los años veinte a la lumbre de la revista Weird Tales, paradigma de la literatura de índole pulp, nombres como los de Robert E. Howard o H.P. Lovecraft brillan con una turbia luz propia. Sin embargo, rémoras y deméritos estilísticos varios les han impedido entrar en el Olimpo de la literatura general. No ocurre así, a mi juicio, con C. Ashton Smith. Cohabitando unos argumentos impregnados de oscuridades abismales, en las que medran entidades ajenas al entendimiento, con una prosa narrativa firme, brillante a la par que recargada y exótica, embebida de la languidez mórbida propia de las visiones alucinadas por el opio, Smith es un escritor que mezcla los conceptos más lúdicos de Lovecraft con el estilismo decadente del mejor Flaubert. El libro de cuentos de Zothique, llamado así a tenor del continente futurible y ficticio invención del escritor, reúne gran parte de su narrativa breve traducida al castellano.

Albert Béguin
El alma romántica y el sueño
Ed. F.C. Económica, 1978
Si el mes pasado hablaba de La carne, la muerte y el diablo, el texto ejemplar sobre romanticismo literario de Mario Praz, parece difícil, sin pecar de flagrante injusticia, no dedicar unas líneas al otro gran ensayo sobre el tema, a cargo de Albert Béguin. Si bien, pese a sus virtudes, el estudio de Praz puede acabar convirtiéndose en un decálogo de erudición estadística, Béguin nunca cede a esa morosa tentativa. Propone, a diferencia, un camino definido -la importancia del sueño en el romanticismo alemán y la poesía francesa-, para desarrollar una teoría global, encauzada a vislumbrar las ideas fundamentales que se ocultan tras muchos de los escritos claves en la producción literaria de los grandes de la época, preponderancia de Novalis, Hoffmann, Tieck o Gerard de Nerval. En este imprescindible estudio, el sueño se revela como vínculo entre universo y alma, noctívaga inspiración en la búsqueda del ideal.

Juan Rulfo
Pedro Paramo
Ed. Debate, 2000

Esto no es una recomendación. Se trata, en todo caso, de una franca deploración. En realidad, resulta risible que una novela como esta se haya erigido, casi institucionalmente, como gran exponente de la literatura hispanoamericana, existiendo escritores de la talla de Cortázar, Borges o incluso Horacio Quiroga, para demostrar que no todo ha de ser tedio, petulancia, pesadumbre y carta blanca para el despropósito narrativo, cualidades todas ellas que Pedro Páramo aúna sin el menor pudor. Sus ínfulas de alcance absoluto, de universalidad trascendente, hacen aún más patética la historia de Juan Preciado en busca de su padre en ese erial odioso, pretendidamente dentro y fuera del espacio, que es Comala. Con esfuerzos que remedan torpes pataleos, Rulfo intenta marcar la trama en una continua distorsión entre realidad y fantasía, presente y pasado, para sólo lograr la cristalización de un pestiño pretencioso y muy, muy lamentable.

J. F. Pastor Pàris

RELATOCROMÁTICO

2009-12-15T13:54:00.000-08:00

Cuando te miran, ¿por qué te miran?

Se ha quedado dormida entre las cajas…
Le molesta el cuello otra vez. Esta tarde el médico le ha inyectado tres mililitros de anestesia local en los puntos más críticos de los músculos del cuello. Ayuda un poco pero, como todos, es un tratamiento a largo plazo y sin garantías. Es una sensación desagradable: primero el pinchazo, por la espalda y en un lugar tan desacostumbrado. Luego sentir el líquido entrando, presionando contra los músculos, abriéndose hueco donde no lo hay. Por suerte el procedimiento es rápido y no tiene muchos efectos secundarios. Los relajantes musculares anulan las voluntades y él quiere seguir atento, especialmente ahora.
Se ha quedado dormida entre las cajas de la mudanza. Su vecina de enfrente. La estrechez de la calle y la cercanía de las ventanas de los bloques en los que viven le recuerda a ese pasaje de Rayuela en el que Talita queda atrapada en las alturas, sentada en medio del tablón, pasillo improvisado entre su salón y la casa de Oliveira, dudando, desesperando, bloqueada. Su vecina siempre le hace soñar.
Se enciende otro cigarro y continúa observándola. Lo hace desde hace tiempo, desde que ella llegó, en realidad. Sabe que fue en verano. Lo recuerda porque la alocada nueva vecina tuvo que dejar las ventanas abiertas durante días hasta que se secó el rojo estridente con el que se le había ocurrido pintar dos de las paredes de su salón. A él, aquel rojo le pareció de un gusto pésimo, y sin embargo lo enterneció y lo llenó de curiosidad por ella. Durante aquellos días de ventanas abiertas y bochorno espantoso la observó trajinar sin descanso. La música siempre algo más alta de lo debido, la ropa siempre más escasa de lo apropiado; bailando de acá para allá, desempaquetando, ordenando, hasta que aquel piso vacío se convirtió en un hogar de verdad. Hasta ahora no sabía exactamente qué lo atraía cada día hasta esa ventana, qué lo obligaba a observarla, ni qué había en ella que le daba tanta paz, pero era eso, la sensación de hogar. Ella, su vecina, había sido capaz de crear un hogar y de extenderlo hasta la casa de enfrente. Ella había colocado el tablón y a él le estaba autorizado transitarlo.
Estos último días, solo como siempre y sintiéndose más achacoso que nunca, ha asistido al proceso contrario, a los preparativos de la partida. Desde la misma ventana y en la misma posición ha ido reviviendo la música y los bailes y, como si de una película proyectada hacia atrás se tratara, ha visto como las cosas regresaban a sus cajas y las paredes del salón se volvían blancas de nuevo.
Se pregunta si el proceso seguirá hasta el final, si al volver las cosas a su estado original, las paredes a ser blancas, las cajas al camión de la mudanza, el camión a la carretera, etc. desaparecerán también de él las huellas que ella, sin saberlo, ha ido dejando. Se ríe, claro que no, pero estaría bien. Todo lo humano sigue hacia delante y lo que queda detrás puede ser ignorado, ocultado, falseado, extrañado o recordado, pero no se puede borrar. Siempre le encantó la metáfora del camino, pero ¿y el dolor? El dolor del alma también hace más humano ¿no?, así que a lo mejor ese es el último regalo que ella le tiene, su vecina, irse y hacérselo sentir para que sentir el dolor le haga sentirse también más vivo, menos achacoso, menos solo.

Relato de Beatriz Talaván

basado en la obra de Esther Mañas.

ENTREVISTA 2

2009-12-15T13:44:00.000-08:00

ARTURO ELENA

25 AÑOS DIBUJANDO LA MODA

Arturo Elena empezó trabajando en los ‘80 como asistente de diseño en las colecciones de mujer para Bambú y Daniel G. Ha trabajado para la imagen gráfica de Victorio & Lucchino desde sus comienzos. Loewe, Chanel, Roberto Verino, Victorio & Lucchino, Lemoniez, Custo Barcelona, Rafael Matías o The Extreme Collection son algunas de las firmas de moda con las que ha colaborado. Sus ilustraciones se han publicado en Telva, Elle, Mujer Hoy, Yo Dona, Máxima (Portugal), Angelines (Francia), Snitt (Noruega), Vision (China) y X Funs (Taiwán) DPI 8 (Taiwan) K9 (Ucrania). Desde 1992 hasta marzo de 2009 ha publicado mensualmente sus ilustraciones en Cosmopolitan España. Desde 1998 colabora como profesor de ilustración con el Istituto Europeo di Design (Madrid y Barcelona), donde ha realizado exposiciones retrospectivas de su trabajo en 2001 (Madrid), 2006 (Barcelona). Actualmente y hasta el 10 de enero el Museo del Traje CIPE le dedica una retrospectiva.

¿Recuerdas tu primer encargo? ¿Cómo afrontaste ese primer reto profesional?
Mi primer contacto con el mundo de la moda no fue como ilustrador, sino como asistente del equipo de diseño de una firma barcelonesa que realizaba colecciones para hombre y mujer. Pero este trabajo me permitió descubrir que lo que realmente me gustaba era “dibujar la moda”, no crearla. Mi primer trabajo como ilustrador vino de la mano de Victorio & Lucchino y significó un punto de inflexión en mi carrera. Me solicitaron para crear las imágenes de las carpetas de prensa para su primer perfume “Carmen” y para la colección del mismo nombre, que se presentaría en la Pasarela Cibeles de Madrid en 1992. Este trabajo, al llegar a la prensa especializada en moda y darme a conocer, me abriría las puertas de revistas como Telva, Cosmopolitan o Elle. A partir de entonces, los encargos realizados para estas revistas supusieron mi consolidación como ilustrador de moda en el panorama español. Así surgieron trabajos para Loewe, Roberto Verino, Chanel, Lemoniez, Custo Barcelona y otras firmas reconocidas.

¿Cómo definirías tu temperamento? Esta pregunta tiene relación con el libro Nacidos bajo el signo de Saturno de los Wittkower. Habla del genio y el temperamento de los artistas desde la Antigüedad.
Con honestidad, sí que me reconozco en ciertos aspectos que el autor describe como propios de un artista, como por ejemplo el egocentrismo, el genio o la obsesión por el perfeccionismo en el trabajo. También reconozco que me sería muy difícil trabajar en equipo, pues llevo muchos años haciéndolo en soledad, y por lo tanto haciendo lo que yo quiero, para lo bueno y para lo malo. Sin embargo, no me siento identificado en absoluto con otros aspectos señalados como la indolencia o la indisciplina, pues aunque quede mal decirlo, soy una persona muy disciplinada y muy tenaz, y no sólo en el terreno laboral.

Tu proceso creativo. Explícalo brevemente
Hay que explicar primero que siempre trabajo por encargo, y a pesar de mi estilo personal, ése es un aspecto que me condiciona. El proceso creativo comienza en el momento que un cliente me encarga una imagen, y con ella me expone sus intenciones, a qué público va dirigida, lo que quiere transmitir, ambientes, detalles, complementos, etc. Es a partir de aquí cuando comienzo a construir la imagen en mi cabeza teniendo en cuenta las pautas del cliente, pero también la filosofía y los productos de la firma. Creo que esta parte es la más complicada de todo el proceso, la de visualizar la imagen antes de llevarla a cabo. Tras haber dado este paso, sigo con un boceto preliminar que voy retocando, hasta llegar a un boceto “en limpio”. Al mismo tiempo, dado que mi estilo, a pesar de las proporciones irreales, es hiperrealista, suelo documentarme con material fotográfico que me ayudará a llevar a cabo el arte final, o sea, a dar color a la ilustración final.

Próximos proyectos…
Acabo de inaugurar una exposición retrospectiva de mi obra en el Museo del Traje de Madrid con motivo de mis 25 años como ilustrador de moda. Ha sido una labor muy complicada y que ha llevado meses de trabajo, pero estoy realmente satisfecho de los resultados. Además, acabo de recibir los tejidos originales que tengo que reflejar en una ilustración que será la portada de un catálogo de tejidos para la próxima temporada primavera/verano. Y a principios del año próximo me han invitado de un centro de diseño en la India para dar a conocer a sus alumnos mi técnica de ilustración.

Entrevista de Rita Sánchez Aragó.

CONTRAPORTADA

2009-12-15T13:39:00.000-08:00

ILUSTRACIÓN DE KIKO PÉREZ

ENCUENTRO SOBRE ARTE EN LA RED

2009-12-06T07:36:00.000-08:00

Arte10.com, gracias al observatorio global de noticias de arte contemporáneo, centrado en blogs nacionales e internacionales de temática artística, ha convocado a TRAZOS para asistir al encuentro de Redes de arte sobre arte en la red. También estarán presentes Tiscar Lara, de "Tiscar.com", Javier Maseda, de "Abre el ojo. IED", y Rosa Pérez de "Fluido rosa. RNE3".

Os esperamos el miércoles 9 de diciembre a las 17:00h en Medialab-Prado (Plaza de las Letras, C/ Alameda, 15 -28014 Madrid).

www.arte10.com/redesdesarte_120_.html

PORTADA NOVIEMBRE

2009-11-14T15:02:00.001-08:00

FOTOGRAFÍA

2009-11-14T14:45:00.000-08:00

La Escuela de Düsseldorf

Una de mis secuencias favoritas de la historia del cine forma parte de una película de 1995 que se titula Smoke. Harvey Keitel hace de estanquero sabio y William Hurt hace de Paul Auster. En la secuencia, Harvey Keitel está enseñando a su amigo un álbum de fotos que están hechas siempre desde el mismo sitio, a la misma hora, en Brooklyn. William Hurt las mira, se ríe con cara de no saber muy bien si les están tomando el pelo y dice: “son todas iguales”. Y Harvey Keitel, que se está fumando un puro con cara de Papá Noel, contesta: “no, lo que pasa es que no te fijas”.

Esa secuencia explica y enseña a apreciar el trabajo de dos fotógrafos alemanes, marido y mujer, que crearon una de las escuelas más fructíferas de los últimos decenios. Se llamaban Bernd y Hilla Becher y hacían fotos de edificios industriales. Todas iguales, como las de Harvey Keitel en Smoke, pero todas distintas. Un monumental catálogo de cosas que a nadie se le habría pasado por la cabeza fotografiar porque todo el mundo estaba harto de verlas. Menudo hallazgo. Al tomar como protagonistas de sus imágenes algo así de cotidiano, los Becher proponían una solución ante la gran incertidumbre de todo aspirante a fotógrafo. “¿No sabes de qué sacar fotos? Pues sácalas de lo que tengas más cerca, y no pares”. Así de simple. De los adosados de tu pueblo, de las clases de la facultad, de las camas de tus amigos. Sólo hay dos condiciones. Uno, que las fotos sean impersonales; y dos, que te comprometas y formes una colección lo más grande posible.

Los alumnos de los Becher formaron lo que se ha venido a llamar Escuela de Düsseldorf. Y como por España pasan muchas exposiciones suyas, se me ha ocurrido presentároslos. No están todos los que son, pero sí son todos los que están.

THOMAS RUFF
El más experimental. Empezó como el prota de Amelie, coleccionando retratos de fotomatón, y ha terminado digitalizando el porno que se descarga de Internet. Su gran aportación fue aumentar la escala: una foto sosa, si es grande, ya no es tan sosa.

CANDIDA HÖFER
Sus fotos son como ir a la biblioteca de la facultad cuando no hay exámenes: un enorme espacio interior, vacío y lleno de sillas. A título de curiosidad, os cuento que en 2000 se pasó por el Palacio Real y sacó una foto donde se veía la mesa puesta para el Rey.

THOMAS STRUTH
Empezó madrugando para hacer fotos de calles desiertas, pero se hizo famoso con imágenes de museos. Si alguna vez os habéis colocado delante de un cuadro del Prado y os habéis preguntado qué se supone que tenéis que hacer, seguro que os gustan.

AXEL HÜTTE
Es quien lleva más al extremo la idea de fotografiar algo que no es fotogénico. Sus imágenes son como pedazos de un cuadro de Friedrich: un trozo de césped y un montón de niebla. Al explicar su obra, los críticos hablan de lo sublime. Ni más ni menos.

ANDREAS GURSKY
Mi favorito, el fotógrafo vivo más cotizado. Para empezar, su concepción de “objetividad” incluye el retoque con Photoshop. Y para terminar, una idea: antes de que Amenábar descubriese Google Earth con Ágora, Gursky ya había estado allí.

Rafa G.

GALERÍAS

2009-11-14T14:34:00.000-08:00

Ruth Gómez
En la Galería Oliva Arauna (C/ Barquillo, 9) podemos encontrar ''Las Ilusiones Fantásticas'' de la vallisoletana Ruth Gómez, desde el 5 de noviembre hasta el próximo 10 de enero. Como dice la propia artista, su idea parte de un corto de Méliès y pretende ''elevar a la categoría de fantástica cualquier tipo de ensoñación''. Se vale para ello de dibujos y videos (siempre en tonos rosados) que se distorsionan creando efectos ópticos que nos atrapan y llevan al terreno de la magia. Ruth Gómez consigue algo muy complicado en este momento: fascinar al espectador, que delante de sus videos y dibujos no puede dejar de sonreir. Precisamente en eso consiste la magia, la imaginación, la fantasía... el arte, al fin y al cabo. En estos tiempos que corren la ilusión no abunda, pero es necesaria ya que ''si la perdiéramos estaríamos perdidos''.

Pier Stockholm
Pier Stockholm (Lima, 1977) expone una pequeña parte de su obra en la Galería Casado Santapau de Madrid (C/ Conde de Xiquena, 5) desde el 27 de octubre hasta el 5 de diciembre. El arquitecto-artista residente en París nos deleita con una exposición formada por una serie de dibujos sobre papel vegetal en los que nos muestra su amor hacia la arquitectura, ya que hay continuas referencias tanto a los mitos contemporáneos (Le Corbusier o la Vanguardia Rusa), como a los del pasado (órdenes clásicos). Todo ello plagado de símbolos con una fuerte carga política: cruces, chimeneas de las que sale un humo contaminador, calaveras... Stockholm alardea de su dominio del diseño gracias a alteraciones de escala y de relación entre los edificios, además de la combinación de diversas texturas. Muestra muy recomendable que da a conocer a un gran artista.

Ikella Alonso
A lo largo de doce obras, y por primera vez en la galería Evelyn Botella, se presenta la obra de la artista Ikella Alonso bajo el título Llueve tiempo. En ella, tal y como la propia pintora explica, por medio de la representación de exteriores en ambientes interiores recrea el paso del tiempo utilizando como símil la cadencia de la lluvia, ya que evoca ese ritmo, y por otra parte se asemeja a la pintura como acto de creación, ya que emula todos los pasos necesarios, tanto en lo material como en lo inventivo.
Mediante un pequeño recorrido cronológico, desde las obras de 2005 hasta las más actuales, se ve esa búsqueda de similitud entre ambos campos, desarrollando una técnica que evoluciona de líneas planas a obras que, en ocasiones, nos traen a la memoria el propio contacto de la lluvia con los cristales, donde lo borroso cobra una mayor amplitud como reflejo de ese tiempo presente.

Erwin Olaf
Ambientes neoclásicos y ampulosos, junto con retratos quasi ingrescos hacen que el espectador crea encontrarse verdaderamente en otro tiempo pasado. Esto viene de la mano de Erwin Olaf en su cuarta exposición en Espacio Mínimo, galería en la que se muestran sus dos últimas series, Dusk & Dawn, en donde, jugando con la propia dualidad en el título, se nos presentan dos visiones fotográficas amparadas en el contraste negro/blanco. La primera serie fue creada tras el descubrimiento de la fotógrafa norteamericana Frances B. Johnson, quien a principios del siglo XX mostró por primer vez a los afro-americanos de una manera digna e igualitaria en los mismos ambientes caucásicos. Tomando de ella esta idea, y realizando Dawn como su contrapartida, continúa con su característico lenguaje críptico al que nos tiene acostumbrados, en el que ningún detalle está dejado al azar.

Carolina Cadenas y María Condado.

CRÍTICA DE CINE

2009-11-14T14:21:00.000-08:00

500 DÍAS JUNTOS
Es muy difícil hacer algo nuevo en el muy trillado género de la comedia romántica, por eso hay que reconocer a “500 días juntos” el haberlo intentado, aunque con éxito desigual. Por un lado, las formas narrativas sí contienen algunos elementos novedosos muy interesantes: saltos temporales según el número de días, textos con mensajes personales del autor, animación, pantalla partida… nada que iguale lo que Woody Allen inventó en “Annie Hall”, pero se agradece el riesgo en estos convencionales tiempos.
En lo que la película no aporta nada es en la historia, demasiado simple y esquemática. La pareja de actores protagonistas (insípido él, marciana ella) tampoco ayuda a que el espectador se implique demasiado, pero finalmente el ingenio de la propuesta narrativa hace que la película se vea con agrado.

EL SECRETO DE SUS OJOS
A Juan José Campanella hace tiempo le tientan desde Estados Unidos, donde ha dirigido varios episodios de “House”. Viendo esta maravilla titulada “El secreto de sus ojos”, no sorprende. Una trama policíaca se mezcla con una historia de amor a través del tiempo, resultando finalmente una espejo y catalizador de la otra. Un ritmo impecable, un reparto de actores en estado de gracia (por mucho que empecemos a estar cansados de ver a Ricardo Darín en todas las películas argentinas), y un planteamiento visual asombroso (memorable el plano secuencia del estadio) resultan en una de las mejores películas del año. Una película que deja al cine español sin excusas: se puede hacer buen cine si se escriben buenas historias y se dirigen con intención narrativa.

HOMENAJE: JOSÉ LUIS LÓPEZ-VÁZQUEZ
Ha desaparecido uno de los mejores actores de nuestro cine, cuya imagen quedará injustamente asociada a las comedias de finales de los 60 y principios de los 70 (el “desarrollismo”, o “españoladas”). En ellas, el personaje de López-Vázquez tenía siempre las mismas constantes: español de edad media, energúmeno, “salido” y superado por los avances de la sociedad española. Pero no se debe olvidar que este incansable trabajador aparecía ya en algunas obras maestras del cine español de los 50 y los 60: “El pisito”, “Atraco a las tres”, “Plácido”, “El verdugo”…. Y posteriormente, se le redescubrió para el drama de autor con películas como “Peppermint Frappé”, “El bosque del lobo”, “Habla, mudita” y la nominada al Oscar “Mi querida señorita”, interpretación que Dustin Hoffman citó como inspiración para su “Tootsie”.

Federico Alba.

AUDIOVISUALES

2009-11-14T14:12:00.000-08:00

Videoarte: las video-pinturas de Bill Viola

Las primeras maquinas que registraban imágenes en movimiento eran caras, pesadas y aparatosas. Por ello, solo eran utilizadas en los estudios cinematográficos con suficiente dinero para comprarlas y espacio para ponerlas. En esos tiempos, ninguna persona era capaz de sacar esos aparatos a la calle con sus propias manos y hacer reportajes al aire libre. Pero todo cambio a principio de la década de los 60 cuando Sony creó un aparato ligero y manejable que revoluciono el mercado: la cámara de video portátil. A partir de ese momento, todo aquel que quisiera y pudiera comprar las primeras videocámaras (bastante caras en un principio) podría sacar el aparato a la calle y grabar como sus hijos se revolcaban en la arena de la playa o como sus nietos apagaban las velas de cumpleaños. Los recuerdos pasaron de ser fotografías paralizadas en un segundo a ser imágenes en movimiento que duraban minutos. Y con el paso del tiempo esta videocámara inicial se ha ido desarrollando hasta convertirse en un aparato cada vez más ligero, más pequeño y más democrático.

Durante todos estos años desde su creación, muchos artistas se han visto atraídos por este aparato y lo han utilizado para expresar con imágenes en movimiento sus preocupaciones, sus emociones y sus visiones del mundo. Este interés artístico por la videocámara empezó ya desde su aparición en el mercado y pronto surgió un nuevo estilo artístico llamado videoarte del que Nam June Paik y Wolf Vostell son considerados los padres. De hecho, el primero de ellos se considera el primer artista de la historia que utilizo una cámara portátil con una finalidad estética: el 4 de noviembre de 1965 grabó desde un taxi lo que pasaba en las calles de Nueva York durante la visita del Papa Pablo VI presentando así su visión subjetiva del evento lejos de la realidad oficial de las noticias. Desde entonces numerosos artistas han seguido sus pasos y han utilizado la tecnología video, bien fuera electromagnética o digital, como nuevo soporte para la creación artística. Pero entre todos los videoartistas de la historia, Bill Viola (Nueva York, 1951) se puede considerar uno de los artistas más reconocido internacionalmente en el mundo del video con gran número de premios a sus espaldas. De hecho, este año se le ha entregado en nuestro país el Premi International Catalunya, premio de 100.000 euros que por primera vez recaía en un artista visual.

Las obras de Bill Viola pueden ser definidas como video-pinturas porque sus trabajos están a mitad de camino entre el video, caracterizado por las imágenes en movimiento, y la pintura, caracterizada por sus imágenes paralizadas. Pero ¿cómo es posible que sus trabajos se acerquen a la pintura si siempre ha utilizado el video como soporte? La respuesta es sencilla: por el uso de un recurso estilístico, la cámara lenta, con la que modifica la percepción del tiempo. Esta percepción temporal ha interesado a Viola desde pequeño cuando sufrió una experiencia traumática: a los 6 años casi se ahogo en un lago y, aunque apenas permaneció 5 segundos debajo del agua, aquel momento se le hizo eterno. En ese momento comprendió “que el tiempo no es como lo marca el reloj de la pared, sino como lo sientes”. De ahí que haya utilizado la cámara lenta de forma obsesiva en todas sus obras. Gracias a ello, los gestos, los movimientos de los músculos y las expresiones de los protagonistas de sus videos se muestran tan lentamente que vemos todos los detalles. Solo así “podemos comprender conscientemente lo que vemos”.

La utilización de la cámara lenta no solo tiene una finalidad estética sino también espiritual para Viola. El artista siempre ha estado preocupado por la condición humana y ha reflexionado sobre ello en todas sus obras a través de temas recurrentes donde el hombre está al límite: el nacimiento, la muerte, el dolor, el amor o la relación del hombre y la naturaleza. La presentación de estos temas a cámara lenta da un sentido espiritual y casi religioso a sus videos y ayuda a conmover a los espectadores que están invitados a reflexionar sobre la humanidad y sus pasiones. Si queréis reflexionar vosotros también, escribir Bill Viola en youtube y solo hacer una cosa: disfrutar de unas imágenes que son casi poéticas.

Naiara Valdano.

EXPOSICIONES...

2009-11-14T14:00:00.000-08:00

MARIE RAYMOND / YVES KLEIN

HERENCIAS

Desde 1973 hasta nuestros días, un total de seis exposiciones repartidas entre Francia y Alemania han encontrado su argumento común en las posibles “herencias” entre la obra pictórica de Marie Raymond y la fascinante personalidad artística de su hijo, figura clave para el arte de la segunda mitad del siglo XX, Yves Klein. Ahora en Madrid, el Círculo de Bellas Artes presenta hasta el 17 de enero un séptimo intento, quizás fallido, comisariado por Nicolás Morales.

Una vez más, el rotundo azul ultramar del hijo no ha dejado ver con claridad los colores de la madre. En el caso de Yves Klein, la virtud de haber sabido escoger, a parte de una excelente selección de obras que aportan una visión retrospectiva bastante completa, toda una serie de elaborada e incluso inédita documentación y material audiovisual acerca de su vida y producción, se ve malograda ante la absoluta desinformación que se proporciona acerca de Marie Raymond y con la que el espectador sale inevitablemente de la exposición.

A parte de un breve párrafo introductorio y una escueta biografía en paralelo, no existe indicio alguno en la muestra que ayude al visitante a entender la obra de Marie Raymond, solo su pintura (aunque, como veremos, eso ya es mucho). Para hablar del trabajo de esta madre y artista hay que situarse en Europa tras la Segunda Guerra Mundial, cuando los artistas sentían de forma más latente que nunca la realidad de un mundo terrible. Una necesidad latente de regresar a un estado de pureza e inocencia y partir de cero, es el contexto en el que se sitúan los llamados arte informalista, abstracción lírica o tachismo, todos ellos términos en íntima consonancia y, hasta cierto punto, indisociables. Además, por aquellos años y al otro extremo del océano, en Estados Unidos, se desarrollaba la abstracción, entendiendo ésta como una propuesta de libertad total a través de lo que se dio a conocer como expresionismo abstracto. Sin embargo, la abstracción lírica surgida entonces en París, y a la que nuestra artista estuvo íntimamente ligada, aunque infravalorada por la crítica formalista del imperativo greenbergiano, era igual de libre, basada en la expresión subjetiva del artista a través del gesto.

En el polo opuesto a esta subjetividad, desde finales de los años 50 empiezan a surgir alternativas tan radicales como las del grupo Zero de Düsseldorf o los nouveaux réalistes, y tanto en el uno como en el otro caso Yves Klein se configuraba para estos artistas como un auténtico visionario al que hoy día se le atribuyen los primeros atisbos del arte conceptual.

Sin embargo, quizás no sea tan extremo el aparente enfrentamiento entre expresionismo abstracto y arte conceptual. Más allá de las teorías formalistas de Fried y Greenberg, Harold Rosenberg, quien acuñó el término Action Paiting, establecía una conexión entre el expresionismo abstracto y el arte conceptual alegando que en las obras de Action Painting lo importante no era el cuadro o la imagen, ya que la obra consistía en el proceso de creación de esa imagen, en la acción del artista. De modo que, para Rosenberg, el arte conceptual simplemente supone dar un paso más lejos, pues si una obra puede transmitirse mediante documentación, ni siquiera haría falta llegar a crearla.

Por tanto, si esta exposición pretendiese resumir -y reducir- la “superación” del arte de Marie Raymond por parte de su hijo en términos de oposición bipolar entre ambos movimientos artísticos, estaría incurriendo sin duda en un error y en una limitación.

Tampoco se hace mención alguna en la muestra a la común influencia que ambos artistas recogieron de la filosofía y el mundo oriental. Y, si en el caso de Yves Klein se vislumbran vagas alusiones a través de los documentos que hacen referencia a su formación dentro del mundo del yudo, en el de Marie Raymond nada nos habla de sus experiencias en Japón, donde expuso en diversas ocasiones. Datos de este tipo nos ayudarían sin duda a relacionar la gestualidad y el sentido del signo de la pintura de esta mujer con otro tipo de manifestaciones artísticas a parte de la experiencia europea de un Kandinsky o la americana de un Pollock. Así, en Raymond vemos a veces ese lirismo casi caligráfico que nos hace pensar en artistas ligados al pensamiento oriental como Michaux o Mompó, mientras que en Klein desde las Propositions monochromes hasta las antropometrías o el Teatre du vide, todo responde siempre a los principios de búsqueda de la infinitud y el vacío tan ligados también a la filosofía Zen.

En definitiva, parece que la figura de la madre ha servido de excusa una vez más para hacer de nuevo otra retrospectiva del hijo. Porque si de mostrar “herencias” se trataba, seguro que existían otros caminos. Así, si nos tomamos la visita a la exposición como un recorrido por la vida y obra –indisociables- de Yves Klein, el resultado será gratificante: desde sus primeras monocromías hasta sus últimas experimentaciones con elementos naturales como el agua y el fuego, todo está resumido allí.

Jennifer Calles.

...Y MÁS

2009-11-14T13:53:00.000-08:00

Rock callejero

GARAJE JACK PREPARA SU NUEVO DISCO

Este mes llega la música a Trazos de la mano de Garaje Jack, una banda madrileña que lleva más de 10 años despuntando en los escenarios de España y que tienen sus raíces en el rock and roll de sus Satánicas Majestades o el de los Black Crowes. Rompiendo muros con su música, sus conciertos han transcurrido por los escenarios de famosos festivales nacionales (Viñarock, Extremúsika), salas, tugurios, e incluso por las cárceles de la capital, donde los presos han podido gozar con sus potentes directos.
Quienes han acudido a un concierto de la banda saben bien que no será el último, porque ya están envueltos por el embrujo que sale de cada golpe de batería, de cada toque de cuerda o timbre de voz; y es por eso que sus fans esperan con ansia su tercer álbum. Este mismo noviembre ha empezado a temblar el suelo del estudio de grabación de Garaje Jack, donde las nuevas canciones de la banda ya están dando forma a su siguiente disco que se espera llegue a la calle en los primeros meses del año que viene.
Para dar alma al grupo, alma en celo (como nombre de su primer disco), está Laura Rubio, una artista flaca, con tatuajes y melena larga, que nos desvela descarada en cada concierto que lleva ese espíritu callejero hasta en las botas y el rock en el corazón. Nos desgarra con su voz en cada canción y, en el directo, juega a ser la niña mala que tiene como cómplice a Óscar, el guitarrista.
De aquí a final de año no tienen por ahora conciertos programados, pero si te ves tentado por conocer a este singular grupo y escuchar sus temas puedes descubrirles en su página web http://www.garajejack.com/ o en www.myspace.com/garajejack.

Paloma Torrecillas.

ARTURO ELENA: LA FÓRMULA DEL ÉXITO

Desde el mes de octubre y hasta el próximo mes de enero, el Museo del Traje CIPE ofrece a sus visitantes la oportunidad de conocer de primera mano el trabajo de Arturo Elena, referente nacional e internacional en materia de ilustración de moda. Cincuenta y dos ilustraciones realizadas en papel de diversos formatos cuentan la historia de un profesional incansable y perfeccionista hasta el paroxismo. Diferentes trabajos para firmas como Roberto Verino, Vittorio & Lucchino o Loewe se erigen en testigos mudos de una trayectoria impecable al servicio de la publicidad y la comunicación. Quien pasea por la sala de exposición va percibiendo la evolución de su técnica -desde los primeros ejemplos que datan de los años ’90 del siglo XX, hasta las últimas creaciones de este año 2009-. Escenas hiperrealistas de extraordinario dinamismo, cargadas en ocasiones de sensualidad, de elegancia o incluso de agresividad, son el sello de identidad y la imagen de una marca. Esbeltas figuras que transpiran modernidad se generan a partir de una técnica de trabajo absolutamente tradicional, libre de toda influencia de las nuevas tecnologías, el artista frente al papel en blanco con su “paleta” de pintor. La creación y combinación de las gamas cromáticas, la consecución magistral de las texturas y el derroche de talento que impregna cada uno de sus trabajos se dan la mano con la inspiración en las fuentes más clásicas de la Historia de la Pintura- Velázquez, Rafael o Mengs-. Aunque en opinión del propio ilustrador no se trata de talento, su perfeccionista técnica y su personalísimo estilo son, sin duda alguna, la fórmula de su éxito y la causa de nuestro asombro.

Rita Sánchez Aragó.

INFORM-ARTE

2009-11-14T13:38:00.000-08:00

PATRIMONIO INMATERIAL, PATRIMONIO VIVO.

Nuestro Patrimonio Cultural no se limita únicamente a las manifestaciones tangibles como las colecciones de objetos de diversas naturalezas custodiadas en los museos, los monumentos histórico-artísticos o los yacimientos arqueológicos. A nadie le cabe duda que es necesario protegerlos y salvaguardarlos para generaciones futuras. Pero, ¿qué ocurre con el patrimonio inmaterial? El Patrimonio Cultural Inmaterial -PCI- está constituido por todas aquellas manifestaciones transmitidas a las comunidades por sus antepasados, generalmente por vía oral. Un sistemático trabajo de investigación por parte de la UNESCO- United Nations Educational Scientific and Cultural Organization- sobre la función y el valor de estas expresiones culturales ha generado un nuevo espacio de comprensión y por tanto de respeto hacia este tipo de Patrimonio Cultural. Este patrimonio, al que llamamos inmaterial por no tener una “materialidad” específica es constantemente utilizado y apropiado por las diversas comunidades que generan su identidad a su alrededor. En el año 2003 se hizo por fin presente la Convención para la Salvaguardia del Patrimonio Cultural Inmaterial, motor de arranque para la cooperación internacional. Existe asimismo una lista publicada de Patrimonio Cultural Inmaterial que requiere medidas de protección urgentes. Una vez que un elemento pasa a formar parte de dicha lista, el Estado pone en marcha programas de protección específicos, siendo beneficiario de asistencias financieras procedentes de un Fondo creado por todos los estados signatarios de la Convención. Algunos ejemplos representativos son la isopolifonía popular albanesa, registrada en 2008, el tango de Argentina (2009) o los cantos de los baul de Bangladesh (2008). Según la Convención para la Salvaguardia del Patrimonio Cultural Inmaterial, el PCI - el patrimonio vivo - es el crisol de nuestra diversidad cultural y su conservación, una garantía de creatividad permanente. Muchos elementos del PCI están actualmente amenazados debido a los efectos de la globalización, la falta de medios, de valorización y de entendimiento que conduce al deterioro de las funciones y los valores de estos elementos y a la falta de interés hacia ellos entre las nuevas generaciones.

Ámbitos en los que se manifiesta:
· Tradiciones y expresiones orales.
· Espectáculos.
· Usos sociales, rituales y actos festivos.
· Conocimientos y usos relacionados con la naturaleza y el universo.
· Técnicas artesanales tradicionales.

Características esenciales del PCI:
· Se transmite de generación en generación.
· Se recrea de forma permanente por esas comunidades y grupos en función de su entorno, su interacción con la naturaleza y su historia.
· Se difunde como sentimiento de identidad y de continuidad.
· Promueve el respeto de la diversidad cultural y la creatividad humana.

Para saber más…http://www.unesco.org/.

Rita Sánchez Aragó.

ENSAYO

2009-11-14T13:27:00.000-08:00

El cine ha muerto y Photoshop ha matado a la pintura

A punto de entrar en la segunda década del siglo XXI, un porcentaje importante de directores ya ruedan sus películas sobre soportes digitales, en detrimento del tradicional material fotosensible. Los fotógrafos llevan más de diez años recorriendo ese camino. Hay escultores que experimentan con luces de neón, y arquitectos que iluminan edificios por medio de fibra óptica. ¿Acaso la revolución tecnológica del siglo XX está matando al Arte en el siglo XXI? La pintura entonces… ¿ha muerto ya?

Desde hace ya más de siglo y medio, el mundo del Arte se ve en una constante lucha por reinventarse a si mismo. Sobre todo desde que los pintores, hartos del naturalismo pero expertos en técnica académica, se lanzan a buscar otros caminos y a fracturar de manera diferente la realidad. Pronto se contagian todas las categorías artísticas, y se suman las nuevas tecnologías de entonces, la fotografía, el cine, el sonido grabado…Vanguardias, Surrealismo, Dadá, las revoluciones se suceden o incluso se solapan, a menudo enfrentándose a la incomprensión de la mayoría que, sin saberlo, termina por asimilar las novedades creativas que suponen.

Esta tremenda diversificación de corrientes, estilos y conceptos, supuso un excelente caldo de cultivo para que las generaciones posteriores, ya en los 60, pudieran adueñarse de una tecnología diseñada por el poder político y económico, y comenzar a utilizarla en su propio beneficio creativo. Es la televisión, la imagen electrónica, el precursor romántico de nuestro actual pixel. Pixel que nace de las manos de los recientemente premiados con el Nobel de Física, Willard Boyle y George Smith a finales del 69, aunque no es hasta dos décadas después cuando su tecnología comienza a llegar a manos de los artistas, que hasta entonces habían creado con la tecnología analógica. También la era digital ha encontrado y encuentra numerosos detractores que minusvaloran el llamado Arte Digital. Es una lucha estéril.

Hay que tener en cuenta que el Arte ahora está cada vez menos limitado técnica y tecnológicamente porque existen cada vez más medios que facilitan la expresión artística en sus diferentes vertientes. Aunque la literatura, la pintura, la escultura y cualquier tipo de manifestación artística siempre hayan tenido una misma base, que es la de "obra de arte", también han permanecido distintos a causa de la distancia entre las técnicas. Hoy en día, esta distinción se aleja por momentos, es decir, los medios son cada vez más intercambiables y compatibles entre sí. El ejemplo de ello son películas como "Cremaster Cycle" de Matthew Barney en las que todo puede ser un cuadro, una foto, una película o una poesía; o la obra de Takashi Murakami con su superflat en el que se trata la pintura como cine, como videojuego o como anuncio publicitario - "Superflat Monogram by Takashi Murakami for Louis Vuitton" - que dejan fuera de combate la distancia anterior; o nuestra querida Jenny Holzer. ¿Quién no se acuerda de ella?

Por lo tanto, queridos lectores, y volviendo a lo que explicaba al comenzar con este breve ensayo, la pintura, tal y como se nos ha hecho entenderla, no es que haya muerto ahora, sino que murió hace décadas!

Sara Alfonso

CREACIÓN

2009-11-14T12:58:00.000-08:00

GABRIELA RUBIO

El arte de enseñar ilustrando y escribiendo nos recuerda
que hasta el más sabio aún debe aprender a ver.
Colocarse detrás de la barrera de la experiencia, es lo que
hace Gabriela Rubio con cada aventura infantil literaria en la
que se embarca.

Su carrera artística y narrativa está llena de numerosos premiosliterarios y un gran número de libros publicados. Ahoranos abre las puertas a TRAZOS para demostrarnos que, aunquehayamos crecido, aún seguimos soñando con volver a serpequeños.

http://www.gabrielarubioescritora.blogspot.com/

LITERATURA

2009-11-14T12:38:00.000-08:00

Más que humano
Theodore Sturgeon
Ed. Minotauro, 2002

Novela lindante con el falaz despropósito en múltiples ocasiones y con la genialidad desbocada en otras tantas, Más que humano se podría designar como el trabajo más representativo de su autor, el irredento Sturgeon. Ejemplificando, por tanto, muchas de sus teorías peregrinas y un tanto sensibleras acerca del ser humano y la moral, el libro nos enmarca el retrato de un grupo de adolescentes marginales, poco menos que vagabundos, dotados de poderes psíquicos. Suerte de X-Men versión homeless, el autor desdice todo el andamiaje acerca de la plena potestad del héroe tan en boga en la ciencia ficción de mediados del siglo pasado, bajo una propuesta que trae una vaga semblanza con Freaks, de Browning, en talante amable. Sin embargo, su carencia de ironía, sus convencionalismos narrativos, la molesta pretensión psicologista acerca de la teoría de la gestalt… Son muchos los elementos que sitúan su valor literario en un ligero brete.

Suave es la noche
F. Scott Fitzgerald
Ed. Plaza & Janés, 1983

¿Existe vida en Fitzgerald más allá de El Gran Gatsby? Muchos dirían que no, y quizá tengan razón. No obstante, disintiendo con la potencial caterva de cínicos recalcitrantes con la que suelo comulgar, debo decir que Tender is the night es una novela mucho más compleja y personal, un auténtico mosaico de las relaciones humanas y de los precarios abismos de la inestabilidad mental. Bajo el marco contextual que suponen los avatares de Dick Diver, suerte de entrañable vividor catapultado a la dolce vita por su matrimonio con una rica heredera, Fitzgerald dibuja un impecable cuadro de la alta sociedad norteamericana en el periodo de entreguerras, una generación envuelta en un devenir errático de diversiones y lujos varios, en constante huida de sí mismos. Aún sin preocuparse tanto por el cómo en demérito del qué, el autor emplea un ritmo firme y un lenguaje sensorial, pleno de ejemplificaciones, para enmarcar una historia memorable.

La carne, la muerte y el diablo
Mario Praz
Ed. Acantilado, 1999

Famoso crítico y estudioso italiano, Mario Praz es bien conocido por todos, (o debería serlo) merced a ensayos como Gusto Neoclásico y otros muchos trabajos referentes a ámbitos próximos a la Hª del Arte (véase su estudio sobre Canova). Con La carne, la muerte y el diablo en la literatura romántica, Praz gestó uno de los documentos fundamentales para el enfoque de la crítica en la literatura decimonónica. Mediante un análisis exhaustivo y de gran erudición acerca de las principales obras y autores del romanticismo francés, inglés o italiano, el autor extiende su visión en planos prerrománticos y en sus posteriores concomitancias en el decadentismo finisecular, todo ello bajo el prisma del lirismo que impregna muchas de las visiones de mórbida sensualidad tan al gusto de Baudelaire, Richardson, Keats, Mathew G. Lewis o el mismo Sade. Un ensayo absolutamente imprescindible.

Kwaidan
Lafcadio Hearn
Ed. Siruela, 1988

Los que desde niños hemos experimentado una poderosa fascinación por todo lo referente a Japón, su cultura, historia y costumbres, le debemos mucho a Lafcadio Hearn. Es esta una deuda que arrastraba incluso Borges, lo que debería dar idea del magisterio en tales lides de este escritor y periodista, desembarcado en el Japón en los primeros compases del periodo Meiji. Gran amante del folklore de su país adoptivo, en Kwaidan, su obra más conocida en el tema de lo fantástico, Hearn recoge multitud de leyendas y tradiciones orales extraídas de lo profundo del imaginario sobrenatural japonés, cristalizándolas en cuentos y relatos breves escritos en su característico estilo sobrio, fiel reflejo de parte de la idiosincrasia japonesa e impregnado del poderoso lirismo de lo extraño y maravilloso. Varios de estos cuentos fueron llevados al cine en la película homónima (Kwaidan, M. Kobayashi, 1964), una de las obras maestras del cine fantástico oriental.

J. F. Pastor Pàris

RELATO-FOTOGRÁFICO

2009-11-14T12:26:00.000-08:00

Yo ya no puedo volver atrás…

Yo ya no puedo volver atrás porque yo empujé a la vida para que fuera esto que vivo, y he vivido siempre en la cumbre. ¿Por qué no dejar de hacerlo en otra? Una más blanca, más limpia, más pura.

¿Cómo llegué antes hasta allí, hasta esas alturas, hasta esos hielos? Haciendo lo que debía, cuando debía, como debía; estando en el lugar adecuado y en el momento adecuado. ¿Qué más da si me arrepiento? Os escribo para deciros que os quiero, que os hecho de menos sin haberos tenido nunca, sin recordar todos los momentos que he pasado con vosotros porque siempre he estado demasiado ausente. No es verdad que todo lo que hice lo hiciera por vosotros. Otros como yo me brindaban tal excusa, yo llegué a creérmela. Creí que lo teníais todo, que mi dinero y mi ambición os lo daban todo. En mi mundo el dinero compraba cualquier cosa, hasta la felicidad.

Os quise, os quiero, fuisteis el fruto de un amor verdadero, difícil creerlo ¿verdad? También a vuestra madre la abandoné en pro de la causa mayor que no era sino yo.

Sé de buena fe, lo he visto, que otros se han cruzado en vuestros caminos y que habéis aprendido de ellos lo que, quizás, yo, un padre, debía haberos enseñado. Digo quizás porque no lo sé. No sé cómo se vive otra vida, qué debe enseñar un padre a sus hijos. Si he de ser sincero, me alegra que no hayáis seguido mis pasos. Vosotros sois mejores, lo haréis mejor.

Os escribo mientras hago un alto en el camino, cuando corone la cumbre me dejaré ir, estoy cansado. He encontrado un risco que me abriga un poco del frío y los vientos, aquí puedo escribiros. He traído papel y pluma conmigo. No sé el tiempo que hace que no escribo una carta. ¿Llegaréis a leerla? El aire limpio me hace bien, me despeja la mente y me deja concentrarme en vosotros. He estado siempre tan ocupado…

Debéis de estar preguntándoos qué ha llevado al loco de vuestro viejo a hacer una cosa como ésta, dejarlo todo, y desaparecer sin decirle a nadie ni adónde ni por qué. En realidad he preparado mucho mi último ascenso, el único para el que no me siento viejo y cansado. En algún momento reciente me volví un sentimental, ¿quién lo habría dicho?

¿Sabéis? Estoy orgulloso de quienes sois. No os lo he dicho nunca. Me pregunto cómo viniendo de donde venís os mantuvisteis tan puros, cómo llegasteis a convertiros en los hombres que sois. Yo no he sido buena persona, las altas esferas ensucian las manos y el alma. Tampoco he sido valiente o admirable, nunca luché contra nada, vi, callé e imité las acciones más viles. Lo peor, uno aprende a vivir con ello, a seguir durmiendo por las noches.

Quizás, si no os hubiera perdido hace tanto tiempo tendría mil cosas que preguntaros. Ahora ya da igual, a medida que avanzo por esta laderas, se me hace más nítido todo aquello a lo que renuncié. Vosotros sois el sacrifico más grande y lo hice sin darme cuenta, ¿qué otras cosas no habré notado? ¿Cuánto me habré perdido?

Espero que las pocas explicaciones de esta carta os ayuden a entender un poco por qué me marcho así. Ya estaba….

Texto de Beatriz Talaván basado en fotografías de Olga Simón.

ENTREVISTA 2

2009-11-14T12:19:00.000-08:00

PSJM

Pablo San José y Cynthia Viera (PSJM) operan como grupo artístico apropiándose de los recursos utilizados por los medios de comunicación para crear “simulacros y no parodias” del sistema capitalista que rige nuestra vida y nuestra cultura. Estos días podemos ver en Cuenca su particular aportación dentro del festival Ingráfica´09, o acercarnos a su trabajo audiovisual en la retrospectiva que ha organizado el TEA de Tenerife. Parece por tanto una buena ocasión para hablar con ellos y conocer algo más acerca de sus “productos”.

-¿Cómo surge la idea de crear un grupo artístico a imagen y semejanza de una marca comercial?
-En 1998 Pablo decidió que su firma se convertiría en marca. Le interesaban los procesos de promoción de las firmas artísticas y su paralelismo con el resto de firmas comerciales y comenzó un trabajo que aún continúa, un proyecto que se construye con cada obra realizada. “El artista es la marca, la obra es el producto” pasó a ser el slogan de la marca PSJM. En 2003 Cynthia, licenciada en Dirección de Comercio Internacional y Marketing, y hasta esa fecha Responsable de Servicios de Marketing de una gran compañía de telecomunicaciones, se incorpora al proyecto haciendo realidad las intenciones teóricas de trabajar bajo las estructuras propias de la empresa y formalizar legalmente el equipo como una marca comercial.

-¿Qué opináis acerca del concepto de “genio” aplicado, e incluso exigido, al artista?
-La dignidad del individuo, la importancia de la creatividad y la imaginación o la valoración del trabajo artístico, luchas propias del movimiento romántico, son preceptos que a todas luces se deben defender. Sin embrago su mitificación, la sacralización de la obra de arte a través de lo sublime y la divinización del artista en la figura del genio bohemio atormentado constituyen lastres contra los que aún debemos actuar. Estos modelos tan queridos por la industria de Hollywood en sus biografías artísticas, bien pueden serle útiles al comerciante de arte para valorizar sus mercancías o al artista vanidoso para imponer su voluntad caprichosa, pero suponen un freno en la consecución de una práctica democrática e igualitaria de lo artístico, de la creatividad en el hecho de vivir.

-El mercado y los medios de comunicación parecen hoy por hoy algo inherente a la cultura y el arte. Vosotros decís que tratáis estos temas desde el simulacro y no desde la parodia, ¿a qué os referís con esto?
-Nicolas Bourriaud etiqueta como “realismo operativo” a este tipo de arte relacional basado en "el modelado de una actividad profesional en el campo de la producción de bienes y servicios que imita la economía general". Con todo, nosotros nos diferenciamos también de otros artistas que trabajan en esta dirección en que la mayoría producen “parodias” del sistema de consumo, mientras que nosotros creamos “simulacros”, no “parodias”. Nuestras obras son una imitación más real que lo real, “hiperrealidad operativa”. Es decir, nosotros no modificamos una marca (Fuma por Puma, por ejemplo) o hacemos un chiste grotesco de la sociedad de consumo. Muchas de nuestras obras podrían ser realidad. Esto se debe a que ambos hemos trabajado dentro de la maquinaria de seducción publicitaria. No hacemos algo "como slogans", hacemos slogans, podrían ser reales porque también los hemos hecho para el capital, conocemos sus procedimientos y ahora los utilizamos para generar un discurso crítico.

-Se dice que el mercado ha “asesinado” al arte y la crítica, ¿creéis que también la contracultura se ha convertido en un negocio?
-Sin duda. Ese ha sido el destino de todas las propuestas radicales de las vanguardias, desde el anti-arte dadá a las experiencias anti-cormerciales e inmateriales del primer conceptual. De modo similar, la contracultura pasa enseguida a convertirse en un producto más en el engranaje comercial de la sociedad de consumo. Estos son conceptos con los que venimos trabajando desde hace años y que recientemente han sido espléndidamente explicados y popularizados por Heath y Potter con su "Rebelarse vende". No creemos que nadie pueda escapar a esta lógica del capitalismo, un sistema que necesita de la crisis y la confrontación para avanzar.

-Vuestra crítica, además de artística ¿es también política y social, por ejemplo en obras como Marcas Ocultas o Made by kids for kids?
-Podríamos decir que nuestro campo es la crítica de la economía política del signo. Tomar las mercancías como arte y al arte como mercancía y estudiar las relaciones ideológicas y de poder que subyacen en sus estructuras y flujos.

-¿Qué papel tiene el público en obras como Marx, en la que creáis una marca de ropa con su correspondiente boutique, spot de TV, carteles publicitarios y lemas para el producto como “Haz como nosotros, sé diferente”?
-El receptor está siempre presente a la hora de crear todas nuestras propuestas. Es él quien remata la obra. Esto sucede con el trabajo de cualquier artista, de otro modo las obras de arte no saldrían de los estudios, si nos apuras, no saldrían de la mente del artista. En el caso concreto de MARX®, y aunque el espectador es parte fundamental de todos los componentes del proyecto, su importancia se hace mucho más evidente en la acción de consumo en la boutique. Por otro lado el slogan de MARX®, “Haz como nosotros, sé diferente”, reproduce el mensaje paradójico que podemos escuchar en los medios de comunicación constantemente. Sé tu mismo, consigue tu identidad individual y distintiva, pero por medio del consumo de objetos producidos en masa. Lo que nos interesa aquí es la tensión entre lo exclusivo y lo masivo industrial, el individuo y la masa y la absurda solución que nos proporciona el mercado, a la que comúnmente el consumidor se abandona sin pensar. Nosotros proponemos reflexión por medio del acto de consumo.

-Imagino que seréis conscientes de que vuestro trabajo no puede ser entendido por todo espectador. Sin embargo, ¿creéis que puede disfrutarlo cualquiera?
-Bueno, para nosotros es primordial que nuestras propuestas no se queden exclusivamente en el terreno de la elite cultural, en la base de nuestro trabajo subyace el empeño de ampliar el discurso a un público más amplio, nos afanamos en crear obras con dos niveles de lectura intentando hermanar experimentación y comunicación. A esta difícil empresa la llamamos "el dilema de Maiakovski", ya que este tema le quitaba el sueño al poeta ruso. Para conseguir esto nos servimos de los medios y estrategias de la cultura de masas, el público medio comprende este lenguaje a la perfección y nos brinda un campo con el que poder experimentar generando significados distintos.

-¿Cuáles son vuestros referentes ideológicos y artísticos?
-Nuestra línea de trabajo se encuadra en la tradición de las primeras vanguadias que pretendían fundir arte y vida, como el daDa y el productivismo ruso. También las segundas vanguardias que inauguran la postmodernidad (minimal, pop y conceptual) forman parte de nuestras influencias de base. Actualmente encontramos en la realidad social producida por los mass media nuestro campo de inspiración, aunque con seguridad son los libros que pueblan nuestra estantería la fuente principal del trabajo que exponemos. La lista de autores que inspiran nuestro trabajo se haría interminable: Marx, Barthes, Baudrillard , Lipovetsky, Lash, Weber, Adorno, Bourdieu, Williams, Eagleton, Tretyakov, Negri, Bourriaud, Verdú, Buchloh, Dickie, etc., etc.

-¿Trabajáis en algún proyecto nuevo ahora mismo?
-Actualmente tenemos en curso una exposición colectiva de tres artistas en Berlín, "Abstract Realities" (Finaliza el 07-11-09), donde presentamos nuestro proyecto "American Colors". También en noviembre intervenimos la publicidad exterior de Cuenca (Ingráfica 09) con una esquela del capitalismo, y posteriormente inauguramos en Tenerife, en el TEA, una retrospectiva de todos nuestros vídeos. En cuanto a proyectos nuevos, estamos ahora ocupados con cuatro o cinco trabajos, tanto teóricos como plásticos, que verán la luz en 2010.

Entrevista de Jennifer Calles.

ILUSTRACIÓN

2009-11-14T12:18:00.000-08:00

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PORTADA OCTUBRE

2009-10-15T06:47:00.001-07:00

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FOTOGRAFÍA

2009-10-15T02:20:00.000-07:00

THOMAS DEMAND

EN LA NEUE NATIONALGALERIE

Creo que ya sé en qué consiste eso que llaman el placer estético. Está a medio camino entre el desprecio, el asombro y el reconocimiento. Me gustaría contaros que lo he aprendido en la facultad, pero la triste realidad es que me he tenido que ir a Berlín para hacerlo. Allí, en la Neue Nationalgalerie, han colgado las fotos de un tal Thomas Demand. ¿Y eso?, os preguntaréis, ¿es tan bueno? Mi teoría es que su éxito no tiene nada que ver con ser bueno o no, sino más bien con esos tres momentos del placer estético: el desprecio, el asombro y el reconocimiento. Demand ha sido lo suficientemente hábil como para sacar fotos que susciten las tres sensaciones. Os voy a contar cómo y, con un poco de suerte, entenderéis a qué me refiero.

DESPRECIO: El desprecio es consustancial al arte: si un artista no suscita desprecio, probablemente nunca llegue a ARCO, ni a los libros de Taschen. A Thomas Demand es muy probable que se le desprecie por ser vulgar y anodino. Sus fotos no retratan nada especial, sólo una esquina de la bañera, una mesa con los papeles revueltos, el cuarto de la limpieza. Más de uno, al verlas, pensaría que “eso también lo hago yo con la cámara de mi móvil”. O con la de la primera comunión. Y al pensarlo sentirá un arrogante estremecimiento de gustirrinín. Ese temblor, esos pelos de punta en el cogote, son el primer nivel de placer estético.

ASOMBRO: ¿Qué hay que hacer para asombrar? El único truco que no falla nunca es el truco del virtuosismo. Si haces algo difícil y encima lo haces bien, ya tienes a todo el mundo con la boca abierta, babeando. Y Thomas Demand lo sabe. Cuando uno mira atentamente su foto de la bañera, o de la mesa, o del cuarto de la limpieza, descubre que en realidad no son lugares reales, sino reconstrucciones con papel y cartón. El tío se curra unas maquetas perfectas y luego les hace la foto. Es inevitable quitarse el sombrero, como cuando vas por la playa y ves un castillo de arena con torres y puentes levadizos. Y ese gesto, ese reconocimiento del prodigio, es la segunda forma de placer estético.

RECONOCIMIENTO: He aquí que llegamos al tercer punto. Tanto el desprecio como el asombro son sensaciones más propias del esteta poco sofisticado, pero el “reconocimiento” suele estar asociado a individuos cultivados. Es el escalofrío de vanidad que se siente cuando se conoce algo. “Yo sé”. Con las fotos de Thomas Demand, sólo unos pocos están capacitados para experimentar esta refinadísima forma de placer. Su bañera reconstruida con papel y cartón, por ejemplo, no es una bañera cualquiera, sino la bañera donde apareció muerto Uwe Barschel, presidente del estado alemán de Schleswig-Holstein. Únicamente quienes conozcan las fotografías originales podrán decodificar la imagen, pillar el guiño y sentirse listos. Y lo mismo con las otras fotos de su exposición: todas son re-construcciones de los escenarios de la historia reciente de Alemania.

La pregunta que cabe hacerse es… ¿cuál de estos tres recursos utilizados por Thomas Demand ha jugado un papel más determinante para que se consagre en la Neue Nationalgalerie. Eso, queridos, lo decidís vosotros.

RFA.

GALERÍAS

2009-10-15T02:10:00.000-07:00

MADRID/LA CAJA NEGRA
LUIS GORDILLO: Archipiélago.

“Archipiélago: parte del mar formado por un conjunto de islas”. Esta es la definición oficial de dicho término. ¿Y para Gordillo? Para él Archipiélago se trata de un conjunto de elementos que conviven en un mismo espacio a la vez que comparten una misma intención. La Caja negra presenta un conjunto de doce serigrafías en las cuales se desarrolla toda la idea que Gordillo tiene acerca del color y de la forma. Se trata de obras que siguen tres principios: la serialización, la alteración y la reconstrucción; a partir de ellos surgen una serie de imágenes de llamativos colores en las que las diversas formas se van mezclando e intrincando hasta configurar imágenes ora abstractas como “Espejismo” (2008), ora realistas como “Mi querida Hormiga” (2008), pero todas ellas con un fuerte atractivo para el espectador.

MADRID/GALERÍA HEINRICH EHRHARDT
GEORGE BASELITZ: Obra reciente.

Baselitz es uno de los protagonistas de de la recuperación de la pintura alemana tras la Segunda Guerra Mundial. Con su arte ha conseguido crear nuevos caminos y abrir nuevas realidades artísticas. Pandemonium fue la obra que le dio notoriedad a principio de los setenta: se trataba de un análisis del caos, el sexo, la furia, la violencia… todas con un marcado carácter expresionista. Ahora llega a la galería Heinrich Ehrhardt con una serie pintada entre febrero y marzo del 2009 y que gira en torno a un tema universal en la vida de los pintores: el artista frente s un lienzo en el que solo se proyecta su sombra y del que tiene que hacer surgir algún elemento, ya sea figurativo o no. Figuración invertida y pintura gestual son los dos elementos que atrapan al espectador, el cual se siente perdido y desorientado frente a un motivo formal que no es tal.

MADRID/GALERÍA ASTARTÉ
ROBERTO DÍEZ: Pasaje.

Ensamblar. Se trata de una acción que surge en las primeras experiencias cubistas y vanguardistas del siglo XX: consiste simplemente en superponer elementos en distintos órdenes y posiciones para producir/crear un elemento totalmente diferente al que lo compone. Desde que nació el ensamblaje se ha convertido en un elemento revitalizador de las diversas artes hasta convertirse en un género artístico independiente. La galería Astarté presenta a este respecto la obra de Roberto Díez, el cual usa para sus ensamblajes materiales comunes y entre los que abunda la letra impresa. De esta manera crea estructuras simples y livianas de aspecto cromáticamente y formalmente muy atractivo que posteriormente el espectador debe reconstruir siguiendo las emociones y sentimientos que dichas estructuras creen en él.

MADRID/GALERÍA ELBA BENÍTEZ
FRANCISCO RUIZ DE INFANTE:
Díptico animal/laboratorio de sincronizaciones.

¿Cómo nos sentiríamos cualquiera de nosotros enjaulados? Ese es el punto de partida de esta exposición: las jaulas y sus motivos aparecen metafórica y literalmente a lo largo de todo el espacio; se multiplican de tal manera que al espectador le cuesta discernir entre el interior y el exterior y le produce una sensación ambigua de miedo, rabia y extrañeza. Todo ello lleva a una reflexión sobre el significado que tiene toda forma de encierro, físico o psicológico. La galería ha sido dividida en dos espacios diferentes: la “zona de difusión” (más diáfana y con un video proyectado con perros ladrando mientras esperan la comida) y la “zona de producción” (abarrotada de equipo audiovisual y muebles, mezclando lo tecnológico con objetos comunes). Este trabajo se enmarca dentro del gran proyecto en proceso del autor, Sky of Death, en el cual busca convertir al espectador de contemplador pasivo a participante activo.

Umberto Castillo Biscari.

CRÍTICA DE CINE

2009-10-15T01:59:00.000-07:00

MALDITOS BASTARDOS

Quentin Tarantino, 2009

“Malditos bastardos” empieza con un “Érase una vez…” que avisa del irreverente tratamiento que hace Tarantino de la Historia. No hay que olvidar que Tarantino no rueda películas sobre la vida, sino sobre el cine, y “Malditos bastardos” se desarrolla en un universo paralelo, surgido de múltiples referencias fílmicas, desde la más ínfima serie B hasta “Ser o no ser” de Lubitsch. Si se entra en el juego, es altamente disfrutable.
La película se despliega en largas secuencias de diálogo. Un diálogo brillante, como es habitual en el director estadounidense, que con paciencia construye hábilmente un clima de tensión creciente, que estalla en rápidas ráfagas de violencia. Atención al villano nazi magistralmente interpretado por Christoph Waltz.

SI LA COSA FUNCIONA

Woody Allen, 2009

Woody Allen regresa a su querida Manhattan. El pulso de “Si la cosa funciona” recuerda a algunas de las mejores comedias de Allen, condimentada con la causticidad y fatalismo de “Desmontando a Harry” (su obra más redonda).
El personaje protagonista (un alter ego de Allen), un hombre tan brillante como misántropo, se encuentra inmerso en la relación amorosa más insospechada.
Woody Allen no deja títere con cabeza: cristianos, ateos, conservadores, progres, intelectuales, paletos, heteros y gays… todos acaban recibiendo algún golpe de genial sarcasmo en esta comedia que, por cierto, rompe de manera chocante la separación entre el mundo de los personajes y los espectadores de la sala.

BATMAN
Tim Burton, 1989 (20º aniversario)
Tim Burton era un joven director que sólo contaba con un éxito en su haber: la divertida y estrafalaria “Bitelchús”. Aún así, recibió el encargo de llevar al cine al mítico héroe de DC. Inspirándose en los comics de los años 70 y 80, que recuperaban las raíces oscuras y dramáticas del personaje (en especial, “Dark Knight Returns”), el film de Burton se convirtió en un fenómeno mediático sólo equiparable a “Star Wars”. A pesar de algunas deficiencias en la trama (típicas en el cine de Burton), la atmósfera visual, la magistral música de Danny Elfman y las interpretaciones de Jack Nicholson y Michael Keaton hacen este “Batman” inolvidable, un anticipo del héroe atormentado que tanto se estila hoy. Sin ella, no tendríamos esa obra maestra que es “El Caballero Oscuro” de Nolan.

Críticas de Federico Alba.

ENSAYO DE CINE

2009-10-15T01:51:00.000-07:00

"ME SUENA TU CARA..."

“Se va ese personaje secundario y nos fastidia a todos”.

Esta cita pertenece a la película de 1985 “La rosa púrpura de El Cairo” y en ella Woody Allen deja claro el papel que desempeña un simple actor secundario en cualquier película: los focos, las luces y, por qué no decirlo, la fama, se las llevan las stars que interpretan los papeles protagonistas, pero es gracias a esos secundarios, a los que se encuentran en la sombra, por lo que la película sale a flote. De hecho, en Estados Unidos se les conoce como supporting actors, ya que son los que sostienen el guión y dan consistencia a la historia, en los que se apoyan los personajes protagonistas y finalmente, en los que se reconoce el espectador.

Sin embargo, en España los conocemos como ''secundarios'', un calificativo un tanto peyorativo que nos habla de la escasa consideración que tienen estos artistas en nuestro país. Durante la visión de cualquier película española hemos reconocido a determinado secundario y hemos exclamado un: ''¡Pero si es éste, el que sale en aquella película, que joven está!''. Los secundarios son fundamentales, los reconocemos, pero no sabemos ni siquiera como se llaman. Es a esos rostros sin nombre a los que está dedicado el ciclo de películas que se proyecta en el Círculo de Bellas Artes durante el mes de octubre bajo el título Actores secundarios del cine español. Consiste en un recorrido por los grandes secundarios del cine español a lo largo de 24 títulos (se proyectan tres películas al día).

A excepción de algunos títulos, como Domingo de carnaval o La torre de los siete jorobados (películas de la década de los cincuenta), El milagro de P. Tinto o Justino, un asesino de la tercera edad (pertenecientes a la de los noventa), el núcleo del ciclo se encuentra en una de las épocas doradas del cine español, que abarca las décadas de los cincuenta a los setenta, que contaban con directores en plena forma como Luis García Berlanga, Juan Antonio Bardem o Fernando Fernán Gómez.

En muchas de estas películas, que hoy en día pertenecen a lo que comúnmente se denomina cine de culto (ya que el tratamiento de la sociedad española se hacía de forma crítica y representativa de su tiempo, no como en el género imitativo de la actualidad), el peso del argumento no recae únicamente en una pareja protagonista, sino que tiene sus cimientos en las diferentes tramas que se urden, a modo de tela de araña, entre los diferentes personajes, todos ellos principales, y a la vez secundarios. En todos estos films se hace gala del calificativo ''película coral''. Rostros de actores como Pepe Isbert, Luis Ciges, Manuel Alexandre o Antonio Riquelme, nos aguardan dentro de los fotogramas de estas películas y nos hacen partícipes de sus dramas, sus situaciones cómicas o de las extravagancias del director.

Además de películas tan conocidas como Atraco a las tres o ¡Bienvenido, Mister Marshall!, este pequeño ciclo nos da la oportunidad de ver y recuperar pequeñas joyas del cine español que se encontraban cubiertas por el polvo en los fondos de la filmoteca, como ¡Bruja, más que bruja! de Fernando Fernán Gómez.

Por último, cabe destacar el estreno de la película De reparto, realizada por Santiago Aguilar y protagonizada por Carlos Lucas, homenaje a todos aquellos intérpretes que como él, a base de un trabajo minucioso, han sabido hacerse un hueco en nuestra memoria, siendo rostros familiares que han conseguido engancharnos y hacerse necesarios en nuestro universo fílmico.

María Condado y Carolina Cadenas.

ENTREVISTA 1

2009-10-15T01:30:00.000-07:00

GERMÁN GÓMEZ

Las restricciones que nos impone la sociedad hacen que todos en algún momento nos hayamos sentido fuera de lugar. A través de su obra, Germán Gómez indaga sobre los temas del rechazo y la identidad. Su trabajo, imposible de clasificar por único y sorprendente, está lleno de matices tanto plásticos como conceptuales. El Premio Nacional de Fotografía Injuve 2001, su presencia como representante español en la Bienal de Alejandría de 2007 o el premio revelación de PhotoEspaña 2008, son tan sólo los primeros reconocimientos a la labor de un creador con mucho futuro.

Jennifer Calles- ¿Por qué elegiste la fotografía como principal medio de expresión?
Germán Gómez- Todo empezó porque en la facultad de Bellas Artes tuve de profesora a Cristina García Rodero. Era apasionante oírle hablar sobre lo que la fotografía significaba en su vida. Eso me cautivó absolutamente.
Mi primer proyecto se desarrolló durante nueve años en los que fui haciendo fotos a los chavales de un colegio de educación especial donde yo trabajaba como profesor. Cristina me animaba a que fotografiase lo que formaba parte de mi vida y me importaba.
Si he de elegir dos asignaturas de la facultad serían fotografía y dibujo. Son las que realmente me tocaron. Por eso, lo que hago muy a menudo es unir esos dos lenguajes. La imagen fotográfica me gusta porque es cotidiana, pero también directa e íntima. Y después está la manipulación de la fotografía, donde desarrollo toda esa parte del dibujo mediante la costura, la cicatriz.

- ¿No sería justo entonces definirte simplemente como un fotógrafo?
- Yo entiendo la obra como un proceso plástico. Me da lo mismo tener que romper una foto, meterle una línea o coserle algo. Muchas veces me clasifican como fotógrafo, pero yo no me siento como un fotógrafo ortodoxo. Tampoco es que me sienta nada, intento ser creador plástico y me da igual la técnica.

- ¿Cuándo utilizas el collage por primera vez y con qué propósito?
- En la serie “Compuestos”. Mi abuela era modista, con lo que siempre me crié con ese ruido de la máquina de coser. Un día, en el taller de una amiga mía diseñadora, se me ocurrió probar con su máquina y ver cómo funcionaría el resultado de coser unas fotografías que tenía. La verdad es que el resultado me encantó y ahí empezó todo, en el 2004. Luego he seguido usando esta técnica porque me seduce mucho la intervención directa en la obra. Todo el proceso del collage son trozos de fotos rasgadas, y esa rotura también me interesa. Además, la unión de pedazos está íntimamente relacionada con un tema constante en mi obra como es el de la identidad. Funciona muy bien, es decir, si yo rasgo el fragmento del rostro de una persona y lo uno a otro mediante esa cicatriz que es la costura, creo que funciona conceptualmente.
En seguida me gustó mucho la intervención de la rotura, con el cúter, como si dibujases con el corte, con la fractura. Y con todo el riesgo que eso supone.
El momento de tomar las fotografías es muy seductor y apasionante. Pero luego llega el momento de la creación, de la deconstrucción de la obra. Todo el proceso de postproducción de la obra, cuando ya no hay modelos y estoy yo sólo con la máquina y el papel, también es de una tensión muy motivadora.

- Desde tu serie “Compuestos” (2004) hasta la más actual “Condenados” (2008) pareces hacer tangible, literalmente, la frase del antropólogo francés Marc Augé: “No hay identidad sin la presencia de los otros. No hay identidad sin alteridad”.
- Yo siempre digo que mi obra es autorretrato. Nunca es mi rostro el que sale, pero siempre es el reflejo de mis sentimientos. ¿Qué más da que se parezca o no a mí? Lo que intento es contar mi vida a través de esos rostros, de esas personas que me conocen mucho y que son con las que voy formándome y creciendo.

- ¿Siempre fotografías conocidos, amigos?
- Siempre. En casos concretos, como “Fichados/Tatuados”, hay un total de cincuenta modelos de los que algunos no son tan íntimos como los veinte a los que fotografío siempre y que saben perfectamente de qué va mi obra. Pero siempre son personas que de algún modo me conocen. Me gusta mucho que ninguno sea profesional del tema a la hora de ponerse frente a la cámara. Las primeras veces, la persona tiene cierto miedo que se refleja en su mirada. Algo muy bello y que jamás puede darse en la pose. Pero después, esa ingenuidad, se va transformando en una complicidad conmigo. De alguna manera termino haciéndoles vivir mis propias inquietudes y enfrentarse a mis mismos miedos.

- Comenzaste “Condenados” gracias a la beca de Roma. ¿El hecho de permanecer allí fue lo que hizo que la influencia de Miguel Ángel se haga tan patente en la serie?
- Sí claro. Miguel Ángel siempre me pareció una figura rotunda. Leí su vida, sus poemas, sus cartas, todo lo que tenía relación con él. Y empecé a pensar en “Condenados”. Era absurdo, e imposible, intentar hacer una obra idéntica a la suya, de modo que traspasé el tema de los condenados del Juicio Final a los condenados actuales, las personas rechazadas hoy por cuestiones sociales, sexuales, religiosas, por enfermedad(…)…

- ¿Son tus referencias por tanto más pictóricas que fotográficas?
- Sinceramente sí. En la fotografía hay temas que me resultan muy lejanos y fríos. Sin embargo, en la pintura hay muchas cosas que empatizan conmigo y que llevo interiorizadas incluso desde la infancia.

- Reconoces que toda tu obra es un autorretrato y sin embargo, la discriminación y rechazo de la sociedad hacia aquellas personas diferentes por su físico, pensamiento o condición sexual es un tema latente en tus fotografías. ¿Crees entonces posible el arte que aúne crítica e introspección?
- De hecho son cosas que no puedo separar, porque en mi obra hablo de lo que me duele, me apasiona o me toca de cerca. Si en algún momento te has sentido rechazado o has tenido especial relación con el tema de la educación especial, todo eso termina saliendo. Por ejemplo, si vives en Roma, el tema de la Iglesia no puedes dejar de tocarlo. Así, las obras más importantes que hice allí son “Condenados”, con toda esa influencia que comentábamos de Miguel Ángel y su Juicio Final, y “León XIII”. Hay dos cosas en Roma que son imposibles de ignorar: la Iglesia y el turismo.

- En parte de tu obra el concepto de masculinidad traspasa las normas que la sociedad impone al hombre. Por ejemplo en “Igualito que su madre” (2003) donde los retratados están travestidos.
- Esa serie es muy ambigua. La motivación realmente era la del concepto del maltrato a la mujer. Un hijo, que ve sufrir muchísimo a su madre, decide hacerse pasar por ella para sobrellevar su dolor. Así, en la sesión fotográfica, los chicos venían con una foto de su madre y yo les pintaba y peinaba para que se pareciesen lo más posible a ella. Pero, al no contar esto y llamar a la serie “Igualito que su madre” se genera una ambigüedad sexual. En realidad es un trabajo que no tiene nada que ver con el travestismo en sí, pero me gusta que se cree esa confusión. Me da un poco igual que cada uno lo interprete como quiera. La serie en la que trabajo ahora, “Padres e hijos” no tiene ninguna connotación sexual, pero a lo mejor hay gente que incluso se la ve. Está bien que la obra tenga diversas interpretaciones posibles, cuantas más mejor. Pero la sexualidad que suele achacarse a mi obra, sinceramente, no es intencionada.

- El proceso de idear la obra, ¿te lleva mucho tiempo?
- Lo que más, años. Con “Padres e hijos” llevo escribiendo sobre el tema desde el 2006. Analizando qué sentimientos produce en mí la relación con mi padre y cómo se resolverá luego eso plásticamente. Yo escribo con bastante frecuencia sobre las cosas que me ocurren o me preocupan. Después de darle vueltas y hacer una síntesis de lo más coherente o importante del tema, entonces ya busco una solución plástica. “Fichados/Tatuados” me llevó dos años y “Condenados” otros dos. De hecho, acabo de terminar cuatro piezas de esta última serie que se van a exponer ahora en Bogotá. Como mínimo estoy dos años con cada obra. Y con algunas más, como con “Padres e hijos”.

- Cuando ya has reflexionado el tema y llegas al momento de la práctica, ¿tienes claro lo qué va a salir de allí o la técnica te sorprende?
- Al principio lo medía absolutamente todo. En los primeros “Compuestos” hacía un boceto y cortaba a escala con cuchilla. Pero en el momento en el que empiezo a dibujar más en la obra o a rasgar el papel, desaparece ese control. En el momento de cortar y coser hay un riesgo muy emocionante para mí y que cada vez está menos medido, supongo que porque cada vez me siento más a gusto y seguro con la técnica.

- ¿Qué factores crees que son los que más influyen a la hora de que uno pueda labrarse una buena carrera artística?
- El que más, el trabajo. Ser constante, moverse, pedir becas, presentarse a premios… Solo teniendo obra producida se consigue algo. Yo he trabajado de muchas cosas, como maestro, guía turístico…pero siempre con la finalidad de crear. Supongo que esa obsesión también te hace dejar muchas cosas atrás, pero tienes que arriesgarte y trabajar. Las cosas luego pueden salir bien o mal, pero primero hay que intentarlo para saber que, pase lo que pase, has hecho todo lo posible.

Entrevista por Jennifer Calles.

EXPOSICIONES MADRID

2009-10-14T16:38:00.000-07:00

RICHARD ROGERS,

EL ARQUITECTO HUMANISTA.

Cualquiera que en alguna ocasión se haya interesado por la arquitectura moderna conocerá a Richard Rogers, arquitecto entre arquitectos. Sir Richard Rogers, Barón de Riverside, realizó sus primeros estudios de arquitectura en la Architectural Association de Londres y posteriormente se graduó en la Universidad de Yale en el año 1962. Fue precisamente en Yale donde conoció a Norman Foster, con quien se asoció tras su regreso a Londres. Nació así el Team 4 integrado por ambos arquitectos y sus respectivas esposas. Sus diseños basados en la alta tecnología les proporcionaron pronto una tarjeta de presentación inmejorable. 1967 supuso el final para Team 4 y el comienzo de la relación entre Rogers y Renzo Piano, arquitecto con quien construyó el Centro Pompidou de París en 1971. En el año 2007 recibió el Premio Pritzker de Arquitectura. Desde Caixa Forum se ha querido rendir un homenaje en vida a este maestro de la arquitectura de nuestro tiempo que ha generado una corte de discípulos y seguidores en todos los continentes. Esta primera retrospectiva dedicada al arquitecto en nuestro país, plantea su evolución desde su concepción del edificio como espacio social. En Richard Rogers sorprende la inmensa capacidad de innovar en el empleo de nuevos materiales que logran unos edificios flexibles a la vez que eficientes. Tras su paso por Barcelona, llega a Madrid esta exposición que pretende mostrar al visitante un concepto de la arquitectura basado en la integración de espacios y en la integración social. Por estas razones y por la preocupación que siempre ha demostrado este gigante de la arquitectura por la sostenibilidad y la eficiencia energética en la arquitectura, La Caixa convierte por unos días su obra en la protagonista indiscutible, sin duda una joya del urbanismo contemporáneo.

Rita Sánchez Aragó

Exposición Richard Rogers + Arquitectos. De la casa a la ciudad.
CaixaForum Madrid (Paseo del Prado, 36).
Del 9 de julio al 18 de octubre.

CAMUFLAJES

Ver sin ser visto, de eso trata la exposición Camuflajes de la Casa Encendida, del 18 de septiembre al 1 de noviembre de 2009.
Camuflar es dar a una cosa el aspecto de otra para hacer que pase desapercibida. Se produce en dos contextos: el animal, en el que se conoce como “mimetismo”, y el militar. La pintura ha practicado el camuflaje desde antiguo -escondiendo, por ejemplo, rostros entre las nubes- y lo ha hecho como entretenimiento manierista que, al margen de posibles significados simbólicos o incluso esotéricos, demostraba ante todo la habilidad del artista. Algo de eso sigue habiendo en la práctica del camuflaje artístico, pero en esta muestra se han privilegiado los aspectos críticos frente a los lúdicos o técnicos, de esto trata la exposición, pero con algo de alegría e ironía en la obra de los muchos autores, de diferentes nacionalidades, que intervienen en ella planteando el camuflaje como síntoma de nuestra sociedad aunque no nos percatemos de ello. Cuando se le preguntó a una de los integrantes acerca de escoger el camuflaje como tema respondió: “el señor que se dirige cada día a su oficina con traje y corbata; un traje semejante al de otros muchos millones de personas, que, al igual que él, no quieren desentonar en su entorno, las oficinas en las que trabajan. Traje y corbata son su uniforme de camuflaje. Si uno de estos señores fuera al trabajo con una apariencia, no sé… de heavy metal o punkie, llamaría mucho la atención, no iría camuflado. Destacaría en ese medio del mismo modo que, a la inversa, el heavy metal o el punkie desentonarían enormemente entre los ejecutivos trajeados.”
La exposición responde a un deseo de reflexionar sobre nosotros mismos y nuestra función en la vida.

Vicky Elunku Asanqono.

EXPOSICIÓN LONDRES

2009-10-14T16:31:00.000-07:00

POP LIFE: art in a material world

A lo largo de la historia pocas veces dos mundos tan distintos como el arte y los negocios se juntaron. Sin embargo, en los últimos siglos los Salones y las galerías permitieron a los artistas empezar a llenar sus bolsillos, algo con lo que Van Gogh no soñó jamás estando vivo (y hambriento). En el siglo XX esa unión se consolido y el arte se convirtió en un autentico negocio, sobre todo a partir de los años 80 con Warhol y su lema “el mejor negocio es un buen arte”. De ese lema parte la TATE MODERN de Londres para exhibir desde el pasado 1 de octubre y hasta el 17 de enero la exposición Pop life: art in a material world. Bajo este título el museo ha querido mostrar el trabajo de aquellos artistas de la segunda mitad del siglo XX que, utilizando los medios de comunicación en su favor, se convirtieron en autenticas marcas que vendían fuera y dentro de las galerías solo con escribir su nombre. Gracias a la publicidad, nacieron las celebridades: si para muchos artistas la unión del arte y el comercio era una traición, para otros se convirtió en forma de vida.

La exposición comienza con los trabajos tardíos de Andy Warhol, pionero del concepto artista-businessman. Se presentan parte de sus series Retrospectives o Reversals con los cuales reelabora los famosos retratos de los años sesenta para convertirlos en retratos a encargo para toda aquella persona con dinero que pueda permitírselo, incluso llegando a crear con ellos papel decorativo de paredes. Pero también se muestra el trabajo de Warhol como personaje televisivo, retratista de famosos, hombre anuncio para diferentes marcas y productos, entrevistador, editor y celebridad.

La figura de Warhol y su filosofía se convirtió en punto de partida para la siguiente generación de artistas que vieron en la alianza del arte y los medios de comunicación toda una estrategia comercial. Dos artistas influidos claramente por esto, uno en occidente y otro en oriente, fueron Keith Haring y Murakami. El primero de ellos, Keith Haring, fue discípulo directo de Warhol y llego a abrir una tienda en Nueva York (a la que le siguió otra en Tokio) en la que se podían comprar todo tipo de productos con sus figuras. Como si el tiempo y el espacio no existieran, andando por la exposición nos encontramos con una réplica exacta de esa tienda en una de las salas: los grafitis que le hicieron famoso pintados en la pared y la música rap nos dan la bienvenida. El segundo de ellos, Murakami, alumno aventajado en lo que a explotación de su imagen se refiere, llego a abrir también su propia tienda, posiblemente influido por la apertura de la tienda de Haring en Tokio. A él está dedicada otra de las salas de la exhibición donde se muestran desde sus muñecas y sus figuras influidas en la estética manga y en la cultura moderna de Japón hasta sus colaboraciones en diseños de ropa para distintas marcas de ropa (Marc Jacobs o Louis Vuitton).

Artistas más jóvenes también estudiaron las estrategias de Warhol. Ahí está el ejemplo de Jeff Koons, figura que supo usar demasiado bien la autopromoción y del que se presenta su trabajo llamado Made in Heaven en la que aparece el propio artista en irreverentes posiciones sexuales con su mujer de entonces, la actriz porno conocida como La Cicciolina. Tampoco pueden faltar obras de los Young british artists (ya no tan jóvenes) como Tracey Eman, Sarah Lucas o el mismo Damien Hisrt, quizás el más conocido de todos desde que vendió a través de Sotheby´s muchas de sus obras convirtiéndose en uno de los artistas vivos más caros de la historia. De esa subasta, aquí se muestran algunos trabajos como su Falso ídolo, un ternero en formol con pezuñas doradas.

Frente a todos estos artistas, otros artistas están también presentes en la exhibición. Dos ejemplos son la artista británica Cosey Fanni Tutti de la que se muestra su serie de fotografías pornográficas y la americana Andrea Fraser que vendió su cuerpo a un coleccionista con el que grabo un video pornográfico de una hora de duración. Junto a ellas, otros nombres como Martin Kippenberger o la pareja formada por Rob Pruitt y Jack Early completan la exposición.

Tras ver la exposición, una pregunta queda en el aire: ¿cuál es el límite entre el arte y la provocación? La respuesta queda abierta… pero pensar una cosa antes de nada: ¿es arte todo lo que los artistas más famosos nos presentan? Os dejo con la duda.

Naiara Valdano.

INFORM-ARTE

2009-10-14T16:26:00.000-07:00

MUSEOS Y PATRIMONIO

La legislación, la museología, la museografía y todas aquellas disciplinas que se desarrollan en torno al patrimonio cultural español, han fomentado el desarrollo del museo como institución y como continente. El museo tradicional desaparece para dejar paso al concepto de museo como dinamizador de la sociedad, como creador de cultura y como herramienta didáctica que cumple un servicio social. Asistimos, cada vez más, a una definición mucho más amplia del patrimonio, que comienza a ser denominado bien cultural y se convierte en un elemento a gestionar para establecer un diálogo entre el museo y la sociedad a fin de cumplir uno de los objetivos prioritarios, la transmisión de la cultura como mandato constitucional. Una transmisión de la que ya hablase John Ruskin en el año 1849, cuando se refería al patrimonio como un valor a respetar, a vigilar y a comunicar. Aunque todavía lejos de nuestra concepción actual de patrimonio y museo, ya apuntaba las labores fundamentales que deben asumir los responsables de nuestra herencia artística e histórica: respetarla y enseñar a respetarla-investigarla, como método para conservarla- vigilarla de forma incesante- como medio para evitar actos vandálicos o expolios y así preservar nuestro patrimonio-y transmitir esa idea de valor social a través de las instituciones que lo custodian para que pueda ser disfrutado por generaciones venideras. Es evidente ya la idea de pervivencia de nuestro legado cultural más allá de la existencia de un grupo humano o comunidad determinados.

Como entidad generadora de cultura, la institución museística se convierte en expresión de la identidad y la idiosincrasia de las diferentes nacionalidades que forman parte de nuestro territorio, y que, por mandato constitucional, deben ser respetadas y acrecentadas. Es fundamental entender el museo en sus dos vertientes, como contenedor de bienes culturales y como institución. Cada vez con mayor intensidad, el museo como arquitectura se convierte en protagonista, pues es la carta de presentación de la institución ante la sociedad. Este hecho nos lleva a reflexionar acerca de cómo se ha evolucionado progresivamente desde la valoración del objeto entendido como las colecciones hasta la valoración del sujeto, entendido como el público, llegando a uno de los puntos, a mi juicio, más interesantes para una institución museística, los estudios sobre visitantes. El público que visita los museos ha sido objeto de creciente interés por parte de los gestores de los mismos ya que, como apuntase Rivière, existe un público real y un público potencial, pudiendo dividirse ambos grupos en diversas subcategorías que han de ser tenidas en cuenta en el Plan Museológico así como en el propio proyecto arquitectónico de la institución. La focalización de la atención en el público no ha sido en detrimento de la prestada a las colecciones, que obviamente no dejan de ser el epicentro del museo, ya que sin colección no tenemos museo y no existe por tanto mensaje que transmitir.

En torno a la protección de nuestro patrimonio, la Ley de Patrimonio Histórico Español 16/1985 de 25 de junio es la actualmente vigente en el territorio nacional. Sin embargo, la organización territorial del Estado en Comunidades Autónomas ha dado lugar a la aparición de diecisiete textos cuya principal misión es proteger y acrecentar el patrimonio propio de cada una de las Comunidades como símbolo de una determinada idiosincrasia.

Los museos son cada vez más variados en tipologías y en orientaciones metodológicas y cada vez es más necesaria la adecuada preparación de los profesionales de nuestros museos para preservar, conservar, exhibir, gestionar y difundir la riqueza de nuestro pasado como garantía de futuro.

Rita Sánchez Aragó.

Para saber más…

HERNÁNDEZ HERNÁNDEZ, FRANCISCA., Manual de Museología, Madrid, Síntesis, 1994.

Plan Museológico y exposición permanente en el Museo. MCU.

Ley de Patrimonio Histórico Español 16/1985 de 25 de junio. BOE de 29 de junio de 1985.

Museos.es (Revista digital del MCU).

ENSAYO

2009-10-14T16:20:00.000-07:00

ART FORUM BERLÍN

Organizada por el Messe Berlin GMBH y un comité asesor de galerías internacionales, la prestigiosa feria internacional Art Forum Berlín abrió sus puertas al público el día 24 del pasado mes. Su decimocuarta edición reunió a más de 180 galerías de alrededor de 25 países que fueron visitadas por unos 40.000 espectadores ansiosos por conocer las nuevas obras de artistas tan renombrados como Nobuyoshi Araki, Dora García o el tan polémico Giovanni Morbin con su instalación Rob entre tantos otros.

A pesar de contar con una nueva dirección a cargo de Eva-Marie Häusler y Peter Vetch, cuyos cambios en la feria resultaban imprescindibles, sobre todo tras la crisis que nos ha asaltado, la edición del 2009 ha sido, lamentablemente, una de las menos acertadas de todas las celebradas hasta el momento.

Las galerías veteranas prefirieron no llevar grandes creaciones de sus mejores artistas para, a cambio, mostrar obras de años anteriores por miedo a pasar por la feria sin vender un cuadro; y el sector focus (dedicado a las nuevas galerías), que solía destacar por sus artistas innovadores y controvertidos, presentó un arte repetitivo - más de una galería exponía trabajos que recordaban sospechosamente a los de Donald Judd - poco excitante y harto decepcionante.

Desde estatuas de falos que parecían sacados del sex-shop más pomposo (Galería Van Horn) hasta troncos de madera agrupados en forma de hoguera sin más, pasando por fotografías de Robert Capa (Galería Kicken Berlin) vistas por enésima vez o un videoarte pésimo, al más puro estilo casero - sólo merecía la pena la pieza de vídeo de Omer Fast (Galería Arratia, Beer) -, el arte mostrado resultó postmoderno, poco novedoso y excesivamente aburrido.

La nueva edición de Art Forum evidenció los bostezos de cansancio de la mayoría sus espectadores a los cuales era más habitual ver en un ambiente relajado y de escaso interés que en la, de costumbre, ajetreada y angustiosa fiebre de compra. A pesar del habitual optimismo que mostraban la prensa y los galeristas, en general, la feria sufrió una mayor escasez de compradores y, por consiguiente, un notable descenso en las ventas.

Menos mal que "no hay mal que por bien no venga", y que la carencia de buen arte se pudo equilibrar con el hecho de que la feria resultó ser un extraordinario punto de encuentro para la comunicación, intercambio de información y reflexión entre los visitantes, gracias a que los ansiosos marchantes aprovecharon su tiempo para disfrutar de conversaciones mucho más atractivas que las obras de arte en sí.

Aunque es obvio que la coyuntura económica no ha sido el mejor amigo del arte en este último año, el que hubiese que sumarle el hecho de que las obras de interés brillaban por su ausencia, incitaba a abandonar el edificio y toda esa fiebre mercantil que le rodeaba para poder gozar de otras exposiciones y eventos que se estaban organizando en paralelo y que, desde mi punto de vista, son los verdaderos protagonistas que han contribuido a convertir a la capital alemana en uno de los centros neurálgicos del arte contemporáneo europeo.

Sara Alfonso.

CREACIÓN

2009-10-14T15:33:00.000-07:00

NACHO DE DIEGO

Entre el diseño gráfico y la ilustración, Nacho de Diego se expresa con la rotundidad que proporciona la sencillez de lo esencial.

Desde Trazos , le hemos propuesto que escriba unas líneas con lo que significan en su obra estas tres palabras: Icono, Color y Geometría.

Así, os dejamos con sus palabras y, lo que es más importante, con sus imágenes...

ICONO: me siento muy cercano al mundo de los iconos, al concepto de representar algo con el mínimo de mediod posible. Solo dejo de trabajar en un dibujo cuando restarle una línea más compromete el significado.

COLOR: manejo una paleta breve de colores básicos y potentes y los utilizo generalmente de manera plana, sin matices. La línea negra predomina sobre el color.

GEOMETRÍA: hace años comencé a dibujar directamente en el ordenador con programas vectoriales, y progresivamente fui abandonando el hábito de bocetar a mano. Todos los elementos que coloco en lailustración parten de círculos, óvalos, cuadrados, triángulos... Todo responde a la misma idea general de simplicidad.

www.nachodediego.com

LITERATURA

2009-10-14T15:14:00.000-07:00

Philip K. Dick

Ubik, Ed. F. de Ideas, 2000.

Si se puede aplicar, dentro de la literatura de ciencia ficción contemporánea, el tan mentado arquetipo del genio lindante con la locura, no hay ejemplo más reseñable que el de Philip K. Dick. Conocido para el gran público por su novela ¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas?, la materia prima de la película Blade Runner (Ridley Scott, 1982) no es sino en obras como Ubik donde se desata toda su enfebrecida visión literaria. El argumento (un grupo encallado en la Luna tras un accidente, sujeto a las inextricables vueltas de tuerca dickianas sobre su estado real), es casi mera anécdota frente al despliegue discursivo que subyace, marcado por la profunda incertidumbre que inunda la vida y la muerte. Su famosa galería de personajes y el ritmo narrativo, encauzado bajo un esquema opresivo en el que se niega al lector la posibilidad ontológica de saber qué es real y qué deja de serlo, resumen una de las mejores obras de la ciencia ficción del siglo XX.

Guy Endore

El hombre lobo de París, Ed. Jaguar, 2004.

He aquí que el hombre lobo, uno de los mitos clásicos del terror occidental junto a Drácula o el monstruo de Frankenstein, no parecía haber recibido concomitancia literaria, a diferencia de tales adláteres, en una novela gestacional. Error. Si bien privado de la entidad de las obras de Stoker o Shelley, el clásico que se ocupa de esta figura no es otro que este libro de Guy Endore. Publicado en 1933, se encontraba inédito en castellano (tan sólo un ejemplo de tantos en la minusvalía cultural de este país), siendo un texto cuya ambición dramática y cohesión narrativa resultan más que remarcables. Ambientada en el París de mediados del XIX, durante el periodo de la guerra franco-prusiana, los crímenes perpetrados por el hombre lobo reciben un buen marco conductor en el retrato de la sociedad francesa de la época, tan bien recreada que quizá acaba desdibujando el trasfondo puramente licantrópico de la novela.

William Faulkner

Santuario, Ed. Alfaguara, 2006.

Mucho se ha hablado acerca de la prosa de Faulkner, divinizada por algunos como la característica más relevante del escritor de Mississippi. Bajo mi punto de vista, sus interminables frases, laberínticas y serpentinas, no representan sino uno de los lastres importantes de su estilo, en claro demérito frente a su asombrosa capacidad para desarrollar el drama psicológico hasta profundidades insondables o la modernidad técnica de que hace gala en la mayor parte de su obra. No obstante, en una de sus novelas más conocidas, Santuario, su estilo recargado y plomizo sirve bien para contar la historia de una estudiante frívola y sus avatares en el viejo caserón, lleno de sórdidos personajes, donde va a parar gracias a la más estúpida de las casualidades. En torno a ella se teje, morosamente, una lenta intriga en la que pronto confluirán el asesinato y la violación. El ritmo exasperante de las frases de Faulkner representa el marco idóneo.

Georges Bataille

Mi madre, Ed. Tusquets, 1980

Extraña pieza narrativa, parcialmente disgregada, sin una finalización clara y pergeñada en un estilo abocetado, en el que abundan las contradicciones, los cambios inexplicables de tiempos verbales y demás irregularidades, Mi madre no deja de ser un librito delicioso y todo un catalizador de lo que podríamos denominar la esencia Bataille. En origen perteneciente a una serie de cuatro libros ideados en prolongación de Madame Edwarda, la novela narra el paulatino e inexorable proceso de corrupción de un adolescente a manos de su madre, una femme que encarna en ocasiones un estadio abismal casi sublime. Se trata de una obra destacada, ya que en ella, al igual que en Historia del Ojo, Bataille nos revela la plenitud de un autor verdaderamente subversivo, en tanto que catalizador de excesos y situaciones extremas que abocan al lector a avistar el reflejo prismático del más puro delirio.

Recomendaciones literarias de J. F. Pastor Páris.

RELATOFOTOGRÁFICO

2009-10-14T14:58:00.000-07:00

DESDE UNA TERRAZA, TOMANDO CAFÉ...

-¿Qué tienen en común un niño militar, un profesor de alemán que además es contorsionista y un viejo predicador que confía su mensaje a un trozo de cartón?
- ¿Son familia?
- No.
-¿Viven en la misma calle?
- Todavía no, espera a que el desfile doble la esquina.
-¿Se conocerán?
- No lo sé, quizás ya se conozcan. O…
- Por cierto, ¿cómo sabes que los profesores de alemán tienen esa pinta?
- He tenido unos cuantos.

No es la primera vez que juegan a este juego. Gonzalo y Daniel. Gonzalo es periodista y escritor aficionado. Daniel profesor de francés e inglés en un instituto público. Ambos andan en la treintena. El uno vive en Madrid y el otro en Berlín, pero se conocieron hace años en Londres. Ambos adoran el jazz, la música clásica y la literatura. Daniel toca el piano como un semidiós y Gonzalo domina los espacios de la ficción. Lo suyo fue una amistad a primera vista. Coincidieron en un curso de inglés para erasmus cuando apenas habían cumplido los veinte y hasta hoy. Todos los años engañan al tiempo una semana y recuperan su antigua vida juntos. Una semana de vacaciones que dedican a recorrer alguna de las grandes capitales europeas. Las pasean, las exploran, charlan y reinventan las relaciones entre los lugares y las personas que se encuentran mientras toman café en las terrazas.

- ¡Una mujer!
-Ehhh, digamos que todavía no.
- Todavía no...¡es una niña!¿Se llama Franzisca y lleva trenzas?
- Se llama Franzisca, lleva trenzas y da mucho la lata, sí esa es. Rebauticémosla Iris, mensajera de los dioses, llamada a cambiar las reglas del juego llevando a su destino nuestras aladas palabras. ¿Qué te parece que se conozcan?
-Cuéntame.
-Esa Franzisca parece lista y bastante descarada, convéncela de que el profesor es un mago, el predicador un rey encantado y de que su caballero está a punto de doblar la esquina. Sólo tiene que conseguir que el caballero mate al mago para que el predicador recupere su forma original. Cómprale un helado.

Resulta que esa Franzisca, que efectivamente es muy descarada, está encantada con su papel en la historia y su helado de fresa y mango. En cuanto el desfile hace su aparición en escena, localiza al caballero y corre a informarle. El niño -no esperemos reacciones racionales- le pega un empujón y la tira al suelo, ella, milagrosamente, consigue salvar el helado. Como el caballero rechaza cumplir con su destino, se dirige ella misma a ajusticiar al mago. Por su parte, el profesor de alemán contorsionista, al ver llegar a la niña, despliega todos sus encantos artísticos envolviéndolos en una misteriosa pero reconfortante sonrisa. Franzisca- Iris no se deja engañar y le pega con un palo que lleva preparado para la ocasión.

La mamá de Franzisca, que está sentada en la mesa de al lado, ha empezado a preocuparse por su nena. Hace un rato que no la ve y cuando la localiza corriendo por el parquecito del bulevar, lleva en la mano un helado que ella no le ha comprado. La mamá se disculpa con su amiga y se acerca a buscar a la pequeña. La encuentra parada delante del predicador. No se ha atrevido a decirle nada, el tipo le da miedo. Franzisca se viene abajo, al fin y al cabo sólo tiene nueve años, llora, hipa y termina por señalar con dedo acusador la mesa en la que están sentados Daniel y Gonzalo.

- Es hora de partir amigo.

Relato de Beatriz Talaván y fotografías de Rfa.

ENTREVISTA 2

2009-10-14T14:57:00.000-07:00

PEDRO GIMÉNEZ

Entre las telas blancas que suponen las paredes encaladas ibicencas, se esconde el objetivo fotográfico de este paciente observador. Su amor por la isla pitiusa evoca el juego de la luz del mediterráneo al estilo de un Mompó. Pedro Giménez nos presenta su último trabajo Tempo y una historia en fotografías de un mundo al revés, el Homenaje a Boris Vian, su particular Lobo Hombre.

- ¿Cómo te iniciaste en la fotografía?
- Empecé en esto de la fotografía a mediados de los años 70 junto con mi hermano. Me inicié en este mundo de una forma muy amateur. Mi hermano también es fotógrafo, se puede decir que es cosa de familia. De pequeños, mi padre nos compró un curso por correspondencia que hicimos mi hermano y yo juntos.
Luego tuve varios parones hasta el año 1988 aproximadamente, cuando ya empecé más en serio y comencé a hacer exposiciones. En 1982 asistí a una escuela, donde estuve aprendiendo fotografía profesional y actualmente todavía sigo formándome en diversos cursos y talleres. He hecho también prensa, algo de moda, bodegones, portadas de discos, catálogos de viaje, etc…

- He leído que guardas un amor enorme por Ibiza:
- La isla de Ibiza me encanta, allí realizo una gran cantidad de actividades con un buen grupo de personas que se han interesado por mi trabajo. Suelo ir como unas tres veces al año, allí estoy durante un tiempo en el campo. Muchas veces salgo aún de madrugada y busco sitios que me interesan para sacar una buena fotografía. En Ibiza hago un trabajo fotográfico que va más allá de esta disciplina y que yo llamo Arquitectura Rural Ibicenca. Aquí juego con la imagen, con la geometría, con el volumen, las texturas, las sombras y muchos más elementos.
Lo de Ibiza ya es una continuidad. Ahora estoy fotografiando detalles de una arquitectura con un gran trasfondo para mi. Se trata del “Espacio Micus”, su nombre procede de Eduard Micus, un pintor abstracto alemán gran amante de la isla, lamentablemente fallecido en el año 2000. El espacio ha quedado como una fundación gestionada por su hija. La morfología externa de este lugar es muy importante para mí, ya que dependiendo de la hora del día, entra una determinada luz por esas grietas. Luego yo juego con todos los elementos de los que te hablé antes y realizo mi trabajo. A veces un haz de luz se cuela por algunos espacios y se reflejan en un escalón o en una pared. Con esa luz compongo mis fotografías que luego guardan de efectos evocadores en el espectador.

- En la muestra entreFotos celebrada en Madrid has expuesto una serie llamada Tempo:
- Efectivamente, este año llevo a entreFotos un tríptico que he titulado Tempo. Se fundamenta en el tiempo que transcurre desde una imagen a la otra, como un haz de luz que va pasando. Además, también juego con la palabra Tempo por su connotación musical. La luz que incide en parte de una de mis fotografías, se desplaza en la siguiente, estableciendo un Tempo que, como digo, tiene relación con la música. Así se producen diversos efectos de luz, desplazándose estos haces a distintos lugares, a la izquierda, a la derecha, al centro, y aludiéndo también a ese transcurrir del día y de la vida.
Normalmente mis trabajos son proyectos sobre una determinada temática. Es un trabajo muy paciente, de mucha espera entre una toma fotográfica y otra.
En entreFotos hemos expuesto cuarenta artistas. Es un festival que lleva ya diez años. La filosofía de la exposición es que, durante las cuatro jornadas que dura la muestra, el fotógrafo debe estar siempre presente con su obra. De esta forma, cualquier persona que vaya a visitarla tiene al autor delante de él, y cualquier cosa que le sugiera la fotografía la puede compartir con el artista.

- Este año se cumple el 50 aniversario de la muerte de Boris Vian. ¿En eso consiste tu trabajo de Lobo Hombre?
- En entreFotos también he presentado mi particular homenaje a Boris Vian, un escritor nacido en 1920. Este autor escribió un relato llamado Lobo Hombre en el que se basaron por ejemplo los cantantes de La Unión para componer su canción Lobo Hombre en París.
A partir de unas fotos que realicé en 1984, he realizado una adaptación fotográfica de los personajes que aparecen en el cuento, siempre bajo mi interpretación personal. He realizado una caja en la que he introducido mi particular serie de fotografías con un texto introductorio. También tengo pensado vender las cajas en una galería de París. La lectura de este relato y mis visitas y fotografías de París juntas han dado como resultado este maravilloso proyecto del que me siento enormemente orgulloso. Está realizado en papel varitado. Las fotos son de 1984 pero el tiraje es actual. Los personajes del relato los puedes ver en mis fotografías, por ejemplo puedes ver a la chica de la que habla Vian, llamada Lisette Cachou, una mujer diminuta y morenita que se podrá encontrar en el interior de la caja.
Hace unos años realicé otra caja llamada ATLANTIS. El sueño hippie en Ibiza, nombre con el que se conoce a la pequeña cantera próxima a Cala d´Hort y uno de mis rincones favoritos de la isla donde muchos hippies se instalaron a mediados de los años 60. Su contenido comprendía cinco fotografías originales mías, el volumen once del disco de Café del Mar y un texto sobre el lugar escrito por Eduardo Bravo.

- Por último, ¿cómo haces tus fotos, en analógico o digital?
- Mi trabajo lo realizo todo en analógico, sigo con las películas de siempre. En principio seguiré trabajando en analógico, aunque a veces da más problemas, tanto para positivar como para comprar película. Normalmente cuando viajo siempre me compro la película aquí en Madrid y voy con la película.

Entrevista de Luis Cáceres.

ILUSTRACIÓN

2009-10-14T14:49:00.000-07:00

ILUSTRACIÓN DE KIKO PÉREZ

http://blogs.antena3.com/borregos

PORTADA JUNIO

2009-06-15T08:36:00.000-07:00

PHOTOESPAÑA´09

2009-06-14T13:14:00.000-07:00

FOTOGRAFÍAS DE LO COTIDIANO

La fotografía, quizá por ser un arte más tardío, ha encontrado su lugar en el mundo artístico más tarde. Por no hablar de España, donde siempre se ha ido a remolque en esta cuestión. Por ello el papel de los festivales es fundamental, ya que dan a conocer de forma más amplia este arte. Era necesaria la presencia de una muestra puntera en España, que contara con los artistas más importantes del momento y que apostara por nuevas figuras. Como resultado, PHotoEspaña surgió en el año 1998. El sueño de sus creadores se ha cumplido, ya que mediante la sincronización de sus colaboradores han conseguido crear un festival universal y rico. Es preciso señalar que la ayuda de empresas, fundaciones e instituciones públicas y privadas, ha sido imprescindible para que PHotoEspaña llegara al éxito.

En esta nueva edición se ha creado PHotoEspaña Internacional, gracias a lo que se organizan actividades fuera de España y así se pueden reforzar relaciones entre países, tanto institucionales como profesionales, por no hablar de la mayor difusión de la fotografía española en el extranjero. Por un lado, México y Perú acogen la sección Descubrimientos PHE, y por otro, en Lisboa se desarrollan dos exposiciones de fotógrafos españoles. Ya dentro de nuestras fronteras, en Cuenca podemos encontrar Openphoto, donde se proyectan propuestas culturales de otros países. Pero siempre con el afán de llegar a más público y también de afianzar a los antiguos visitantes, los creadores de PHotoEspaña se han preocupado por crear un programa educativo para colegios e institutos, visitas guiadas, talleres de fotografia o PHotoEspaña en la calle, dando así la oportunidad de participar en el festival a ciudadanos de a pie. En Encuentros PHE se debate sobre fotografía, haciéndose hincapié en la relación entre literatura y fotografía. Además hay visionados de los nuevos artistas en Descubrimientos PHE. Todas estas actividades son las que rodean y refuerzan la actividad primordial de PHotoEspaña que es la fotografía y su exposición en un total de 74 exposiciones repartidas en 64 sedes.

PHotoEspaña 2009 lleva como título Sentidos de lo cotidiano, idea sobre la que giran todas las exposiciones. Los protagonistas de PHotoEspaña 2009 son fotógrafos que se caracterizan por su unión a lo habitual, a lo que nos sucede todos los días y con lo que los espectadores podemos sentirnos identificados. Los impulsores de PHotoEspaña 2009 pretenden hacer una reflexión sobre las tendencias en las artes visuales del pasado, comparándolas con las del presente. De esta manera, el espectador puede discernir cuáles han sido los cambios transcurridos con el paso del tiempo. El análisis de lo cotidiano es algo frecuente en las artes visuales actuales y llega incluso a los medios de comunicación de masas como la televisión o internet. Es el apego a lo trivial. El comisario de PHotoEspaña, Sergio Mah, señala un aspecto muy interesante, y es que en un mundo como en el que vivimos, donde la globalización y los mass media están a la orden del día, los artistas y fotógrafos prefieren lenguajes sencillos y directos para mostrar la realidad. Sergio Mah denomina a este fenómeno como back to the basics. Los artistas reunidos en PHotoEspaña 2009 se caracterizan por su creencia en la fotografía como arte que refleja las diferentes realidades de la sociedad actual, siempre desde un punto de vista comprometido.

Carolina Cadenas y María Condado

ESPACIOS PHE

2009-06-13T13:30:00.000-07:00

BACK TO THE BASICS

La fotografía, al igual que el resto de artes plásticas y visuales, ha sabido aunar a su función puramente artística, la documental. Cuando tomamos esta particularidad junto con una percepción diferente y única del mundo corriente que nos rodea, de lo cotidiano, se establece un vínculo entre lo real /irreal basado en algo tan subjetivo como es la mirada propia e intrínseca particular, en donde lo representado puede no tener doblez alguna o ser un cúmulo de dobles sentidos. Eso es la realidad y es lo que se presenta en Años 70. Fotografía y vida cotidiana, retrospectiva fotográfica perteneciente a la duodécima edición de Photoespaña, que toma como escenario el Teatro y Centro de Arte Fernán Gómez, en la que se ofrece la visión de una década, siempre recordada por ser la época del despertar sexual y de la liberación con respecto a diferentes tabúes, a través de los ojos de 23 artistas de los cinco continentes, en donde esa diversidad de visiones permite al espectador hacerse una idea de cuáles eran las costumbres y la sociedad de ese momento.

En un primer momento se puede creer que nos enfrentaremos ante una simple sucesión de piezas fotográficas, sin embargo, una vez que nos adentramos en ella, comprobamos que la disposición de las mismas no es así. En la exposición se presentan diferentes modos de “ofrecer la mercancía”, combinando las láminas fotográficas características, de distintos tamaños, con diapositivas o con la técnica del collage. En su mayoría, la representación de cada artista viene presentada en forma de serie y bajo el uso de un recurso básico, pero efectivo: la fotografía en blanco y negro.

Cada artista da a su obra un sentido único y particular, encontrándonos con diferentes ámbitos y propuestas. Una forma de vertebrar el conjunto de la exposición sería mediante temáticas, que aunque no siguen el orden expuesto ayudan a que el espectador entienda de mejor forma el conjunto. En este sentido tenemos cuatro pilares sobre los que se construye la exposición. En primer lugar, obviamente, se encuentra el tratamiento que del ambiente que rodea al ser humano, en este caso al fotógrafo, se da mediante la imagen, en donde esta percepción puede basarse en el propio entorno (García-Alix), en la otra realidad presente (Anders Petersen) o en la simple recreación de la vida personal mediante imágenes típicas familiares (Christian Boltanski) o, dentro de esta corriente, la perspicacia de mostrar lo “olvidado” de nuestro día a día, como las transiciones (Fina Miralles) o el sueño (Sophie Calle).Junto a esta visión se encuentra también la función de la fotografía como documento visual, histórico y/o crítico, en donde tienen cabida el carácter antropológico del ser humano, el uso de la cámara como arma de defensa (Laurie Andersen) o como simple espejo reflector, tanto de una situación política (David Goldblatt) como de denuncia social (Kohey Yoshiyuki). El individuo va cobrando, poco a poco, cada vez más importancia como ser independiente con sus propias ideas, visible en la exposición, donde hay muestras del nuevo papel de la mujer (Cindy Sherman), del culto al cuerpo (Ed van der Elsken), de las múltiples personalidades del individuo (Carlos Pazos) y del mundo publicitario (Karen Knorr). En relación con ello, cabría destacar en último lugar el papel activo del propio fotógrafo, visible de forma clara en sus planteamientos, como crítico de ciertas actividades (las condiciones de los obreros por Allan Sekula), como simple voyeur o como intercesor intencionado del producto final (Claudia Andujar).

Aparte, encontramos las interesantes propuestas africanas, de la mano de Halick Sindibé y J.D. ‘Okhai Ojeikere, en donde se comprueba la diferencia de medios que se da entre el primer y el tercer mundo, ya que mientras que el resto de fotógrafos utilizan potentes cámaras, incluso con complejos montajes expositivos, estos fotógrafos se sirven de medios más sencillos: por un lado, Halick Sindibé muestra un relato social de Mali sirviéndose de fiestas que muestran el modo de vida de los jóvenes de clase media de la ciudad, cuyas pequeñas fotografías están pegadas de forma bastante precaria en cartones a modo de carpeta, mientras que por otra parte J. D. ‘Okhai Ojeikere presenta distintos peinados nigerianos, señalando su importancia dentro de las etnias y la sociedad.

Carolina Cadenas y María Condado

GALERÍAS PHE

2009-06-12T13:36:00.000-07:00

GALERÍA MARTA CERVERA

Jenny Holzer

Desde mediados de los años 70 hasta hoy, Jenny Holzer ha consolidado la fama de su carrera artística con una obra que toma como soporte el lenguaje. Sus mensajes -PROTECT ME FROM WHAT I WANT- se cuelan en nuestras revistas, programas de televisión, carteles publicitarios, edificios emblemáticos, camiones de la basura… Insertadas en nuestros espacios comunes -I FEEL YOU- son frases breves, precisas a la vez que ambiguas, que asaltan nuestros momentos cotidianos hasta hacer que nos preguntemos: ¿quién lo dice? y ¿a quién? Estampados en camisetas o escritos en neón, Holzer, tras un inquietante anonimato, evidencia aquellos prejuicios y contradicciones que rondan nuestras mentes mientras estamos, por ejemplo, esperando el autobús. Las fotografías de estos mensajes –ABUSE OF POWER COMES AS NO SURPRISE- son el mejor documento de cómo las imágenes pueden significar un discurso, a la vez que las palabras pueden convertirse en imágenes.

Hasta el 18 de Julio.

GALERÍA ASTARTÉ

Gilbert Garcin

Nacido en 1929, Gilbert Garcin no llegó a la fotografía hasta los 65 años de edad, por lo que podemos hablar de él como si se tratase de un joven artista. Circunstancias de la vida, desde entonces, su mundo cambia por completo, creando un universo paralelo para sus fotografías en el que habita un personaje enigmático pero divertido, sencillo y cotidiano. Tan cotidiano que posee siempre el propio rostro del artista, y tan misterioso que el tiempo nunca pasa por él (su cara tiene siempre la misma edad, 66 años). La galería Astarté nos muestra estos días en sus salas ese universo inquietante a la vez que ingenuo, donde el collage fotográfico deja intuir la mano del artista de forma premeditada. Max Ernst introducía la fotografía en sus collages para proporcionarles una ambigua apariencia de realidad. Garcin procede al contrario, incorporando el collage a la fotografía con la intención de enriquecer esa apariencia real con un toque onírico y abierto a diversas interpretaciones.

Hasta el 24 de Julio.

GALERÍA DOLORES DE SIERRA

Hong Hao / My Things

La serie My Things sitúa al espectador frente a frente con esa enajenación que nos invade y nos hace acumular objetos que no necesitamos. Hong Hao (Beijing 1965) es un conocido fotógrafo chino con una obra diversa y crítica, interesada siempre por la experimentación con el medio. Ha dedicado años de su vida a escanear con el ordenador cosas, sus cosas. Pasaportes, cds, planchas, enchufes… todo aquello que acumula en su vida diaria. Luego los une y ordena, creando imágenes-puzzle llenas no sólo de formas y colores sino también de ironía y sarcasmo. Estas bellas composiciones conformadas por decenas, cientos de elementos, intentan poner orden en una sociedad de consumo que parece haber perdido el norte. Georges Bataille pensaba que una cultura siempre produce más de lo que necesita, situación que cada vez se hace más evidente en nuestra sociedad contemporánea, que concede mayor rango a aquel que adquiere y acumula, e impone como criterio base la productividad.

Hasta el 25 de Julio.

GALERÍA MARITA SEGOVIA

Matías Costa / Fragmentos de un decorado

Sin acción, sin discurso. Sólo por el placer de mirar y contemplar, debemos acercarnos a los paisajes que constituyen Fragmentos de un decorado, un trabajo que Matías Costa, miembro fundador del colectivo NOPHOTO, ha ido realizando durante estos últimos cinco años. Según dice él mismo: “Lo íntimo tiene que ver con los límites y con el tiempo, o más bien el tempo de las cosas, su ritmo. No existe intimidad en la urgencia”. Así, sentimos en estas fotografías la calma y sosiego del dejar pasar las cosas, aproximándonos a una intimidad a la que este artista, periodista y fotógrafo colaborador habitual de The New York Times, no nos tenía acostumbrados. Los viajes, tan estrechamente ligados desde siempre al género fotográfico, sirven a Costa para retener aquellos instantes que nunca podrán repetirse de la misma manera, constituyendo así con cada imagen “fragmentos de un decorado que se borra, deshabitado de acontecimientos”.

Hasta el 31 de Julio.

Críticas de Jennifer Calles.

GALERÍAS

2009-06-11T09:04:00.000-07:00

MADRID / GALERÍA ARNES & RÖPKE

Sigmar Polke:

"Entre lo solemne y lo irónico"

Les propongo una cosa: imaginen por un momento esa obra maestra de Caravaggio, la naturaleza muerta que supone su Cesta de fruta. Ahora quítenle cada uno de los elementos que contiene. Primero las hojas, después las manzanas, el limón y todos los elementos naturales que quedan. Cambien aquellos objetos por otros que nos sean cotidianos en nuestra vida contemporánea, por ejemplo en una oficina. Situemos un vaso con agua, unas tijeras y cambiemos las escenografías, una barroca por otra del siglo XXI. Si elevamos todo, hasta casi tocar el cielo, obtenemos una fotografía de Sigmar Polke. La ingravidez que caracteriza a sus elementos cotidianos, trata de evocarnos eso que el pintor italiano Caravaggio, anhelaba hacer con los géneros menores de la pintura. Las naturalezas muertas que hasta entonces eran vistas como vulgares, debían empezar a tomar la importancia que merecen en la historia de la pintura. Este proceso se desarrolló de la misma forma en la fotografía. Sigmar Polke trata de catapultar sus objetos hasta convertirlos en cosas extraordinarias. Un aura mística aparece en sus instantes congelados, otorgando a los elementos cotidianos todos los matices que nos pasan inadvertidos durante la fluidez normal del tiempo. Los objetos vulgares se convierten así en objetos artísticos y pasan de una esfera íntima a otra universal y pública. Una cierta desestabilización a la hora de captar sus imágenes, provocada por ligeros movimientos al disparar la cámara, aportan matices borrosos que acentúan el carácter “movedizo” de nuestra memoria. ¿Es verdad que ví un pepino en mitad de una de sus fotografías?, ¿forma parte todo ésto de un carácter con una racionalidad profunda o es un simple juego de ironía?

Hasta el 31 de Julio.

Crítica de Luis Cáceres

LONDRES / MICHAEL HOPPEN GALLERY

Ofer Wolberger:

"(life with) Maggie"

Al entrar por la puerta de la Michael Hoppen Gallery, situada relativamente cerca de la estación Victoria de Londres, un pasillo cuyas paredes están llenas de recortes de periódicos nos da la
bienvenida. El visitante no sabe muy bien si se ha equivocado de edificio y sólo unos carteles le indican el camino hacia la planta superior. Desconcertado e inseguro, sube las escaleras hasta una sala. Es ahí donde nos espera ellaU una mujer enmascarada sin apellido, sin edad, sin biografía. Solo conocemos su nombre: señoras y señores, esta es Maggie. Ella es la protagonista de las fotografías que decoran las paredes blancas, pero es una protagonista que parece no tener historia. No hay ningún dato que nos ayude a saber quién es y qué hace en esos lugares donde está retratada. Ni siquiera sabemos si está contenta o triste porque la máscara que le oculta el rostro nos impide saber más. Entonces, unas preguntas aparecen en el aire: ¿para qué lleva la máscara? ¿qué quiere ocultar detrás de ella? Quizás el visitante se equivoca al preguntarse estas cosas: a lo mejor detrás de la máscara no se oculta nadaU.puede que Maggie no lleve máscara, sino que ella sea la máscara. Puede ser un personaje sacado de algún collage del pasado que ha querido visitar el mundo real. Ha saltado de su mundo para convertirse en una turista del nuestro. De ahí que viaje por distintos lugares en los que la cámara del fotógrafo Ofer Wolberger la retrata posando delante de objetos y paisajes. Sólo visitando distintos lugares, Maggie conseguirá encontrar algún sitio donde encajar. Solo encajando y sintiéndose parte de un lugar podrá construir su propia identidad, una identidad que sea real. De esta forma, el personaje ficticio creado por Wolberger ya no será ficticio, sino tan real como cualquiera de nosotros. Maggie se ha cansado de ser el rostro de una muñeca de porcelana, se ha cansado de ser un personaje alienado movido por un titiritero. Quiere ser ella la que decida. Pero para eso necesita primero reescribir su propia historia, llenar su álbum de fotos.

Hasta el 25 de Julio

Crítica de Naiara Valdano

EXPOSICIONES PHE 1

2009-06-08T08:24:00.000-07:00

¿Demi Moore o Susang Sontag?

Annie Leibovitz y la cotidianedad de su obra

Actores y actrices miran fijamente a una cámara para quedar atrapados en sus instantáneas; grandes mandatarios posan para su famoso objetivo; fotografías conocidas en prácticamente todo el mundo. Y sin embargo lo cotidiano, lo diario, lo privado no desaparecen nunca de nuestras vidas.

Annie Leibovitz, una de las más reconocidas fotógrafas a nivel mundial, consigue encontrar un perfecto equilibrio en su obra entre trabajo y vida personal, Hollywood y su familia, grandes personajes y sus amigos más íntimos. La fotógrafa aterriza en Madrid en el marco de PhotoEspaña con una exposición organizada por el Museo de Brooklyn y que ya ha recorrido diversas ciudades. “Annie Leibovitz. Vida de un fotógrafo: 1990-2005” es una muestra gracias a la cual podemos conocer gran parte del trabajo de esta fotógrafa cuyas imágenes tantas veces hemos visto, aunque no siempre supiésemos quién las firmaba.

Este año PhotoEspaña pone el ojo en lo cotidiano, es decir, todo aquello con lo que estamos tan familiarizados, que a veces ni siquiera le prestamos atención. Es un concepto muy amplio pero esencial para entender la vida que vivimos y todo lo que nos rodea: si cualquiera de nosotros cogiéramos uno de los álbumes familiares que tenemos en casa, comprobaríamos que la fotografía es un puro documento de ese viaje que hicimos hace años, de la boda de nuestro padres, o de la manifestación a la que asistimos para pedir el final de la Guerra de Irak. De la misma manera, las instantáneas de Dorothea Lange documentaron a la perfección los años de la Gran Depresión, y los años setenta quedaron inmortalizados en los objetivos de numerosos fotógrafos de la época.

El trabajo de Annie Leibovitz es quizás algo diferente a los casos anteriormente comentados: sus instantáneas pueden no verse como estrictos documentos de una época, pero con la exposición retrospectiva que se le dedica desde el 18 de junio al 6 de septiembre en Alcalá 31, queda patente que los ámbitos privados y públicos en su obra se funden continuamente.

Leibovitz nació en 1947 en el estado de Connecticut. Después de vivir durante un año en Israel, comenzó su carrera fotográfica como freelance en la revista Rolling Stone, publicación en la que pronto ascendió a editora jefe, y en la que llevó a cabo algunas de sus fotografías más conocidas como es, por ejemplo, la de John Lennon desnudo y abrazado a Yoko Ono. Posteriormente comenzó a trabajar para revistas tan importantes como Vanity Fair, Vogue o Allure; es el momento en el que su carrera comienza a ser reconocida en todo el mundo.

Cada uno de los disparos que Leibovitz efectúa tienen un estilo propio que solamente la fotógrafa posee: muchas de las fotografías son impactantes, y siempre llaman la atención por algún detalle, ya sea el color usado, las poses de los retratados o la luz utilizada. Sin embargo, en todas suele haber un denominador común: la cotidianidad de las imágenes. Si dejamos de lado toda esa parte técnica que caracteriza la obra de un buen fotógrafo, y observamos cualquiera de las fotografías de grandes actores, actrices o políticos, nuestra impresión es que estamos ante una instantánea que perfectamente hubiese podido tomar alguno de nosotros con su propia cámara. De hecho, sin contar con que la mayoría de los protagonistas son personajes tan conocidos cono Demi Moore, Tom Cruise, Nicole Kidman, Patty Smith o la reina de Inglaterra, las imágenes tomadas por Leibovitz poco difieren de las que podría tomarse de cualquier madre encinta, o cualquier familia feliz con su primer hijo.

El equilibrio del que hablaba anteriormente entre su trabajo y su vida personal, queda también patente en los fotogramas con los que Leibovitz nos presenta a gran parte de su familia, desde sus recién nacidos hijos hasta su moribundo padre en el lecho de muerte. Son todas imágenes de gran potencia visual, que consiguen de esta manera transmitir una cercanía y una familiaridad que permite al espectador una mejor apreciación de las mismas. Resultan conmovedoras las fotografías que Leibovitz tomó de su pareja Susan Sontag antes de morir de cáncer en 2004: son imágenes que destilan una gran naturalidad a la vez que demuestran el cariño mutuo de las dos mujeres y el amor que se tenían.

La figura de Sontag en la vida y obra de la fotógrafa americana fue muy importante ya que dio un giro a su trabajo: en 1993 Leibovitz viajó a Sarajevo durante la Guerra de los Balcanes, un viaje que siempre admitió nunca hubiera realizado si no hubiese sido por la opinión de Sontag; allí realizó un trabajo fotográfico que documentaba la vida de la población durante la Guerra, imágenes de gran atracción visual y una cierta cotidianidad que documentan un hecho histórico reciente.

Algo parecido sucedió cuando en 1999, fotógrafa y crítico decidieron crear un libro en honor a las mujeres y a todos los trabajos que desempeñan en la sociedad. De ello nació Womens, un libro con textos de Susan Sontag e imágenes de Leibovitz en las que se juntaban desde fotografías de “mujeres reales” trabajando como mineros, barrenderas soldados, coristas o costureras, hasta instantáneas de “mujeres famosas” como Hillary Clinton o la misma Sontag.

Lo diario; lo cotidiano; lo habitual. ¿Cuántas veces perdemos esos momentos que dan sentido a nuestra vida simplemente porque forman parte de nuestra rutina diaria? La obra de Leibovitz nos permite observar momentos supuestamente privados (o que para nosotros lo serían) de personajes públicos muy conocidos, pero así mismo, también nos permite observar esos momentos de su vida en los que ella abandona su trabajo para vivir como haría cualquiera de nosotros. Eso es lo que hace que su obra sea uno de los trabajos más importantes en el campo de la historia de la fotografía.

La idea de esta exposición que ahora podemos disfrutar surgió mientras Leibovitz daba forma a un libro con el trabajo que había desarrollado en los últimos quince años; es en ese momento cuando la fotógrafa dice haberse dado cuenta de que, a pesar de las diferencias que existen, sus fotografías públicas y privadas tienen un origen común, un punto en el que ambas tipologías se encuentran y se cruzan: lo cotidiano. Leibovitz afirmaba: "No tengo dos vidas. Esto es sólo una vida y tanto mis fotos personales como los encargos son parte de ella”.

Umberto Castillo

EXPOSICIONES PHE 2

2009-06-07T08:16:00.000-07:00

UGO MULAS

Más allá de la fotografía

La Fundación BBVA ha sido la encargada de albergar la primera exposición en España dedicada Ugo Mulas. En el marco de la duodécima edición de PhotoEspaña, dedicada a la imagen de lo cotidiano, encontramos el trabajo de este fotógrafo italiano, cuyas estampas en muchas ocasiones, poco tienen que ver con el tema que sirve de eje a la muestra.

Ugo Mulas nació en Pozzolengo en 1928, muy alejado del mundo de la vanguardia italiana. Esta situación cambió en 1948 cuando se estableció en Milán para estudiar derecho. Pronto empezó a frecuentar los lugares de reunión de los artistas y finalmente cambió las leyes por la fotografía, con la que aprendió a trabajar de forma autodidacta. Su carrera comprende tan sólo dos décadas, ya que falleció prematuramente en 1973, a los cuarenta y cinco años de edad. Es importante destacar lo polifacético de este fotógrafo, quien se deslizó acertadamente por muy diversos ámbitos: lo social, la moda, la publicidad, el retrato…

En esta muestra podemos disfrutar de un centenar de imágenes realizadas en blanco y negro, que abarcan toda la trayectoria del artista, por lo que se puede hablar de una auténtica retrospectiva. La exposición está dividida en diferentes partes, que revelan la evolución del artista y los cambios que se fueron produciendo en su fotografía.

El recorrido comienza en un primer espacio dedicado al “Bar Jamaica”, cenáculo de intelectuales, en el que las imágenes de Mulas se caracterizan por un aire neorrealista, con el que también capta el desarrollo de la ciudad italiana, en la que residía en esos años cincuenta, “Milano”.

A continuación aparecen las imágenes más famosas del fotógrafo italiano, en las que retrata a los grandes artistas del momento. En ocasiones presenta a los “genios” inmersos en pleno proceso creativo. Este aspecto produce que, en muchos casos, las obras cobren mayor vida y significado gracias a la atención que Mulas presta a estos momentos: un caso paradigmático son los lienzos rasgados de Lucio Fontana.

A mediados de los años sesenta, Ugo Mulas se trasladó al Nueva York del arte pop, donde se convirtió en un integrante más de la Factory de Andy Warhol, aunque fue Marcel Duchamp quien le ayudó a conocer el verdadero sabor de la Gran Manzana. El fotógrafo recorrió la ciudad de los rascacielos, interesándose por la arquitectura, los estudios de artistas como Jasper Jones o Robert Rauschenberg…

La moda (únicas imágenes en color que están expuestas) y los paisajes urbanos, memorables gracias a la escenografía de la ópera Wozzeck de Alban Berg en la versión dirigida por Virginio Puecher, demuestran la amplitud de intereses del italiano. Mulas era un auténtico intelectual, algo que queda subrayado en el espacio en el que finaliza la muestra “Le Verifiche”, última serie en la que trabajo el artista, donde buscó demostrar las posibilidades conceptuales de la fotografía.

Ugo Mulas es considerado como uno de los renovadores del lenguaje fotográfico italiano. Para él la fotografía era instrumento e idioma, un idioma que no es necesario aprender, ya que simplemente se vive a través de sus imágenes.

Mª Carmen Flores

OTROS OBJETIVOS 1

2009-06-06T08:11:00.000-07:00

DETRÁS DEL CRISTAL / ELISA GONZÁLEZ MIRALLES

Con este sugerente título presenta Elisa Gónzalez Miralles [Madrid, 1978] su último trabajo fotográfico en la Galería Tolmo de Toledo.

Detrás del cristal es ciertamente sólido, sereno y evocador. Para los amantes de las clasificaciones, estas nuevas imágenes podrían considerarse cercanas al campo de la abstracción, lo que resulta novedoso y positivo, pues hemos de tener en cuenta que los éxitos profesionales que avalan a esta joven artista han sido otorgados por trabajos cercanos al ámbito del reportaje, como el premio FotoPress concedido en 2007 por su trabajo en torno al Alzheimer.

¿Realmente es incompatible ser reportero y artista? ¿La preocupación social, está reñida con la introspección? ¿No somos seres poliédricos, repletos de intereses diversos? ¿No se trata de saber mirar, independientemente de que la mirada se dirija hacia el exterior o hacia el interior?

Sin duda, un fotógrafo aglutina sensibilidad, reflexión, trabajo y la capacidad de saber contemplar la vida con una mirada propia. La dirección a la que conduzca sus intereses en un momento determinado no debería ser causa de conflicto. Quien sepa mirar la vida, distinguir sus múltiples facetas y ofrecerlas a través de un lenguaje propio, es digno de ser considerado, no etiquetado.

Si bien en otros trabajos la artista propone una mirada hacia problemas que están en nuestra sociedad, como el Alzheirmer o la Inmigración, frente a los que resulta imposible salir insensibilizado, adentrarnos en Detrás del cristal, es sumergirnos en un profundo viaje interior, ante el que resulta igual de complicado no sentirse identificado.

¿Quién no ha viajado de noche, de día, con lluvia, en primavera… practicando el sencillo ejercicio de mirar tras el cristal, concediendo a la propia mente el privilegio de descansar, volar, fluir libremente?…

¿No es en esos momentos de auténtico bienestar, en esos espacios de libertad y relajación, donde más profundamente se llega a un tipo de reflexión entorno a uno mismo? ¿No es ante este tipo de “meditación cotidiana” donde se hallan pistas claves sobre la propia vida?

Mientras todo nuestro ser [mente y cuerpo], practica el ejercicio de dejarse llevar sin más, miles de paisajes huyen fugaces ante nuestra retina. Elisa opta por capturar su huida. Fija esos momentos perennes. Inmortaliza sus propios sentimientos y reflexiona sobre ellos. Al ofrecérnoslos, deja la puerta abierta a que los hagamos nuestros dando opción a que cada cual descubra sus propias claves.

Esta retroalimentación es verdaderamente apasionante. Lo enriquecedor del arte no reside en dar respuestas cerradas, unívocas o limitadas, sino en generar reflexión y propiciar la necesidad de que el otro, el observador, formule sus propias preguntas. Y esto es sin duda lo que consigue Elisa: disponernos para nuestro propio viaje.

Os recomiendo realizarlo… y permitir que todo fluya.

Olga Simón

OTROS OBJETIVOS 2

2009-06-05T08:01:00.000-07:00

FOTOS DE MÉXICO POR RFA

Cuando decidimos que íbamos a hacer un Trazos especial de fotografía, uno de nuestros colaboradores nos propuso colgar sus propias imágenes. Rfa está a puntito de terminar Historia del Arte, pero de vez en cuando hace exposiciones y nos consta que el asunto le ilusiona lo suficiente como para cederle dos hojas y que se presente él mismo. Las fotos que acompañan al texto son de Semana Santa en México. Rfa nos ha prometido que nunca antes se las había enseñado a nadie, por lo que esto es un estreno en toda regla. ¡A ver si os gustan!

Entonces… ¿soy un fotógrafo? No. No hago fotos de mis amigos, ni de manzanas, ni de lo que se ve por mi ventana. Nunca he disparado a una mujer desnuda. En mi fotolog apenas hay doce imágenes de Madrid, la ciudad donde vivo, sólo de otras ciudades.

Entonces… ¿soy un turista? Sí, eso sí. Soy un turista que hace fotos en blanco y negro. Un turista agazapado detrás de una cámara grande y aparatosa, que aprovecha los billetes baratos para irse a sitios raros a retratar a gente en la calle. Sólo gente. Me interesan los estereotipos que nunca encontraré en la Gran Vía. Viajo, los busco, los acorralo contra la pared y les hago fotos frías. Y cuando tengo la tarjeta de memoria llena, regreso a casa.

Además de los tópicos, me obsesionan los rituales, las máscaras y la muerte. Por eso escogí México. Y por eso he escogido estas tres imágenes.

La foto de la señora está hecha en Puebla, una ciudad de azulejos donde hay una iglesia para cada día del año. El Jueves Santo salen trescientas sesenta y cinco procesiones. Son procesiones sencillas, de mujeres enlutadas y niños huérfanos llenos de cicatrices. Los niños llevan coronas de espinas con la solemnidad del que sólo se siente importante un día en toda su vida. Las mujeres caminan en un bloque compacto de velos negros y plegarias.

Vampiro Metálico Jr. es el luchador. Me firmó un autógrafo, pero no debe de ser muy importante porque si lo buscas en Google sólo te salen 515 resultados. La foto me gusta por dos cosas: porque va enmascarado y eso le acerca más al estereotipo, y porque está vestido de uniforme y eso le acerca más al ritual.

La tercera foto es de un niño que practica el culto a la Santa Muerte. Este culto herético heterodoxo pone los pelos de punta a los curas, pero levanta pasiones entre los narcos, los ladrones y la gente pobre. Lo que más gracia me hace es que lleve una camiseta de Guns ‘n Roses.

Entonces... ¿esto es México? Sí. Esto, y mucho más.

Rfa.

ENSAYO

2009-06-04T07:57:00.000-07:00

LOS ORÍGENES DE LA FOTOGRAFÍA EN ESPAÑA

Para aproximarse a la Historia de la Fotografía en España es necesario, en primer lugar, subrayar la diferencia entre la historia de la técnica y los materiales fotográficos y la historia del arte fotográfico propiamente dicho. La fotografía surge y se desarrolla gracias al avance de la química y la óptica, la evolución de las técnicas de estampación, el descubrimiento del material fotosensible y la invención de la cámara. Primero surge la fotografía con un interés documental para, poco tiempo después, desarrollarse las primeras tendencias artísticas.

El daguerrotipo fue presentado en España por Pedro Felipe Montau en la Academia de Ciencias y Artes de Barcelona. Fue, sin embargo, Ramón Alabern quien realizó el primero en Barcelona en 1839 en paralelo al trabajo que los extranjeros comenzaban a desarrollar una vez establecidos en España. Algunos de los ejemplos más célebres fueron el de Jean Laurent, que recorrió la Península de norte a sur captando escenas de enorme valor documental para la historia de España o el de William Stirling, ayudante de Fox Talbot- conocido por inventar el calotipo o negativo sobre papel- que tomó una serie de vistas de España publicadas en 1847. La utilización del calotipo supuso la introducción de los primeros gabinetes fotográficos en Valencia, como el de Pascual Pérez Rodríguez. Con el auge de la técnica fotográfica surge el gusto por el retrato y, como consecuencia, los estudios socioeconómicos de la España del siglo XIX. También la prensa comienza a emplear el nuevo recurso y se genera la primera ley de propiedad intelectual que tuvo escasa aplicación práctica.

En el año 1886 se empezó a editar en Barcelona la revista Fotografía, destinada a divulgar los avances en la materia, a la que le siguieron otras tantas publicaciones de idéntica naturaleza. En lo que respecta a los libros, uno de los que cosechó mayores éxitos fue el titulado Tratado práctico de fotografía de Francisco Jordi.

A finales del siglo XIX los intelectuales comenzaron a emplear la fotografía como apoyo a sus conferencias, discursos y lecciones. En el año 1899 se creó la Sociedad Fotográfica de Madrid, en la que se organizaban concursos con un enorme valor documental. En la transición del siglo XIX al XX, se produjo la escisión definitiva entre fotografía de prensa y fotografía de estudio. Ligados a la prensa, surgen los primeros reporteros gráficos, como Goñi o Durán. En relación a los estudios, se elaboraron las famosas carte de visite. Uno de los primeros estudios de fotografía abiertos al público en Madrid estuvo ubicado en la calle del Príncipe.

Ya en el siglo XX la revista Blanco y Negro publica la primera fotografía en color y desde este mismo año se convierte en obligatoria la identificación de las obras con el nombre de su autor. Con el avance de la técnica y los materiales empleados, los artistas plásticos no tardaron en sentirse atraídos por la fotografía, es lo que se ha denominado Pictorialismo. Surge entonces el fotomontaje aplicado tanto a la publicidad como a la expresión artística. En esta disciplina destacaron Sala, Pic y Masana entre otros.

Ni qué decir tiene que la fotografía jugaría un papel fundamental con un insustituible valor documental, en los conflictos bélicos y políticos que asediaron España durante la primera mitad del siglo XX. En la actualidad, la Biblioteca Nacional de España -www.bne.es- es una de las instituciones que custodia estos documentos, testigos mudos de la Historia de España.

Rita Sánchez Aragó

RELATOFOTOGRÁFICO

2009-06-03T07:44:00.000-07:00

TIENE UNA SOMBRA EL TIPO

Soy un hombre ordenado, previsor. No soporto el caos ni el desorden. Vivo solo desde hace años; nunca encontré a la mujer ideal y no me esfuerzo en buscarla. Antes ellas entraban y salían de mi vida, pero descubrí que desordenaban mi rutina, robaban mi tiempo y me exigían una dedicación que no estaba dispuesto a darles. Lo mismo me sucede con el resto de las personas, la mayoría son útiles durante una temporada, pero en seguida se convierten en inconvenientes. La amistad, el amor, todas esas formas de dependencia que los seres humanos hemos creado, me parecen un lastre.

Quizás alguno podría pensar que mi trabajo es mi pasión, no es cierto. No me disgusta mi profesión y soy eficaz. Nunca tuve un jefe que no estuviera contento conmigo, pero no soy un hombre de grandes pasiones. Mi éxito relativo me permite no pensar en el dinero como una carga y mi tiempo libre lo dedico a mantenerme en forma. Opino que el cuerpo es el reflejo del alma, de modo que el mío ha de estar en las mismas condiciones que mi mente, ha de ser lúcido y ordenado. Invierto mucho tiempo en mi aspecto y me asquea la gente que no lo hace. Nunca comprenderé el abandono al que se someten algunos, ¿cómo puede una persona comer hasta convertirse en un ser orondo y repugnante; salir a la calle con la ropa sucia o rota; dejar de afeitarse o perder las formas llorando a gritos en público? No lo entiendo.

Mi casa es mi templo, en ella me refugio del caos de la humanidad, de los gritos de los otros, de sus frustraciones, de su prisa, de sus pasiones y de su inoperancia. Mi casa es un lugar de espacios amplios, se encuentra en el piso dieciséis de un edificio nuevo de una gran ciudad. El salón es la habitación más grande y dónde más tiempo paso, dos de sus paredes son ventanales descubiertos; el edificio es alto y no hay necesidad de cortinas. Mi casa es hermética y silenciosa, confortable, mía. Me gusta observar a través de los cristales el correr de los otros; intuir su ruido sin oírlo; adivinar sus pasiones. Aquí arriba todo tiene su lugar, incluso yo, pero que nadie se equivoque pensando que mi casa no es bella, lo es. Disfruto del placer estético que brindan el arte y las cosas hermosas, pero no de aquellas cuyo comportamiento pueda resultar impredecible o frustrante, léase aquí “seres vivos”, animales, plantas u otras personas. No suelo invitar a nadie a mi casa.

He intentado aclarar rápidamente lo que soy, o lo que era, para que aquel que lea esto entienda el desconcierto con el que en este momento escribo. En el bote de los lápices acaba de crecer una cala blanca, pura y hermosa, si me hablara o me enamorara de ella pensando que es única, hoy, tendría que aceptarlo.

Debo decir que hasta esta misma mañana yo no había producido ni una sola línea que pudiera definirse como creación, hoy siento un impulso que me obliga a hacerlo, que me obliga a ignorar lo que sucede a mi alrededor y me mantiene sujeto a esta mesa y a esta idea de explicarme. No me he duchado, no me he vestido… da igual.

Empezó hace poco más de un par de meses… Algo se ha ido apoderando de mi espacio y ya me tiene a mí también. La primera vez no le di la importancia que merecía, ¿cómo iba yo a saber?: había terminado de comer y al ir a recoger la mesa me pareció que la cuchara proyectaba una sombra que no era la suya. Al pestañear la visión había desaparecido. Creí haberlo olvidado, pero esas sombras extrañas han seguido repitiéndose en mis sueños e intranquilizando mis días: mesas que proyectan sillas alargadas, sillas que proyectan árboles enanos… Días después derramé en la cocina un vaso de agua, no me suelen, no me solían, ocurrir estas cosas y me sentí molesto. Cuando volví con la fregona, el agua se había reordenado en gotas pequeñas y regulares que seguían, haciéndome burla, las líneas de los azulejos… Pensé que alucinaba, que algo me había sentado mal, ¿las vitaminas?, dejé de tomarlas. Durante algunas semanas más, ¿dos, tres?, las cosas permanecieron en su lugar hasta que… hasta que al morder una manzana esta se abrió como cortada por un cuchillo y en su interior, si es que alguien me cree, empezó a perfilarse sobre la superficie una perfecta y fresquísima hoja de hiedra; horrorizado deje caer la manzana y huí de mi casa. He pasado varios días fuera, no sé cuantos. Anoche regresé tarde y me metí en la cama sin pensar, sin revisar nada, sin encender las luces. Esta mañana el sol me ha despertado en el sofá, sobre la mesa, a la altura de mis ojos, la ironía de dos cerezas en equilibrio en la pequeña balanza que mi jefe me regaló en una cena de negocios el invierno pasado, un símbolo de la mesura y sensatez de mis actos y juicios…He sonreído al verlas, como un acto reflejo, y luego, luego me he sentado a escribir junto a un café negro y algunos cigarrillos que he encontrado en un cajón.

Beatriz Talaván

ILUSTRACIÓN

2009-06-01T08:40:00.000-07:00

¿Quieres ver más del trabajo de KIKO PÉREZ? Entra ya en:

http://blogs.antena3.com/borregos

PORTADA MAYO

2009-05-15T20:30:00.000-07:00

FOTOGRAFÍA

2009-05-14T07:12:00.000-07:00

"Retratos de Nueva York".

La Casa Encendida.

Retratos de Nueva York: fotografías del MOMA. El título explica el objetivo de la exposición: construir un retrato de la ciudad de Nueva York. A través de diferentes miradas de fotógrafos, expertos o aficionados, conocidos o desconocidos, esta muestra recompone, por medio de instantes presos de una cámara de fotos, la vida de una ciudad desde los inicios hasta el ocaso del siglo XX. De lo minúsculo de la existencia humana captado en una fotografía, salta el visitante a la imponente arquitectura de la ciudad de Nueva York. Son numerosas las imágenes de edificios ya míticos, todos ellos sobreviven al paso del tiempo, van dejando atrás a generaciones y generaciones que pasan de largo, que desaparecen, mientras ellos permanecen inalterables. Algunos fotógrafos optaron por autorrepresentarse en el espacio, otros convirtieron en eterna una escena de calle, gente yendo de un lado para otro, inmóviles ante un semáforo que no cambia de color, en la parada de algún transporte urbano que no llega, en el asiento de un vagón de metro que se desplaza por las entrañas de la ciudad. Gran parte de estas fotografías conforman el imaginario colectivo sobre la ciudad de Nueva York. Se presenta a la ciudad y también se la representa, objetividad y subjetividad convergen en esta propuesta. La objetividad, en las calles, en los edificios, en los grandes almacenes; la subjetividad, en los rostros en primer plano, las miradas cómplices, alguien que trata de parar un taxi... La representación de la ciudad emerge por medio de tradiciones de incuestionable valor: el jugador de béisbol, las instantáneas de los partidos, el desfile del día de acción de gracias…Nueva York se cuenta a sí misma por medio de múltiples técnicas y variados formatos. Cuando regresa a la calle, el visitante ha de llevar a cabo una ardua labor, la de reconstruir en su mente la ciudad de Nueva York con todas las imágenes que acaba de observar. Al unir los fragmentos obtendrá una única imagen, un retrato de Nueva York.

Rita Sánchez Aragó.

Fazal Sheik.

Fundación Mapfre.

“De una espina puede salir una rosa, de una rosa puede salir una espina”
Cuando me recomendaron ir a la exposición de la Fundación Mapfre en la sala Azca sobre Fazal Sheik pensé… ¿de quién?
Y es normal porque poco se conoce al fotógrafo documentalista en España, además es la primera vez que se expone. Las fotografías realizadas por el neoyorkino son de sus viajes por Pakistán, India, África, Afganistán e incluye también transcripciones de anotaciones y relatos de las gentes de aquellos lugares que visitó.
La base de su obra es el ser humano, que lo refleja con serenidad y dignidad pese a que todos ellos son personajes desfavorecidos del tercer mundo cuyo equilibrio se ha visto alterado. Refugiados, niños víctimas de su cruel entorno y mujeres a las cuales se les ha arrebatado los mínimos derechos y la esperanza, a veces tan sólo por el hecho de no haber nacido varón. Se palpa la complicidad entre el representado y el fotógrafo, y el espectador no hace de juez, sólo debe observar y si es posible reflexionar sobre ello.
Para mí lo más escalofriante son los relatos que cuenta sobre niñas en la India, víctimas de abusos y degradación, cuesta creer que hoy día siga sucediendo, y es claro la insistencia que hace en los valores perdidos de las mujeres en sociedades tan estrictamente patriarcales.
Fotografías en blanco y negro que hunden sus raíces en la psicología del representado
Sheik repasa el dolor y el horror de la guerra sin que se vea ni una sola gota de sangre y eso lo hace aún más hiriente.

Victoria-Ana Elunku Asanqono.

GALERÍAS

2009-05-13T12:51:00.000-07:00

Galería Astarté
Vicky Herreros / Por el aire, el deseo

En sus últimas pinturas, Vicky Herreros (Madrid, 1964) funde la filosofía estética de Malevich, con el espacialismo de Lucio Fontana y con los presupuestos del Tao. Las obras expuestas son el fruto de las reflexiones de la artista sobre la pintura y sobre el acto mismo de pintar, algo que finalmente deriva en preguntas sobre nuestra existencia misma. El color, la forma y la luz, se unen en este conjunto de acrílicos formando una sola unidad, una visión que traslada al espectador a un limbo pictórico, en el que realidad y fantasía están igualmente representados: la sombra que hace inteligible la materia y el blanco infinito que nos sumerge en un sueño. El vacío, el silencio y la armonía invaden cada una de las pinturas, configurando así una suerte de nuevos iconos en los que no hay lugar para quedarse, simplemente podemos flotar al compás de las formas representadas, con el deseo buscar la auténtica realidad en el devenir de los días.

Hasta el 28 de Mayo.

Galería Javier López
Arte Primitivo / Máscaras

Cuenta la leyenda, que un día en el que Picasso paseaba por París, fue sorprendido por una tormenta, e intentando refugiarse del aguacero, entró en un edificio en el que nunca había estado. En el Musée du Trocadéro, el pintor sufrió una revelación al ver las máscaras africanas. La máscara, cuyo auténtico rostro sólo puede verse en plena danza, es intermediaria entre el mundo terrenal y el de los espíritus, además de albergar seres sobrenaturales; quien la porta pierde su identidad y se transforma en un ser poderoso, cuya esencia va más allá de lo humano. En la Galería Javier López, procedentes de diversos lugares de África, donde se usaron en rituales a finales del siglo XIX y principios del XX, se exhiben hoy estos espíritus dormidos, que nos muestran ya desde el primer vistazo, que además de aquellas formas que fascinaron a los artistas de vanguardia, en ellas reside la magia que Picasso siempre soñó alcanzar.

Hasta el 3 de Junio.

Galería Max Estrella
Aitor Ortiz / Obra reciente

Bajo el título de Obra reciente, la galería Max Estrella presenta la última propuesta fotográfica de Aitor Ortiz (Bilbao, 1971). Este artista, que también trabaja con pintura y escultura, crea lo que él denomina “construcciones fotográficas”. Sus imágenes, sacadas del ámbito de la arquitectura industrial, se vuelven tridimensionales auspiciadas por unas estructuras metálicas de diferentes formatos. Los paisajes que Ortiz retrata hablan de su propia identidad, de la industria vasca que rodea su estudio en la península bilbaína de Zorrozaurre (no todos los aspectos que captura pertenecen al ámbito vasco, por ejemplo la serie del viaducto de Millau, pero si que retornan a él de forma constante). La luz, elemento fundamental en las fotografías, construye unas imágenes descontextualizadas que cobran un significado desconocido al adherirse a sus nuevos soportes, aunque sobre ellas siempre flotará una bruma misteriosa, eterna y ambigua.

Hasta el 23 de Mayo.

Galería Elba Benítez
David Goldblatt / In the time of AIDS

Tras las desafortunadas afirmaciones sobre el sida, realizadas por el Papa Benedicto XVI en su primer viaje a África, no pueden ser más oportunas las últimas fotografías del surafricano David Goldblatt (Randfontein, 1930). El artista reflexiona con imágenes sencillas y directas sobre la situación de su país, el primero en casos de sida, gracias en gran parte, a la actitud de personajes como el antiguo presidente Thabo Mbeki, quien afirma que la propagación de la enfermedad se debe a la malnutrición de la población. Goldblatt nos muestra vistas de paisajes, entornos cotidianos en los que, muchas veces escondido, aparece el lazo rojo, símbolo común en todas las imágenes y protagonista de la serie. El fotógrafo nos habla de la escasa visibilidad social de las campañas de prevención, de la necesidad de concienciar a la población y de la confusión que aún hoy se da, con respecto a una enfermedad tan brutal como es el sida.

Hasta el 29 de Mayo.

Críticas de Mª Carmen Flores.

CINE: Crítica

2009-05-12T07:30:00.000-07:00

WATCHMEN

Al fin se ha llevado a la gran pantalla “Watchmen”, el “Quijote” del cómic de superhéroes, ganador del premio Pulitzer y declarado inadaptable por su propio autor. La espera de veinte años ha merecido la pena: el director Zac Snyder (“300”) ha decidido ser absolutamente fiel al espléndido material original, y lo ha plasmado en pantalla con una fuerza visual impactante. Y además, no se pierde en el camino ninguna de las implicaciones filosóficas del cómic original. Estamos ante una película muy dura, profunda y espectacular, que explora la historia más reciente de EE.UU., el porqué de su complejo de salvadores del mundo, y llega a plantear las cuestiones más trascendentes: ¿Es la existencia del hombre producto de la casualidad o el fin último de la creación? Descúbranlo en “Watchmen”.

MAN ON WIRE

La imagen de un hombre caminando sobre un alambre entre las Torres Gemelas de Nueva York dio la vuelta al mundo en los años 70. Se trataba de Philippe Petit, funambulista francés que se obsesionó con caminar entre los gigantes del World Trade Center. Esta película, que ganó el Oscar al mejor documental en la edición de este año, narra con detalle la anécdota mediante un estilo cinematográfico que remite al mejor suspense de ficción. Del mismo modo, se retrata la historia y el pensamiento de Petit, un personaje tan extravagante como interesante, que con su vida da testimonio de su gran convicción: sólo podemos vivir como andando sobre un alambre para dar a cada día el máximo sentido, para hacer que nuestra vida sea un reto constante.

DOS EN LA CARRETERA

“Dos en la carretera” (“Two for the Road”, 1967) es un clásico a redescubrir, una joya realizada por Stanley Donen, que tiene una carrera interesantísima más allá de sus musicales clásicos (“Cantando bajo la lluvia”, “Un día en Nueva York”…). En ella asistimos a la disección de un matrimonio en crisis, a través de varios viajes por Francia. La audacia de la dirección y el montaje sorprenderán a más de alguno que piensa que Tarantino ha inventado la sopa de ajo. La descomposición temporal del relato, sin que por ello se pierda el espectador, refleja el estado del matrimonio protagonista. El encanto y la química de los protagonistas (Autrey Hepburn y Albert Finney) y la banda sonora de Henry Mancini (según él mismo, la mejor de su carrera) hacen que “Dos en la carretera” sea inolvidable.

Críticas de Federico Alba.

MÚSICA

2009-05-11T07:02:00.000-07:00

GRUNGE, SLUDGE Y HARAPOS

Grunge que literalmente significa harapos, bien pudo denominarse Sludge (fango) o Grimy (mugriento).

Así decidieron a finales de los 80 los productores del sello SUB-POP denominar la onda musical de grupos que empezaban a crear un rock dotado de una individualidad propia. Su centro Seattle, capital del estado de Washington, en la costa este de EEUU.

Ciudad industrial que albergaba garage clubs sin ninguna pretensión comercial, vio aparecer la primera oleada de grupos grunge hacia 1986-1988. En ella se recogen los ritmos pioneros de los hoy reconocidos grupos del Grunge. De esta primera generación surgen grupos como, Soundgarden, The Melvins, The U-men o Green River. Irradiándose la fuerza para una segunda generación, entre 1989-1990, formada por grupos como Mudhoney, The Walkabouts, Nirvana, Screaming Trees o Alice in Chains. Todos son grupos resumidos en su denominación “Grunge”. No por su significado, sino por su fonética y pronunciación. La palabra Grunge, como Sludge o Grimy, es obstusa y de sonido saturado. Su música, se resumía en su denominación: Mezcla del garage rock, el sonido saturado del heavy, y el post punk de los 80, sus composiciones buscaban un sonido sucio y sin refinar. Con guitarras que alternan acordes de contención y cambios de ritmo. Detestan el rock sinfónico. Su estética, como su música, gustaba de frivolizar con la apariencia. Una estética descuidada basada en el desprendimiento y el valor de lo considerado mundano.

Grupos de amigos que con sentido transgresor heredado de la new Wave (nueva ola), pero retomando los cambios de ritmos del rock y fraseo del punk, van formando una capital de un nuevo estilo musical. Esta afinidad que con el tiempo, incluso fue fomentada en las clínicas de desintoxicación, provocó un micromundo en Seattle. Y de las primeras generaciones muchos de sus instrumentalistas pasaron a la segunda, formando grupos como Madseason en 1994, con un único álbum publicado (Above), compuesto por el que fue guitarrista de Pearl Jam (Mike McCready) el vocalista de Alice in Chains (Layne Staley ), el bateria de Screaming Trees (Barrett Martin) y John Baker bajista de The Walkabouts. Se conocieron en su afán por alejarse de la heroína y en 1994 decidieron formar un grupo.

Pero como sucedió con el punk, del mismo modo que nació, su comercialización llevo a su progresivo exterminio. Así el 6 de Abril de 1994 a los veintisiete años era encontrado muerto por un disparo de escopeta Kurt Cobain; vocalista y compositor del grupo Nirvana. Quizá el grupo mas emblemático del grunge, pero directamente heredero de Mudhoney. Sus letras, oscuras y de frecuentes alusiones a lo no correcto, provocan como Lithium, o Rape me (viólame). Pero la fusión de los cambios de ritmos, y una cierta melodía, unido al éxito de su disco Nevermind en 1991, les elevaron a una fama mundial. Algo contradictorio con un estilo, que criticaba el consumismo, y que llevo a escribir a Kurt frases como “Me produce asco todo lo que he logrado” o a usar como portada de su disco mas famoso la imagen de un bebe sumergido tras un dólar que pende de un anzuelo. No en vano, sobre su cuerpo se encontró una nota, “Dejo este mundo por las presiones de la fama”. Su suicidio, a la misma edad que Janis Joplin, Jim Morrison y Jimmy Hendrix repitió ciclos de la música que nace para transgredir y acaba siendo su propia contradicción, absorbida por la fama y el marketing. Sin embargo el legado de Kurt Cobain perdura hoy día. Como se suele decir del rock, ¿ha muerto?.

La musicalidad de sonido ”sucio”, mensajes transgresores irá unida al ser humano, mientras sea humano y se vea envuelto en ciclos. Del mismo modo, el legado musical de estos grupos, servirá de base a futuros grupos, como la primera oleada Grunge sirvió a la segunda. Y quizá en el lugar más recóndito de algún lugar nazca una corriente, como sucedió en Seattle. Ciudad bien distinta del New York de Patti Smith.

Aída Cercas.

ENTREVISTA 1

2009-05-10T10:41:00.000-07:00

MARCOS ROCA

Marcos Roca enseña desde 1990 Literatura Española en la Universidad Complutense de Madrid. Nos habla de algunos de los aspectos más interesantes del panorama universitario. De su mano, descubrimos el funcionamiento de la Universidad para Mayores, cuya dirección está a su cargo desde 2007.

- ¿Cuándo y de qué manera se llega a la decisión de formar una Universidad para Mayores?
- El proyecto es una idea de la Comunidad de Madrid hace diez años. En el Año Internacional del Mayor decidieron crear un Programa específico para mayores. En este momento la Comunidad subvenciona estos Programas en todas las universidades públicas de la ciudad. Un mayor de 55 años puede disfrutar así, de un Programa durante tres años tras los cuales acaba. Sin embargo, nos encontramos con un problema fundamental, y es que no se quieren ir. A los mayores les gusta estar aquí, saben aprender y quieren continuar, están su derecho. Por ello se ha ido desarrollando un segundo ciclo que abarca tres años más.

- Sabemos que el proyecto está teniendo una gran acogida. De vista a un futuro, ¿se contempla la posibilidad de incrementar el número de plazas?
- Sí, se está disparando el número de solicitudes. Para la admisión tenemos que hacer un examen de selección pero mucha gente se queda fuera. No damos abasto, aunque también es verdad que cada vez la Universidad lo apoya más. Desde el Rectorado se han implicado muchísimo, y gracias a eso podemos ir creciendo. Tenemos la sede de Moncloa pero también en Somosaguas y en la Escuela de Óptica que está en San Blas.

- ¿Cómo te surge la oportunidad de ser el director de la universidad de mayores?
- Surge porque fui profesor del Programa y fue una experiencia increíble. Los mayores son un tipo de alumnos ejemplares, están muy motivados y carecen de la angustia que caracteriza a los estudiantes jóvenes, es decir, son competentes pero no compiten. Quieren aprender para seguir construyéndose como personas. Es tal el ambiente que se crea en la clase que resulta una experiencia muy buena. Los romanos tenían una frase que decía: “Ubi vene ibi patria”, que significa “allá donde estés bien, haz tu casa”. Y es lo que yo he hecho. Como me sentía tan bien, la vicerrectora pensó que quizás yo podía encargarme. Llevo un año y medio y estoy encantado. Es muchísimo trabajo, pero el proyecto es muy bueno y tengo un equipo extraordinario. El tiempo que dedicamos es mucho porque además de las asignaturas que se imparten de lunes a jueves, organizamos como unas 140 o 150 actividades, unos quince viajes culturales, conferencias, ciclos, etc.

- ¿Qué programa de asignaturas se sigue?, ¿difiere mucho del plan de estudios general de la Complutense?
- El Programa aún carece de reconocimiento oficial, pero la Universidad ha aprobado un plan de estudios donde están presentes casi todas las áreas de conocimiento. Hay matemáticas, arte, literatura, antropología, música… El segundo ciclo es ya más de especialización, con conferencias y seminarios que pretenden profundizar en los temas que más les interesa. En todo caso es un plan de estudios que habrá que renovar en algún momento, porque a medida que avanzamos nos damos cuenta de que faltan algunas materias que no están presentes.

- ¿Ellos vienen con la intención de especializarse en algo o no?
- Hay de todo, algunos ya son licenciados, otros tienen doble licenciatura y otros nunca han estado en la Universidad. El nivel, en general, es buenísimo, por eso por un lado es bastante difícil para el profesor lidiar con tantos niveles en una misma clase. Aunque es un público crítico y exigente, combina la crítica con el cariño y la entrega, quieren calidad.

- Desde tu papel ya no como director sino como docente, ¿crees que la diferencia de edad con respecto a un alumnado más joven se nota mucho? ¿con cuál te encuentras más a gusto al enseñar?
- Hay algo que es fundamental, los mayores no estudian con la angustia de tener que competir, sino que estudian para crecer. A mí me gusta siempre apuntar, como dice un antropólogo inglés, que la edad de la jubilación es la edad del trabajo sobre la propia identidad. Es decir, están encontrándose, descubriendo quiénes son, y la universidad es una clave, una llave que les estás proporcionando. Son felices, muchos dicen que les ha cambiado la vida. Además, hay estudios médicos que demuestran que el hecho de estudiar a partir de la jubilación minimiza cualquier tipo de dependencia futura. Con los jóvenes también estoy bien, me gusta lo que hago, creo que no sabría hacer otra cosa que ser profesor.

- Estos estudios de la Universidad de Mayores, ¿cómo se reconocen a nivel oficial?
- Hemos luchado muchísimo y hemos conseguido entre todos algo fundamental: una ley nueva para que los mayores accedan por fin a las titulaciones oficiales. La idea es que hicieran primero nuestro curso, preparándose perfectamente para después, tras un examen, poder acceder a una licenciatura. En ese sentido Bolonia es interesante, porque se contempla la figura del estudiante “parcial”, que tiene bastante libertad para ir diseñando un poco su estrategia, su itinerario, y eso beneficia a los mayores.

- ¿Qué opinión te merece el plan de reforma universitaria, el llamado Plan Bolonia?
- Hay aspectos con los que estoy muy contento, por ejemplo, el planteamiento que hay de la clase pequeña, participativa. Reconocer por fin, en créditos, el trabajo fuera del aula, la enseñanza activa del estudiante, su protagonismo y la asistencia. Todo eso se gana, pero se han perdido cosas.

- Y en cuanto a becas y ayudas para jóvenes, ¿crees que están suficientemente publicitadas? ¿se nos presentan claras las becas y salidas profesionales?
- Por supuesto que no. Falta información y hay que potenciar todas esas becas que se están potenciando y en las que se implicarán también las empresas. La verdad es que intentamos cada vez más imitar el espíritu universitario norteamericano, pero allí sí que tienen muy claras tanto las becas como los caminos de salidas profesionales. Aquí falta esa información, lo que causa un desconcierto preocupante entre los alumnos.

- Y el número de éstas, ¿es suficiente?
- Creo que no es suficiente y por ello hay que ampliarlas. Uno de los objetivos fundamentales de Bolonia es encajar la universidad en la sociedad. Pero hay que pensar que este encaje también es reversible, la sociedad y todas las instituciones de la misma tienen que implicarse, sobre todo económicamente. No sólo me refiero a las instituciones políticas, sino también las privadas, y ambas desinteresadamente. Por eso las becas siguen siendo hoy su particular asignatura pendiente.

- En tu opinión ¿cuáles son los métodos más adecuados para impartir clases al estudiante universitario? ¿Siguen teniendo sentido las clases magistrales o hay que esforzarse por conseguir una mayor interacción entre profesor y alumnado?
- Mi forma de dar la clase es un poco atípica, yo nunca he dado una clase con el método “magistral” porque no me interesa en absoluto. A mí lo que me interesa es cómo afecta la literatura en la vida del estudiante, como decía Pedro Salinas, “transvivirse en los textos”. Yo soy profesor de Literatura y lo que pretendo es esa apropiación y esa transformación desde la Literatura. Luis Cernuda decía que sólo se aprende algo si te transforma en alguna medida la vida. Tiene que haber una transformación en el alumno, ese es el objetivo. ¿Cómo se consigue?, pues casi nunca con una lección magistral, sino con una interacción a través de los textos, en ese sentido Bolonia ampara esta metodología. Es un sistema de participación, interacción, preguntas, celebración de textos en la clase, etc… Todo esto ahora recibe un valor que antes no tenía.

- ¿Cómo ves las salidas profesionales para los jóvenes estudiantes que acaban estudios de Humanidades?
- Las veo muy bien. He leído varios informes europeos y conozco la situación en Estados Unidos. Cada vez se están valorando más los estudios de Humanidades para dirigir todo tipo de proyectos, tanto empresariales como institucionales. No debemos extrañarnos que un chico licenciado en filosofía esté dirigiendo una multinacional. Antes esto no era posible, ahora lo será. En Humanidades, España es una potencia mundial. Por eso cada vez recibimos más estudiantes Erasmus y de programas norteamericanos, a parte de los que vienen sólo a estudiar español. Pero no podemos bajar la guardia, no podemos consentir que desaparezca ninguna titulación de humanidades.

- Por último, ¿está desatendida la educación en el campo de la investigación?
En este momento sí que lo está por la crisis económica. Bolonia también potenciará la inversión en este campo y habrá muchísimos más proyectos e investigaciones en esa línea. Además, ahora es más fácil que un estudiante de posgrado pueda participar en estos proyectos. Antes era mucho más difícil. Afortunadamente las cosas están cambiando.

Entrevista de Jennifer Calles y Luis Cáceres.

INFORM-ARTE

2009-05-09T13:11:00.000-07:00

MUSEOS

Muchos de los que invertimos una media de cinco años-como mínimo- en estudiar una carrera superior, nos hacemos la misma pregunta al terminar: ¿y ahora qué? A diferencia de lo que se nos pone de relieve casi de forma constante, sí existen muchas salidas profesionales para nosotros, únicamente debemos saber dónde buscar.

FUNCIONARIOS DE MUSEOS

Para aquellas personas interesadas en trabajar en alguno de nuestros Museos Estatales, remito a la página web del Ministerio de Cultura: http://www.mcu.es/. En esta dirección web podéis encontrar la información acerca de las oposiciones al Cuerpo Facultativo de Conservadores de Museos, así como de las relativas a Ayudantes de Conservador de Museos.

Las oposiciones para acceder al Cuerpo Facultativo de Conservadores de Museos constan de un proceso dividido en cuatro exámenes oficiales en torno a diferentes ámbitos relacionados con las instituciones museísticas. El primero, escrito, fusiona temas de legislación con temas de Museología y Museografía. El segundo, oral, consiste en que el opositor prepare una serie de temas en torno a Arqueología, Historia del Arte, Etnografía…divididos en tres bloques. El tercer examen, de idioma extranjero, consiste en la lectura y comprensión de un texto en el idioma elegido, cualquiera de la UE, siendo el cuarto examen un supuesto práctico. El aspirante deberá superar satisfactoriamente cada una de las pruebas para poder ingresar en el Cuerpo.

El aspirante que haya superado las pruebas con éxito, podrá acceder a un puesto de trabajo en cualquiera de los diecisiete Museos Estatales de gestión directa del Ministerio de Cultura, entre otros: Museo Arqueológico Nacional, Museo Nacional de Arte Romano de Mérida, Museo Nacional Escuela de San Gregorio, Museo Nacional de Artes Decorativas, Casa-Museo Sorolla, Museo Cerralbo, Museo Romántico, Museo Nacional de Antropología, Museo del Traje. Centro de Investigación del Patrimonio Etnológico, Museo de América, Museo Nacional y Centro de Investigación de Altamira, Museo Sefardí, Museo Nacional de Arqueología Marítima y Centro Nacional de Investigaciones Arqueológicas Submarinas…

Las grandes instituciones museísticas de nuestro país, como el Museo Nacional del Prado o el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía ofertan además oposiciones y becas respectivamente, que podéis consultar en sus páginas web.

PERSONAL LABORAL DE MUSEOS

Nuestros museos también cuentan con una serie de plazas destinadas a personal laboral -contratado- y por tanto, no siempre será necesario seguir el proceso de oposiciones para trabajar en una institución museística. Esta información también aparece en las páginas web de todos los museos, fundaciones y asociaciones que contratan personal laboral.

Rita Sánchez Aragó.

INFÓRMATE SOBRE TU FUTURO PROFESIONAL

Siquieres conseguir más información escríbenos a:

trazosrevista@hotmail.com

EXPOSICIÓN 1

2009-05-08T13:42:00.000-07:00

LONDRES /National Portrait Gallery

GERHARD RICHTER

“Einstein simplemente hacía ecuaciones y yo simplemente pinto” declaró hace unos años Gerhard Richter, calificado por algunos como el Picasso del siglo XXI. Y no hay que profundizar mucho para darse cuenta de que la pintura ha sido la gran obsesión en la vida de este artista alemán. De hecho, en apenas 50 años ha llegado a crear alrededor de 3000 cuadros imposibles de definir en un estilo artístico concreto. Ello no ha impedido, sin embargo, que sus obras hayan adquirido una fama y un valor en el mercado internacional con los que pocos podrían soñar. Quizás por ello, ya era hora de que un gran museo de Londres decidiera rendirle tributo. Y ha sido la National Portrait Gallery la encargada de tal homenaje: hasta el 31 de mayo, el museo que se encuentra en un edificio colindante a la National Gallery exhibe una selección de retratos, muchos de los cuales se presentan al público por primera vez. Todos ellos han sido realizados en el periodo que va desde los inicios de la década de los sesenta hasta la actualidad y provienen de colecciones privadas y públicas internacionales.

La muestra comienza con un plato fuerte: en una de las paredes del hall principal está expuesta la instalación 48 Tafeln (48 portraits), un conjunto de 48 retratos de personajes de la cultura de los siglos XIX y XX ya exhibidos en la Biennale de Venecia de 1972. Tras pasar este muro de la cultura, el resto de la exposición presenta una serie de distintos retratos agrupados dentro de las foto-pinturas, grupo de pinturas basadas en imágenes fotográficas. El propio Richter consideró que la fotografía era the most perfect picture (la imagen más perfecta) y debía ser utilizada como fuente por los pintores. Gracias a ella estos podrían simplificar su trabajo: tras olvidarse del proceso de pensar qué pintar, podrían pasar directamente a la acción. Por ello, Richter elegía fotografías basándose en ellas para realizar sus retratos pictóricos. Y en estos retratos, de personajes conocidos o vulgares, Richter decidió destacar la apariencia de los retratados, su superficie. “Un retrato no debe expresar nada del alma del modelo, ni la esencia ni el carácter” porque es imposible llegar a conocer el interior de las personas. Y lo consigue: para el espectador los retratados son personajes misteriosos en situaciones ordinarias cuyo pasado esta abierto a numerosas interpretaciones.

La exposición esta dividida en 5 secciones temáticas. La primera de ellas, “The Most Perfect Picture”, se centra en imágenes basadas en fotografías de periódicos mientras que las dos secciones siguientes, “Devotional Pictures” y “Continual Uncertainly”, son cuadros basados en imágenes provenientes de álbumes familiares. A pesar de las distintas fuentes, todas las pinturas comparten algo: se respira en ellas el mismo aire de misterio. A esto ayuda el hecho de que algunos rostros estén pintados de forma borrosa: algunas caras no están definidas por lo que los ojos, puerta de entrada al alma, son incapaces de contarnos algo del carácter de los retratados. Los personajes se convierten así en simples objetos que a veces nos engañan. Algunos parecen querer mostrar una falsa y ensayada felicidad pero solo cuando leemos los textos que acompañan los cuadros conocemos su triste historia. Es el caso de uno de los familiares de Richter, su tío, cuya imagen aparece con una sonrisa en una foto familiar y solo después nos enteramos de su final trágico, su asesinato a manos de los Nazis.

La exposición continua con “Private Images”, parte en la cual los retratados son coleccionistas, artistas o modelos alguna vez relacionados con Richter. Entro ellos esta Brigid Polk, mujer del círculo intimo de Andy Warhol, quien también utilizo imágenes de los medios de masas para sus obras. Y esto es seguido por la última sección, “Personal Portraits”, en la que se muestran retratos de los familiares y amigos más íntimos pero, a pesar de la cercanía entre retratados y artista, sigue existiendo ese sentimiento de impenetrabilidad. Los retratados son solo cuerpos. Y entre cuerpos encontramos algo sorprendente: un espejo que refleja nuestra propia imagen. Pasmados nos miramos. ¿Los demás pueden ver más allá de nuestra apariencia? La pregunta ronda por nuestra cabeza y nos asustamos….

Naiara Valdano.

EXPOSICIÓN 2

2009-05-07T13:54:00.000-07:00

La Casa Encendida / ARTAUD

"Golosinas envenenadas"

“…me ocurría, por ejemplo, levantarme al despuntar el alba viendo a Antonin Artaud sentado a mi cabecera. No había podido dormir en su casa, me decía, agitado por algún enigma o interrogación que me rogaba (“ordenaba” sería más exacto) que resolviera con él: “¿En qué campo despuntaba él: teatro, dibujo, poesía…?”.

Nada mejor que este recuerdo de André Masson para hacernos una idea de hasta qué punto se vuelve ardua la tarea de clasificar a Antonin Artaud dentro de una actividad: dramaturgo, actor, dibujante, guionista, poeta… La obra de este “suicidado de la sociedad” escapa a todo intento de definición o encierro, porque, todavía hoy, su trabajo parece una bomba de relojería a punto de explotarnos encima. Así nos lo advierte él mismo en una carta dirigida a André Breton en 1947:

“... me di cuenta de que el único lenguaje que podía tener con un público era sacar las bombas de mi bolsillo y arrojárselas a la cara con un gesto de agresión definido.
Y que los golpes son el único lenguaje que me siento capaz de hablar”.

Sin embargo, a pesar del peligro, estos días en Madrid, La Casa Encendida tiene el atrevimiento de retener dentro de unas cuantas paredes, parte de sus dibujos y cuadernos, que nunca antes habían sido expuestos en nuestro país. En todo caso, y aun arriesgándonos a entrar en un campo de minas, merecerá la pena mirar a la cara de cada uno de sus retratos y pasar las páginas de sus cahiers, aunque sin olvidar ni por un momento la amenaza que el propio Artaud nos dedica de antemano: “ay de quien los considerase como obras de arte”.

Lo cierto es que, más que por fines artísticos, Artaud retomó el dibujo y la escritura durante sus últimos años, como terapia aconsejada por el doctor Ferdière, director del hospital psiquiátrico de Rodez, en Francia. Ya desde los cinco años, siendo tan sólo un niño, el dolor se le introdujo dentro del cuerpo para no llegar a abandonarle del todo nunca más. Una terrible meningitis le postrará en cama primero, después llegarán las depresiones y tics nerviosos… Todavía al final de su vida mantenía latente el recuerdo de los dulces con los que le engañaban de pequeño para hacerle tomar medicamentos. Golosinas mezcladas con drogas para calmar sus ataques y sus cóleras, golosinas envenenadas que no le daba ningún extraño a la puerta del colegio, sino su propia madre en casa.

Entre problemas nerviosos y dependencia a las drogas irá transcurriendo la vida de Artaud. Pero no por ello debemos limitarnos a ver su figura como la de un loco, ni sentir lástima por él. A pesar de sus curas de desintoxicación constantes, más o menos una por año, y de sus ataques psicóticos, Artaud nunca paraba quieto. Profundamente activo, fue el mundo del teatro el que mayores posibilidades le brindaba para llevar a cabo la verdadera cura de desintoxicación a la que aspiraba. Aquella mediante la cual sanar al mundo de una época de enfermedad y degeneración.
En ese sentido, Artaud tenía perfectamente claro cuál es el papel del artista: una función de “chivo emisario, cuyo deber consiste en imantar, atraer, hacer caer sobre sus espaldas las cóleras errantes de la época para descargarla de su malestar psicológico”. De manera que el artista es algo así como un imán de ira y dolor que salvaguarda a la humanidad para que ésta pueda soportarse a sí misma. A él, al artista, van dirigidas como un rayo, y con una fuerza irrefrenable, todas nuestras inmundicias. Así, Artaud ofrece su cuerpo para hacer suyas nuestras miserias, para librarnos de lo que nos sobra, parte maldita que se adhirió a su ser y cuyos restos podemos todavía intuir sobre estos papeles heridos que conforman sus cuadernos y dibujos.

Salvaguardar su época, la época que le ha tocado vivir. Pero, como advierte Julia Kristeva, existen momentos en los que salvaguardar no es suficiente. Junto con ella, al ver los dibujos de Artaud, aún hoy nos preguntamos:

“¿El artista podrá, y cómo, hacerse oír por los sujetos que transforman el proceso de la historia?”.

La respuesta para Antonin Artaud estaba en la crueldad. No tiene sentido ver los cuadernos y dibujos que retiene en sus salas esta exposición sin darnos cuenta de que estamos en realidad ante la última posibilidad que tuvo Artaud de llevar a cabo su Teatro de la Crueldad. Un teatro de signos y no de palabras, de gestos y no de lenguaje, un teatro terrible, peligroso, que haga gritar al espectador, donde todo convencionalismo se rompa en pedazos y cuya base sea esa crueldad, en el sentido más amplio, sin la que vivir tampoco es posible.

Encerrado, de manicomio en manicomio durante nueve años, Artaud ya sólo podía hacernos gritar a través de la escritura y el dibujo. En estos papeles encontramos ahora el peligro, sentimos los gestos y hayamos los signos. ¿Cuchillos, clavos, botones del peyote? Yo creo que todos esos signos no son otra cosa que el regreso obsesivo, una y otra vez, de aquello que terminó finalmente con su vida cuando, el 4 de marzo de 1948, le encontraron muerto, presumiblemente, tras un atracón mortífero de “golosinas envenenadas”.

Locura y genialidad para algunos, magia y conjuración para otros, poco importa. Como decía Robert Musil:

“La gente considerada “normal” tiene todas las enfermedades mentales, a diferencia del “loco”, que solo tiene una”.

Jennifer Calles.

LITERATURA: Librería

2009-05-06T14:13:00.000-07:00

El quimérico inquilino
Roland Topor
Ed. Valdemar, 2009

Que el movimiento surrealista, en el ámbito literario, nunca dejó de suponer más que una acogedora guarida para toda suerte de perniciosos mediocres, sin apenas talento salvo para soltar previsibles disparates, es algo que debería ser sabido por todo aquel con un mínimo de capacidad crítica. No obstante, como en todo, hay excepciones remarcables. El famoso Grupo Pánico, auspiciado por Arrabal, Jodorowsky, y Roland Topor no es exactamente una de ellas. Sin embargo, bajo el ala de esta suerte de excrecencia surrealista y en aras de la pluma de Topor, judío polaco asimilado y avieso, hubo de surgir una novela más que notable. El quimerico inquilino, llevada al cine con bastante fortuna por Polansky en 1976, es un relato pútrido e inquietante, una auténtica bajada a los infiernos de la destrucción psiquíca, una ecología de la paranoia y la pesadilla. Una história de terror que, a medida que progresa en su desarrollo, se desliza por la mente del lector como un resbaladizo insecto por las sábanas de un lecho a medio hacer. Muy recomendable.

Mashenka
Vladimir Nabokov
Ed. Anagrama, 1994

Es muy sabido que una de las tentaciones a que se enfrenta el escritor novel, además de otras menos confesables y más onanísticas, es la de revelar parte de su intimidad mediante el viejo concepto de representarse a si mismo en su obra. ¿Se trata quizá de una forma de librarse de el lastre que supone su propio ser, de catalizarse antes de enfrentar empresas de mayor envergadura? No tengo ni idea. Es cierto, empero, que es algo a lo que el gran Vladimir Nabokov se acoge en este su primer libro. Uno de los tres o cuatro escritores más grandes del siglo pasado, Nabokov no tiende a registrar apenas tópicos que puedan adscribir otros narradores, sin embargo, en Mashenka, bajo el prisma de la búsqueda del amor pasado, la nostalgia de Rusia que asedia al joven exiliado Ganin, el autor nos habla, en prístino decálogo, de su propia realidad del pasado personal. Todo ello, huelga decirlo, hilvanado por la espléndida prosa y la fina ironía a que nos tiene acostumbrados. Una obra menor, pero decir eso de Nabokov, en el plano de la literatura contemporánea, ya es decir mucho.

Elric de Melniboné
Michael Moorcock
Ed. Edhasa, 2006

La fantasía épica se basa, como subgénero literario, en una serie de puntos o entronques temáticos deudores del hacer de autores como J.R.R. Tolkien o Úrsula K. LeGuin, en general maniqueísmos referentes al combate entre el Bien y el Mal, con la ineluctable victoria del primero tras sucesivos avatares. Michael Moorcock, escritor curioso, creador lisérgico e inquietantemente prolífico, revoluciona todo esto con su serie de fantasía más famosa, la saga del príncipe albino Elric. En ella desarrolla un fuerte concepto de ambigüedad moral, privando al género de cierto candor virginal e introduciendo la figura del antihéroe marcado por las fuerzas del destino. Mero peón en los cambiantes vientos del orden y el caos, Elric es el último vástago de una raza cruel y prehumana, castigado por los remordimientos y dueño a la par que esclavo de una espada inolvidable, Stormbringer… Se trata, sin duda, de la serie de fantasía heroica más influyente surgida en la década de los 70`.

La otra parte
Alfred Kubin
Ed. Siruela, 1988

Conocido ante todo por su obra plástica como pintor y grabador, próximo a la estética expresionista, Alfred Kubin hubo de contribuir a las letras germanas con una novela, tormentosa e inclasificable, llamada desde siempre a convertirse en el gran legado literario de un artista visonario. Tenebrosa parábola, impregnada de tintes distópicos, sobre el poder absoluto y sus manifestaciones alucinatorias y opresivas sobre la mente humana, La otra parte narra la historia de la ciudad de Perla, extraño y onírico lugar gobernado por Klaus Patera, suerte de demiurgo misterioso y ubicuo, en su progresiva transición bajo un vórtice de degradación y muerte. Mediante un desarrollo narrativo marcado por la decadencia carnavalesca, la dulce putrefacción del espíritu humano, el final acomete suave e inapelable. Influida por resabios de la obra de Gustav Meyrink y precedente tal vez de El castillo de Kafka, La otra parte es un libro imprescindible.

J.F. Pastor Pàris.

LITERATURA: Relatocromático

2009-05-05T10:33:00.000-07:00

HERENCIA

- ¡Mamá!- ahogó un sollozo entre los brazos de su madre.
- ¿Qué te sucede cariño?, ¿qué ha pasado?
- Yo, yo,- hipó la chica. – Es horrible, madre, horrible.
- Pero ¿el qué?, ¿qué es tan horrible?, ¿qué te ha pasado?
- Desaparecid …
- Mamá…
- ¿Sí?
- Yo, yo estaba con él…con un chico de mi clase, y es muy guapo, me gustaba mucho, pero…
- Descripción: cabello claro, ojos castaños, estatura media, unos veinte años …
- Vino a casa, mamá. ¡Lo siento, lo siento mucho!
- ¡Deja de sentirlo!, cariño- suavizó la voz- pero cuéntame por favor qué ha pasado, qué te ha hecho. - - ¿Quieres que llame a la policía?
- ¡No!, ¡no!, ¡a la policía no!
- Repito: desaparecid……anoche …
- ¿Qué hago entonces? Habla, mi vida, dímelo.
- Yo…, yo lo deseaba mamá.
- ¿Está todavía aquí?, ¿es eso?
- …no…sí…
- ¿Sí o no?
- Sí, pero…
- ¿Pero qué? dile que se vaya si quieres, ¿te da vergüenza que esté aquí?
- No es vergüenza, mamá. Es… Ha pasado algo horrible…Era la primera vez que me sentía así.
- ¿Te has enamorado?
- No. No ha sido amor mamá, era otra cosa, era una cosa mala. Lo quería para mí, pero… pero sin amor. Era perfecto: bello, inteligente, atlético, moderado, trabajador. Lo quería para…
- …
- Mamá…estoy asustada.
- Ya pasó sea lo que sea. No tengas miedo.
- Pero es que yo, yo lo quería para… Los he estudiado a todos, mamá, a todos los que conozco. Es como si él hubiera ganando un concurso, como si fuera la mejor elección para…
- Hija…yo.
- Visto por última vez, la noche del 31en compañía de …no ha vuelto a su casa.
- Espera mamá, hay más: ayer nos encontramos en una fiesta; estaba hermoso. Hablamos, bebimos, me hizo reír…
- Luego vinisteis a casa y todo siguió su curso, ¿no es eso?
- ¡Sí!, ¡no! Vinimos a casa y nos acostamos juntos y me gustó. Pero hoy, mamá, cuando me he despertado…
- ¿Te sientes culpable por lo que has hecho?
- Se relaciona con “esas” desapariciones… mismas características…
- No.
- Esta mañana te has despertado extrañada de haber sudado tanto…al abrir los ojos… has visto que era sangre.
- ¿Cómo…puedes…?
- Es así, ha sido siempre así, cariño. Tu abuela, tus tías, yo, tú…todas. ¿Nunca te has preguntado por qué no hay hombres en nuestra familia?
- Pero…
- Si es un niño de lo que estás embarazada, correrá la misma suerte que su padre. Ahora debemos ocuparnos de que nadie más lo encuentre, ya habrán empezado a buscarlo.

Beatriz Talaván.

CREACIÓN: Estética

2009-05-04T07:47:00.000-07:00

REARTE

La “Sociología del Arte” distingue entre obra producida: aquella recién realizada por el autor, y obra recibida: la interpretada por el contemplador.

Esto parece sugerir diversas posibilidades:

a) Disponemos de una misma obra con dos nombres distintos.
b) Disponemos virtualmente de dos obras distintas.
c) Disponemos de una obra que nace, muere y se transforma en otra.

Cualquiera de los tres enfoques apunta hacia un mismo matiz: el peso del contemplador sobre la obra de arte. Tan intensa es la participación del contemplador, que bautiza la obra de arte con un nuevo nombre. Pero tampoco termina aquí su influencia pues antes de bautizar obras, el contemplador, además, es el que detecta el arte. Al menos así opina Jauss Ingarden cuando dice: Una obra de arte existe cuando el contemplador la recrea. Tras detectar el arte, se selecciona por consenso del conjunto de contempladores que constituyen los llamados “mundos del arte” o World Art. Es lo que afirma George Dickie al decir: La obra de arte es el artefacto al que se le otorga un estatus de candidato a ser contemplado por aquellas personas que actúan en nombre de cierta institución social

Vemos pues que el contemplador no se conforma con contemplar.

El contemplador, detecta el arte, lo selecciona, lo bautiza. Interpreta, adjunta, extrae, introduce, incorpora, hace, deshace, participa, se involucra de tal manera, que finalmente: crea. El contemplador se volvió autor.

¿Será que el arte es contagioso? Algo tendrá que ver el artista en todo este asunto. Si no por artista, por contemplador. Al fin y al cabo el artista es el primer contemplador, el primero en ver su obra finalizada, comoquiera que luego se llame. Podría compararse al artista con el jugador de ajedrez, y a su obra producida como al “Jaque Mate” final de la partida. Pero el contemplador únicamente ve el movimiento final, el Jaque Mate. No puede asistir al desarrollo de la partida porque está en la mente del artista y nadie puede introducirse en la mente de otro. Si el contemplador quiere revivir la partida, esto es, la experiencia del artista, debe reconstruir los movimientos a partir del final, dando marcha atrás hasta llegar al principio. Las combinaciones son inmensas, pero el contemplador se afana generando múltiples opciones entre las cuales, quizá, se encuentre la que desarrolló el artista. En cualquier caso el resultado es una multiplicación de opciones en forma de textos, interpretaciones, poemas, melodías, catálogos, fotos, vídeos, representaciones teatrales, ilustraciones, y un sinfín, podríamos decir, de obras anexas, obras de los contempladores, obras que parten del Arte para hacer Rearte.

Si el contemplador evalúa el arte del artista, ¿quién evalúa el rearte del contemplador?, ¿los marcianos?

Los contempladores dicen que el artista es un personaje extravagante y complicado, como si no fuera con ellos, como si los contempladores estuvieran libres de pecado.

Pilo G-B.

CREACIÓN: Ensayo

2009-05-03T06:54:00.000-07:00

CRISTINA IGLESIAS
LA DRAMATIZACIÓN DEL ESPACIO

Cristina Iglesias (San Sebastián, 1956) es bien conocida por cambiar el vocabulario de la escultura a través de la creación de espacios o ambientes basados en nuestra experiencia y por su uso de tradiciones arquitectónicas y literarias que se utilizan en relación a un determinado lugar, ya dado. Utilizando pantallas y fachadas, construcciones que a menudo actúan como una “piel”, las instalaciones de Iglesias crean perímetros sólidos o de filigrana que normalmente ocultan y revelan al mismo tiempo un espacio interior, creando estancias de imaginación y de representación en las que aparentemente su sentido nos es dado, pero su misterio se mantiene. Como alfombras voladoras dibujando un laberinto de pasillos, sus superficies veladas traen a la mente las intrigas de un mundo ficticio en el que lo que es accesible sigue estando ligeramente oculto, detrás del ornamento de una estructura árabe de celosía o de una pantalla de tracería jalli mogola.

La artista creó dos grandes obras de instalación, un pabellón doble de pantallas metálicas tejidas suspendidas vertical y horizontalmente en todo el espacio como una tienda de nómadas flotante, que envuelve al espectador y transforma el espacio. La luz, que ilumina la obra desde arriba, crea sombras sobre el suelo y las paredes, donde la presencia espectral de un idioma indescifrable provee un encuentro con las palabras escondidas en patrones de símbolo e imagen, de oscuridad y luz. Lo que a primera vista parece abstracto se convierte en resumen literal tras un escrutinio más detenido, revelando un enigmático motivo caligráfico extraído de las palabras del clásico de ciencia ficción de Arthur C. Clarke de 1973, Rendez-Vous con Rama.

Estas dos grandes esculturas-habitaciones, que tenían como claro referente sus Celosías, llenaban por completo el espacio principal de la galería neoyorkina donde se expusieron por primera vez en 2005. En estas obras Iglesias combina varias disciplinas que incluyen escultura, arquitectura, fotografía y en cierta manera, literatura. En estas obras emplea hebras de alambre de hierro galvanizado y patinado que trenza y prensa para crear paneles que forman porosas estructuras que asemejan tiendas o carpas.

En gran parte de la obra de Cristina Iglesias, hay un sentido de lo siniestro. No sólo por como juega con nuestras nociones de lo familiar, obligándonos a experimentar distintos tipos de espacios u objetos de un modo al que no estamos acostumbrados. Sus estancias, por ejemplo, son a la vez familiares, reconocibles, extrañas, temibles. Pero obligándonos a contemplar los detalles, nos trae hacia la obra y perturba nuestro equilibrio.

De un modo parecido, esta obra es un ejemplo de lo siniestro de F. W. J. Schelling, como “todo lo que debería haber permanecido secreto y oculto pero ha visto la luz”. El aspecto secreto, oculto de la obra es su artificio, materiales artificiales con los que se construyen ciudades o textos que aparecen y desaparecen ante nuestros ojos. Buscan la luz y al mismo tiempo se adentran en la oscuridad. Observar estas obras provoca terror y placer, el deleite del placer que suscitan las pantallas en oposición a la opresiva acumulación de texto metálico. La artista alude tanto a la huida como al confinamiento: depende del espectador navegar entre lo fantástico y lo siniestro.

Los textos que escoge Cristina Iglesias para cubrir sus obras se suele decir que se refieren a mundos cerrados. Mundos creados completamente en la imaginación del autor. Mundos en los que el escritor hábilmente proyecta un lugar que tiene ser adaptado por el lector, quien entra por tanto en un mundo cerrado. Seguramente la intención de estos escritores es invocar un mundo que sugiera otros mundos a sus lectores.

La tensión entre el mundo aparentemente cerrado de las esculturas de Iglesias y las posibilidades que crea cada pieza es lo que hace tan apropiada su elección de escritores como Roussel, Huysmans, Ballard o Clarke. Cuando nos adentramos en una de sus estancias rodeada de texto y luz, se nos invita a seguirnos moviendo. No es un mundo perfecto. Está lleno de imperfecciones e incongruencias. El placer que se nos plantea, por supuesto, es encontrarlas.

Sebastián Jurado.

ENTREVISTA 2

2009-05-02T11:15:00.000-07:00

CHEMA MADOZ

Premio Nacional de Fotografía en el año 2000 y uno de los artistas españoles más admirados por el espectador, Chema Madoz nos habla de su participación en la exposición organizada estos días por Artendencias, que reúne a todos los premiados con este galardón.

- ¿Cómo contacta contigo Artendencias?
- Contactan desde que nace la idea de organizar una exposición con los Premios Nacionales de Fotografía, me imagino que en ese momento se comunican con cada uno de los participantes de la muestra.

- ¿Qué te parece la idea por la que surge este proyecto, es decir, exponer junto con los otros Premios Nacionales de Fotografía?
- En un primer momento, yo tenía bastantes dudas en cuanto a cómo podría funcionar una exposición de estas características. Me refiero sobre todo a que los fotógrafos que tienen el Premio Nacional se encuentran en universos muy diferentes, muy distintos. Lo más normal es ver las exposiciones de cada uno de ellos por separado. Verlo todo reunido era, en mi opinión, un poco caótico, de alguna forma era una especie de desafío. La organización de Artendencias ha sabido componer el trabajo de todos nosotros con cierta gracia. Me refiero a que han sabido encontrar varios vínculos conductores, temas sobre los que ir eligiendo una serie de imágenes y formar de esta manera diversos discursos, constituyendo así varias lecturas acerca de las obras. Esto permite darle una gran coherencia a la exposición y no dejarlo en un mero recorrido de nombres y obras sin sentido.

- En esta exposición podemos ver obra fotográfica de muy diversos artistas ¿Con cuál de los que están representados en este espacio te podrías sentir más identificado?
- Creo que me siento identificado por ejemplo con Fontcuberta. Le recuerdo desde que yo comencé a hacer fotos, momento en el que él ya llevaba muchos años trabajando. Fontcuberta me atraía enormemente porque consideraba que se movía en un universo que para mí era muy interesante. Es un fotógrafo que ha ido desarrollando un maravilloso discurso, muy personal y único, a lo largo de los años. De alguna manera sí que me identifico con él, aunque no haya una afinidad entre su trabajo y el mío. Siento una cierta afinidad con él, digamos que “espiritual”, por su trabajo.

- ¿Cómo ves el panorama de la fotografía actual dentro del mundo del arte hoy por hoy? ¿Crees que es una tendencia que está en auge?
- Bueno, creo que hoy todos somos conscientes de alguna forma de que la presencia de la fotografía está siendo muy evidente y muy palmaria durante los últimos años dentro del panorama artístico. Yo pienso que ha ocupado el lugar que hace años no tenía y que, evidentemente, estaba reclamando. Creo que está pasando por un buen momento, aunque también muy convulso en la medida de que la fotografía está renovándose continuamente Con la fotografía digital se está cambiando el discurso, se está cambiando todo. Es algo que afecta a la naturaleza de la fotografía en sí.

- ¿Qué opinas sobre la realidad cotidiana de que ahora todoel mundo pueda hacer fotografía?
- Sí, es un medio muy cercano. Y a mi siempre me han parecido interesante los medios que pueden llegar a muchísima gente. Porque de esta forma queda ahí la posibilidad de que puedan surgir otros fotógrafos y otras maneras de hacer fotografía, otras miradas. Aunque también, si lo piensas con un poco de frialdad, al final es como en el caso del escritor… es decir, lápiz y papel tenemos todos, pero ¿cuántos escritores hay? Bueno, en todo caso, sí que me parece interesante que la fotografía esté al alcance de todo el mundo.

- A lo mejor te lo habrán dicho mil veces, tu fotografía recuerda mucho a las imágenes de Joan Brossa, con el que de hecho has trabajado ¿qué significa para ti la figura de este artista?
- Me lo han preguntado muchas veces, y creo que siempre contesto lo mismo. Yo conocí a Brossa, y lo que lamento es no haber descubierto su trabajo con antelación. La producción artística de Brossa la conocí hacia el año 1992 o 1993, cuando le hicieron una gran exposición en el Museo Reina Sofía. Entonces, yo ya llevaba un tiempo trabajando con objetos sin conocer su trabajo. Cuando vi su exposición en el Reina Sofía, fue muy impactante para mi, porque me encontré con una persona que había estado trabajando en algo que yo sentía como muy cercano, pero con muchos años de antelación. De modo que todo ésto es algo que a mi me hubiera encantado conocer con anterioridad, por ejemplo cuando estaba estudiando en la universidad. En ese momento yo no conocía nada suyo y por eso fue muy chocante y revelador conocer su trabajo. Luego tuvimos ocasión, más adelante, de conocernos y colaborar juntos. Yo siempre lo he sentido como un universo muy cercano al mío. Él con otro tipo de preocupaciones, porque de alguna manera refleja también un momento muy concreto de la historia de nuestro país. En el sentido de que hay imágenes que giran en una especie de antimilitarismo, crítica religiosa y política. Lo que quiero decir es que hay una serie de temas que ocupan o, mejor dicho, cuya forma de tratarlos está situada en un periodo de la historia muy concreto y mi trabajo ya no…

- ¿Quieres decir qué las preocupaciones ya no son las mismas?
- Exactamente, sin embargo sí que hay una relación que está ahí, que salta a la vista, entre dos maneras de trabajar, entre dos sensibilidades muy cercanas.

- Por último, ¿qué fotógrafos son los que ahora mismo tienes en mente o, a lo mejor, a los que tú darías el próximo Premio Nacional de Fotografía?
- Por ejemplo un nombre que siempre me ha parecido que debería estar aquí sería el de Daniel Canogar, que se ha quedado fuera. El año que yo gané el premio, pensaba que él era el mejor candidato, aunque no salió. Supongo que en todas estas historias siempre hay algo de lotería. Entonces, unas veces te toca y otras veces te quedas fuera. Pero me parece que tiene un trabajo fantástico y que debería de estar ahí.

Entrevista de Jennifer Calles y Luis Cáceres.

ILUSTRACIÓN

2009-05-01T13:14:00.000-07:00

¿Quieres ver más del trabajo de KIKO PÉREZ? Entra ya en:

http://blogs.antena3.com/borregos

PORTADA ABRIL

2009-04-14T10:07:00.000-07:00

FOTOGRAFÍA

2009-04-13T04:42:00.000-07:00

WEEGEE en la Fundación

Telefónica

Si las fotos de Weegee fuesen en color, sus modelos saldrían con los ojos rojos. Es lo que tiene usar el flash, que se te mete la luz por el iris y te enciende la sangre. Suerte que Weegee usara película en blanco y negro, porque si no ahora habría que tirar de Photoshop para arreglarlas.

Casi todas las fotos de Weegee que han traído a Madrid fueron tomadas de noche, con flash, en el Nueva York de los años cuarenta. En aquella época, en aquella ciudad, salías a dar un paseo después de cenar y lo mismo podías toparte con Buñuel que con un puñado de borrachos. Buñuel, por si no os acordáis, trabajaba en el MOMA. En la exposición de la Fundación Telefónica nadie precisa si Weegee se topó él o no, pero está clarísimo que de los borrachos se sabía hasta la talla de pantalón. En cuanto se ponía el sol, el tío se iba con su cámara al Bowery, uno de los barrios más chungos, y se ponía a hacer fotos de gente con aliento a whisky. Era un esteta de los borrachos: podía dar vueltas y vueltas hasta encontrar al borracho perfecto, y luego lo inmortalizaba. Igualito que Velázquez, pero con acento de Ucrania.

Weegee decía siempre que sabía cuándo iba a pasar algo interesante porque le picaba el codo. Si le picaba, era el primero en llegar al lugar del suceso y hacer la foto. De hecho, “Weegee”, su nombre, es una deformación de Ouija, la tabla mágica que usan las médiums. Pero… ¿y si no le picaba? Entonces hacía trampa. De todos sus borrachos, la más famosa es una señora que sale en una foto titulada The Critic. En la imagen, ella es la que está a la derecha, y justo al lado hay dos multimillonarias que habían venido a un estreno. El contraste entre unas y otras es un chiste buenísimo para desprestigiar a los críticos. Pero con truco: al parecer, el mismo Weegee había emborrachado a la buena señora y la había colocado delante para provocar la situación. Qué tío. Qué foto.

Rfa.

Deutsche Börse Photography Prize.

La Photographers´ Gallery es una galería que se encuentra en un lugar privilegiado de Londres: el edificio está construido cerca de la plaza Oxford Circus, una zona de tiendas donde masas de turistas disfrutan de las compras y los escaparates. Y es aquí, en esta galería, donde todos los años desde 1996 se exponen los trabajos de los finalistas del Deutsche Börse Photography Prize. Este premio es uno de los reconocimientos más importantes entre los fotógrafos y durante todas sus ediciones ha enseñado al público los nuevos caminos de la fotografía contemporánea. En el caso de la edición de este año, las condiciones eran claras: se dotará de un premio de 30.000 libras al fotógrafo de cualquier nacionalidad que durante el año pasado expusiera o publicara el trabajo de mayor significado para la fotografía europea. Los finalistas que optan al premio, y cuyas obras se encuentran expuestas en la galería hasta el 19 de abril, son cuatro: Tod Papageorge (1940, USA), nominado por su trabajo Passing Through Eden-Photographs of Central Park; Taryn Simon (1975, Nueva York), cuyo trabajo presenta un completo estudio visual sobre curiosidades de distintos ámbitos de la vida americana, desde la medicina hasta la seguridad; Emily Jacir (1970, Arabia Saudí), nominada por su estudio documental sobre el asesinato del intelectual israelí Zuaiter; y por último, Paul Graham (1956, Reino Unido), cuyo trabajo es un canto a las actividades de la vida diaria (fumar un cigarrillo, esperar al autobús, jugar al baloncesto…). A la espera de conocer al ganador os animo a bucear por la Red y descubrir la obra de estos artistas.

Londres.

Hasta el 19 de Abril.

Naiara Valdano.

GALERÍAS

2009-04-12T09:18:00.000-07:00

Pepe Cobo y cía

Alejandra Freymann

El nuevo espacio de la galería Pepe Cobo supone todo un desafío. Después de su estreno con la muestra colectiva “Cambio de aceite”, llegan las pinturas de la joven mexicana Alejandra Freymann dispuestas a dotar de una atmósfera de cuento a este singular taller de coches convertido en sala de exposiciones. Aunque quizás, el cuento que nos presenta la artista no sea tan autocomplaciente como sugiere en un primer momento el hipnotizador color de sus imágenes. Quizás, si nos detenemos un instante en estos paisajes inconscientes y sus diminutos personajes, descubramos un aura entre mística y cargada de humor cuyo misterio no dejará que nos relajemos. Anécdotas que fluyen en unos planos que se entrelazan. A pesar de la enorme diferencia de formatos, cada imagen parece ser inseparable de las demás, como una trama, inquietante por su fragilidad pero cargada de belleza: “parto siempre de un escenario algo onírico donde no hay apenas distancias y el acontecimiento sucede en todos los planos a la vez”.

Hasta el 4 de Mayo.

Galería Antonio Machón

Alberto Reguera / Campo de visión

La pintura de Alberto Reguera no se resigna al plano. Huye, corre por anchos bordes y cantos como un condenado que escapase de su prisión. A veces llega hasta las paredes, y otras se instala erguida junto a nosotros, posando su cuerpo sobre el mismo suelo en el que descansan nuestros pies. Sí, la obra de Reguera se sobrepasa a sí misma. Critica y se desentiende, como hiciera el crítico de arte norteamericano C. Greenberg, de “la pintura de caballete, ese cuadro trasladable que cuelga de una pared”. Nos hallamos por tanto ante una renuncia y una reivindicación. Renuncia de todo aquello que suponga un límite, ya sea de tipo físico o visual, para reivindicar así una apertura total en la que el espectador camine por la pintura no sólo con la mirada, sino con su propio cuerpo. En sus instalaciones pictóricas, cada pintura-objeto adquiere la fuerza y energía de la propia naturaleza. Los colores abrasivos de sus pigmentos son insustituibles para una abstracción que representa luces crepusculares, fragmentos cósmicos, territorios nocturnos y océanos cúbicos.

Hasta el 19 de Abril.

Galería Helga de Alvear

Ángela Bulloch / Smoked, Formed & Quartered

En los años 90, aparecieron en el panorama artístico londinense el grupo Young British Artists, destacados por la utilización de nuevos materiales desconocidos hasta entonces por el arte. Así, Damián Hirst se dio a conocer utilizando en sus obras cadáveres de animales disecados y Ángela Bulloch por su parte se dedicó a indagar sobre las posibilidades de las nuevas tecnologías. Porque, como dice Arthur C. Danto “lo que importa no es con qué nos relacionemos sino cómo nos relacionamos”.
Las dos obras que conforman esta exposición de Bulloch, Smoked Spheres y Night Skies, se entienden como síntesis y evolución de su trabajo. Aunque lejos ya de sus famosas “pixel boxes” en las que ponía de relieve la codificación intrínseca en medios como el cine, sus instalaciones actuales mantienen como factores inalterables módulos, luz y movimiento. Bulloch sigue socavando nuestro sistema de percepción visual, y para ello revisa movimientos como el Op Art a través de la tecnología.

Hasta el 30 de Abril.

Galería Joan Gaspar

Enrique Brinkmann / Mallas y papeles recientes

La galería Joan Gaspar de Madrid nos ofrece el privilegio de escuchar las cosas que nos dice la obra más reciente del malagueño Enrique Brinkmann. Desde la década de los noventa, su pintura atraviesa, de forma literal, un soporte muy peculiar. Persiguiendo la tridimensionalidad de la pintura, Brinkmann había usado anteriormente el metacrilato, pero es sin duda con la malla metálica con la que ha conseguido revelarse definitivamente contra la lección vanguardista de que la pintura es plana. Entre lo real y lo representado, su obra se compone de diferentes espacios, siendo a la vez un delante, un detrás y un adentro. ¿Qué ocurre entre la pintura de la malla metálica y las sombras de la pared?, nos preguntan obras como Próximos tiempos acuáticos (2006) o Suceso horizontal (2007). Pero, frente a la transparencia y levedad de estas piezas tenemos las más recientes, como Siete burbujas negras (2008), opacas, densas, pintadas desde atrás para poner de relieve, otra vez más, una poética plástica de la emoción.

Hasta el 30 de abril.

Jennifer Calles.

CINE: Crítica

2009-04-11T06:30:00.000-07:00

LOS ABRAZOS ROTOS
Pedro Almodóvar

Lo último de Almodóvar sale económico. Ves no una sino dos películas: Los abrazos rotos, melodrama algo forzado, y Mujeres y maletas, comedia fluida, desternillante y que, sin duda, debería ser la verdadera protagonista. Así es, Almodóvar, cuyo cine siempre es punto de reunión de todas las artes, definitivamente ha hecho su propia noche americana. Mujeres y maletas, película dentro de la película, sirve al director para hacer un personal homenaje al séptimo arte, así como a sus propios comienzos en él. El problema surge cuando ese homenaje nos atrapa más que la historia que se quiere contar, es decir, Los abrazos rotos, dos horas de película en las que podríamos parafrasear a Patti Diphusa en La Luna: ¡Uf! Es increíble lo creativa que soy, sin darme cuenta ya he escrito más de dos folios y todavía no he dicho NADA.

Jennifer Calles.

SLUMDOG MILLONAIRE.
Danny Boyle.

Hitchcock decía que al espectador hay que darle gato por liebre. El gato, en su caso, se llamaba McGuffin. Un McGuffin es un truco para que te enganches y tragues con todo creyendo que has tomado liebre. Slumdog Millionaire, por ejemplo, está plagada de McGuffins. Pero cada uno tiene que decidir cuál es el suyo. Por un lado, la historia de un “perro de chabola” que sale en la tele puede pasar por retrato de la India disfrazado de concurso de Telecinco. Ahí, el McGuffin sería el concurso. Pero también podría ser que la historia del protagonista estuviese para despistar, y que el verdadero interés lo generase el programa. En este caso, la gente habría ido al cine a ver Quién quiere ser millonario en pantalla grande. Y, de postre, se habría llevado Mira quién baila.

Rfa.

GRAN TORINO.
Clint Eastwood.

Antes de rodar Gran Torino, Clint Eastwood hizo tres cosas: revisar los VHS de Harry el Sucio, leer la Biblia y bajarse el último Batman. De Harry Callahan tomó las sentencias de verdugo cínico que tantas camisetas iguales adornan en Malasaña y las apuntó para Mr. Kowalsky, su nuevo personaje. De la Biblia tomó a Cristo, sin espinas pero con la misma historia de redención y sacrifico. A continuación Clint Eastwood llamó al restaurante coreano de la esquina, pidió fideos y revisó por encima El Caballero Oscuro. “Maldita sea”, dijo, “si ésta película es la última que hago, quiero tener la misma ronquera de estreñido que Christian Bale. O, por lo menos, gruñir como un murciélago”. Al día siguiente, Eastwood empezó a rodar y le salió una genialidad.

Rfa.